L. A.-baserede filmskaber Noam Kroll arbejder i øjeblikket på sin anden funktion. Han holder en produktion blog på sin hjemmeside NoamKroll.com. i dette blogindlæg skriver han om at fokusere på karakterer for at opbygge et bedre manuskript. Tjek Krolls blog her, og hans produktionsselskab post-production house Creative Rebellion her
at skrive et manuskript er en balancehandling, og mens alle komponenter skal arbejde sammen i harmoni, er den ene komponent, der virkelig kan lave eller bryde scriptet (efter min mening) karakteren. Med andre ord, du kunne have den smukkeste skrevne historiebue, og perfekt struktur til dit script, men hvis din hovedperson er kedelig og flad, falder alt andet i stykker. Omvendt dog, du har muligvis en historie, der har brug for arbejde, og den generelle tempo kan være slukket, men hvis din hovedperson er overbevisende, dit publikum forbliver engageret i filmen uanset nogle af de mangler, det måtte have. I den ideelle verden, du vil finde den balance, jeg nævnte ovenfor, hvor alle komponenterne arbejder harmonisk sammen, og en sikker måde at starte i den rigtige retning er først at fokusere på at skrive lagdelte tegn med mening og formål.
her er min top 5 tip til at skrive stærkere karakterer i dit manuskript:
populær på dansk
#1 – Gør din karakter sympatisk tidligt
hvis du forventer, at dit publikum skal rodfæste din hovedperson i de næste 90 minutter af filmen, må du hellere gøre noget tidligt for at sikre dig, at du har tjent det. Nogle manuskriptguruer (især Blake Snyder) understreger dette punkt frem for alt andet – og med god grund. Uden en karakter at rodfæste, din historie har intet at gøre med det. Publikum skal identificere sig med nogen tidligt, og hvis dine tegn generelt ikke kan lide (selvom du måske synes, de er interessante), vil det simpelthen ikke være nok til at opretholde et script. Ofte skriver manuskriptforfattere deres hovedperson på en måde, der ville være mere egnet til at skrive en antagonist. De har måske et par snappy linjer med dialog her eller der, men generelt føler de sig som en negativ, selvbetjenende kraft i filmens store plan og har ofte ingen forløsende egenskaber.
skrivning sympatiske tegn kan gøres i en uendelig mængde af måder. For eksempel, simpelthen som at skrive stærk dialog, der viser, hvor vittig eller charmerende karakteren kan være, kan gå langt. Eller de kunne gøres sympatiske gennem deres handlinger, viser en uselvisk handling tidligt i filmen for at etablere dem som en positiv kraft. Og husk, alt dette kan gøres i sammenhæng med den verden, du skriver i, og må på ingen måde male dine karakterer som perfekte mennesker. Hvis du skriver “The Sopranos”, kan du stadig gøre publikum rod for Tony Soprano, fordi du ser den værdi, han lægger på sin familie og den sårbarhed, han har som en person, der kæmper med depression. Inden for rammerne af en anden historie kan Tony Soprano være en flad ud dårlig fyr uden forløsende kvaliteter, men i Sopranerne er han omgivet af mennesker, der er objektivt værre end ham, og som sådan kan han stadig rejse sig og vise publikum, at han er den karakter, der er mest som dem. Den nederste linje er, hvordan du gør det, uanset om det er gennem dialog, handlinger, humor eller andre midler – få dit publikum til at rodfæste din føring så tidligt som muligt.
#2 – Byg realistisk & detaljeret karakterisering
karakter henviser til essensen af, hvem nogen i dit script virkelig er på indersiden. Er han eller hun en god person eller en dårlig person? En fighter eller en tøsedreng? Karakter er denne persons ånd, mens karakterisering er det kvantificerbare resultat af, hvem de er. For eksempel, lad os sige, at du har ego-drevet Kvindelig antagonist med et højt drevet job og chip på hendes skulder. Hun kører måske en stor SUV til arbejde, drikker sort kaffe, og har udviklet et nervøst kryds. Alle disse punkter er karakteriseringsdetaljer. Detaljerne ændrer ikke, hvem karakteren er i deres kerne, men de er simpelthen et realistisk biprodukt af, hvem den karakter er, og hvordan de udviklede sig. Tag for eksempel karakteren af Derek Vinyard i “American History” (spillet af Edvard Norton). Mens filmen udsætter ham for at være en forandret mand, er han stadig dækket af tatoveringer, der er en konstant påmindelse om hans mørke fortid og liv før fængslet.
