Drehbuch 101: 5 Tipps zum Schreiben besserer Charaktere in Ihr Drehbuch

Der in L.A. lebende Filmemacher Noam Kroll arbeitet derzeit an seinem zweiten Spielfilm. Er führt einen Produktionsblog auf seiner Website NoamKroll.com . In diesem Blogbeitrag schreibt er über die Konzentration auf Charaktere, um ein besseres Drehbuch zu erstellen. Schauen Sie sich Krolls Blog hier an, und seine Produktionsfirma Post-Production House Creative Rebellion hier

Das Schreiben eines Drehbuchs ist ein Balanceakt, und während alle Komponenten harmonisch zusammenarbeiten müssen, ist die eine Komponente, die das Drehbuch wirklich machen oder brechen kann (meiner Meinung nach), der Charakter. Mit anderen Worten, Sie könnten den am schönsten geschriebenen Handlungsbogen haben, und perfekte Struktur zu Ihrem Skript, Aber wenn Ihre Hauptfigur langweilig und flach ist, dann fällt alles andere in Stücke. Umgekehrt haben Sie vielleicht eine Geschichte, die Arbeit braucht, und das allgemeine Tempo mag aus sein, aber wenn Ihre Hauptfigur überzeugend ist, bleibt Ihr Publikum in dem Film beschäftigt, unabhängig von einigen der Mängel, die es haben kann. In Ideal World möchten Sie das oben erwähnte Gleichgewicht finden, in dem alle Komponenten harmonisch zusammenarbeiten, und ein sicherer Weg, um in die richtige Richtung zu gehen, besteht darin, sich zunächst darauf zu konzentrieren, geschichtete Zeichen mit Sinn und Zweck zu schreiben.

Hier sind meine Top 5 Tipps, um stärkere Charaktere in Ihr Drehbuch zu schreiben:

#1 – Mach deinen Charakter schon früh sympathisch

Wenn du erwartest, dass dein Publikum in den nächsten 90 Minuten des Films für deinen Hauptcharakter steht, solltest du besser früh etwas tun, um sicherzustellen, dass du das verdient hast. Einige Drehbuchgurus (insbesondere Blake Snyder) betonen diesen Punkt vor allem – und das aus gutem Grund. Ohne einen Charakter, für den du Wurzeln schlagen kannst, hat deine Geschichte nichts zu bieten. Das Publikum muss sich frühzeitig mit jemandem identifizieren, und wenn Ihre Charaktere im Allgemeinen unwahrscheinlich sind (auch wenn Sie sie vielleicht für interessant halten), reicht dies einfach nicht aus, um ein Drehbuch aufrechtzuerhalten. Oft schreiben Drehbuchautoren ihre Hauptfigur auf eine Weise, die besser geeignet wäre, einen Antagonisten zu schreiben. Sie mögen hier oder da ein paar bissige Dialogzeilen haben, aber im Allgemeinen fühlen sie sich wie eine negative, eigennützige Kraft im großen Schema des Films und haben oft keine eigenen erlösenden Eigenschaften.

Das Schreiben sympathischer Charaktere kann auf unendlich viele Arten erfolgen. Zum Beispiel kann das Schreiben eines starken Dialogs, der zeigt, wie witzig oder charmant der Charakter sein kann, einen langen Weg gehen. Oder sie könnten durch ihre Handlungen sympathisch gemacht werden, indem sie schon früh im Film einen selbstlosen Akt zeigen, um sie als positive Kraft zu etablieren. Und denken Sie daran, all dies kann im Kontext der Welt geschehen, in der Sie schreiben, und muss Ihre Charaktere keinesfalls als perfekte Menschen malen. Wenn Sie „The Sopranos“ schreiben, können Sie das Publikum immer noch für Tony Soprano begeistern, weil Sie den Wert sehen, den er seiner Familie beimisst, und die Verletzlichkeit, die er als Person hat, die mit Depressionen zu kämpfen hat. Im Kontext einer anderen Geschichte, Tony Soprano mag ein absoluter Bösewicht ohne erlösende Eigenschaften sein, Aber in The Sopranos ist er von Menschen umgeben, die objektiv schlechter sind als er, und als solcher kann er sich immer noch erheben und dem Publikum zeigen, dass er der Charakter ist, der ihnen am ähnlichsten ist. Die Quintessenz ist, wie auch immer Sie es tun, sei es durch Dialog, Aktionen, Humor oder andere Mittel – lassen Sie Ihr Publikum so früh wie möglich für Ihren Lead begeistern.

#2 – Build realistisch & detaillierte Charakterisierung

Charakter