at skrive stærk karakterisering er vigtig på så mange niveauer. For det første vil en realistisk afbildet karakter tilføje en masse realisme til dit stykke. Jeg kan ikke tælle, hvor mange gange jeg har set den samme generiske antagonist i en film, der havde nul original karakterisering, hvilket i sidste ende helt mindskede deres betydning i filmen. Men selv uden for blot at tilføje realisme til tegnene, kan det også hjælpe dig som forfatter til at fortælle din historie mere intuitivt og dramatisk. For eksempel, en af de øvelser, som jeg ofte vil bruge, før jeg hopper ind i et manuskript, skriver et par sider med karakteriseringsnotater om hvert tegn i scriptet. Jeg gør det hurtigt, næsten som en fri forening øvelse, og det er uhyre nyttigt. Jeg foreslår stærkt at gøre dette, som i slutningen af øvelsen vil du have flere sider med noter, der ikke kun giver detaljer og mening til din karakter, men også hjælper med at udløse ideer til din historie på andre måder – nemlig ved at afklare valg, din karakter kan gøre. Denne sidste følelse fører mig til det næste punkt på vores liste–
#3 – Lad din karakter træffe beslutningerne for dig
selvom det er meget vigtigt at have en ide om din filmstruktur, før du rent faktisk skriver, vil du også give historien mulighed for at udfolde sig organisk og naturligt, og den eneste måde at gøre dette på er at give dine figurer noget åndedræt. I stedet for at tvinge din karakter ind i en bue og diktere alle deres handlinger, før du selv skriver “FADE IN”, så prøv at lade din karakter tage deres egne beslutninger, der vil bevæge din historie fremad. Dette er noget, som jeg har troet i lang tid at være en vigtig komponent til ethvert script, og forestillingen om at gøre dette blev virkelig størknet, da jeg hørte Vince Gilligan tale om at bruge denne meget tilgang til at udvikle tegn i “Breaking Bad”. Dette er sandsynligvis en af grundene til, at serien havde så stor kritisk succes og var i stand til at bryde ny grund.
når du skriver en given scene, spørg dig selv konstant, hvordan din karakter ville reagere på de omstændigheder, de er i. Tænk ikke på, hvad en anden karakter i en anden film ville gøre, eller hvad du ville gøre i det scenario, eller du vil ende med den mest generiske, kedelige hovedperson, du muligvis kunne skrive. Hvis du har lavet dit hjemmearbejde og fulgt mit forslag i tip #2, skal du allerede kende din karakter rigtig godt og have det nemt at bedømme, hvad de vil gøre næste gang. Du ved, hvilken type sko han køber, det faktum, at han ikke har røget i tre år, men stadig bliver ophidset, når han lugter en cigaret, og at han falder i søvn til TV ‘ et hver aften. Du ved også, hvorfor han er sådan – du forstår slags opdragelse, han havde, og det faktum, at han blev mobbet i skolen. Hvis du ved alt dette, så har du naturligvis en dybere forståelse af, hvad han vil gøre i en given situation, og hvordan han vil reagere på en given begivenhed. Så gå ind i dine scener og historie med et åbent sind, især i tidlige udkast. Hvis dit manuskript bliver godt, bliver det nødt til at gennemgå mange, mange kladder, uanset hvor god en forfatter du er. Så bliv ikke for hængt på at have en perfekt karakterbue i den første version. Lad det udfolde sig naturligt, og i senere udkast kan du gå ind igen og fremhæve buen mere, når din karakter har vist dig, hvad den virkelig er.
#4 – Giv din karakter overbevisende dialog
jeg rørte ved dette lidt øverst i artiklen, men det fortjener virkelig sin egen sektion. Din karakter skal have overbevisende, interessant og original dialog. Og dette gælder ikke kun for din hovedperson, det gælder for hvert sidste tegn i scriptet. Stærk dialog vil fortælle publikum nøjagtigt, hvem denne karakter er inden for øjeblikke, hvor de taler deres første linjer på skærmen. Vi ved, hvor de kommer fra, baseret på deres accent, hvor uddannede de er, om de er indadvendte eller udadvendte, og så meget mere. En enorm mængde information kan formidles med dialog uden engang at sige noget specifikt. En velskrevet dialogscene, der består af noget så simpelt som et tegn, der køber dagligvarer, kan fortælle dig en verden om den karakter og i sidste ende tilføje betydning for det, de siger, specifikt når man bruger brug af undertekst – et andet emne, jeg ville elske at udforske yderligere i det eget indlæg.
det underlige ved fortællingsfilm er, at selvom de er helt fiktionaliserede, vil vi som publikum stadig have dem til at føle sig så virkelige som muligt. Selv i en fantasifilm skal vi være i stand til at forholde os til tegnene og forstå, hvem de er på et råt, visceralt niveau, og dialog er køretøjet til at opnå dette. Men husk, at overbevisende dialog ikke nødvendigvis betyder at have masser af dialog. Du kan have en karakter, der siger meget lidt, hvilket igen siger meget om dem uden brug af ord. Du kan have et tegn, der er tale er fyldt med slang og en anden, der lyder som en prædikant. At have tegn, der taler i deres egne stemmer, er enormt vigtigt, og sørg for, at ingen af dine tegn lyder som den samme person. Et stort problem, som nogle manuskriptforfattere har, er, at de skriver alle deres karakterdialog på samme måde. Ideelt set vil du være i stand til at dække navnene på dine tegn på scriptet og stadig vide, hvem der taler ud fra, hvad de siger, og hvordan de siger det. Tarantino er uden tvivl en af mestrene i dialog, og enhver af hans film kan være en kilde til inspiration for forfattere, der ønsker at differentiere stemmerne fra deres forskellige karakterer.
#5 – Tænk som en skuespiller og giv din karakter et synspunkt
skuespillere taler altid om at finde deres synspunkt. De har brug for motivation til scenen. De har brug for at vide, hvor karakteren var det øjeblik, før de trådte ind i det rum, der åbner scenen. De har brug for at vide, hvad deres karakter virkelig tænker og føler, når de slår rundt i bushen og giver mulighed for, at scenens undertekst kan spille ud. For nogle forfattere, disse konstruktioner kan virke som gimmicky værktøjer, som skuespillere har brug for for at komme i det rigtige hovedrum, men jeg vil hævde, at vi som manuskriptforfattere virkelig har brug for at tænke sådan også. Hvis du forventer, at din hovedskuespiller skal kunne spille en karakter effektivt, skal du skrive et tegn, der giver skuespilleren mulighed for at bruge deres værktøjer til at udnytte scenen. Men endnu vigtigere, gør det af hensyn til dit eget manuskript og sikre, at du får det bedste endelige produkt. En karakter med et stærkt synspunkt vil drive historien fremad ved at give publikum en gennemgående linje til at følge gennem hver scene og hver handling i filmen. Vi har brug for at vide, hvor de kommer fra, og hvad de ønsker for at pleje nok til at følge deres historie. Se på en karakter som Forrest Gump med et indlysende synspunkt, der dikterer hans handlinger, tilføjer realisme til det, han gør, og skubber historien frem fra handling til handling som et resultat.
så mange manuskripter, som jeg læser, mangler alvorligt i denne henseende. Det er indlysende fra get-go, at forfatteren ikke betalte nok opmærksomhed til at forstå karakterernes synspunkt og gøre det klart nok for publikum at hente på. Det mest almindelige symptom på dette problem er scener, der udvikler sig på en måde, der helt mangler fokus. Jeg har læst nogle scener, der kunne have været strålende, hvis de blev skåret ned til en side eller to, men forfatteren forstod ikke tegnets synspunkt, og som et resultat endte det med at være en rodet 5 sidescene, der løb i cirkler. En måde at fortælle, om du er på rette spor, er at se, om du kunne skrive en given scene på en side, hvis du skulle. Der er bestemt scener, der kræver mange sider med dialog, men inden du får det til at fungere som en 8 – siders episk scene, skal du også sørge for det på 1-2 sider, for hvis det mangler retning og fokus, selv når det kondenseres til den længde, end det vil have store problemer, når det ekstrapoleres for at være meget længere.
Hvad kan vi ellers gøre?
disse fem tip er virkelig kun spidsen af isbjerget. Det er afgørende for en films succes at have stærke tegn hele vejen igennem, der er sympatiske, realistiske og har en tydelig motivation og formål i historien, men at udvikle tegn som dette kræver en masse forsøg og fejl. Der er ingen formel til det, men ved at bruge nogle virkelig grundlæggende øvelser som at skrive en 2-3 siders baggrundshistorie på hver karakter, vil du være vilje på vej til at skabe en original karakter. Og når du først har knoglerne til den karakter på plads, skal du ikke være bange for at lade karakteren udvikle sig, vokse og endda diktere i nogle tilfælde, hvor historien skal gå.
uden for disse 5 tip er der en uendelig mængde ting, du kan gøre for at skrive bedre karakterer, hvad enten det er fra at lave dit hjemmearbejde og se karakterdrevne film, til aflytning på din lokale restaurant for at hente en dialog. Men uanset hvilke metoder der fungerer for dig, skal du sørge for at være opmærksom på dine karakterer, især i de tidlige stadier af udviklingen af dit manuskript.
og hvis du ikke allerede har læst den, skal du huske at tjekke min tidligere artikel om historiens betydning.
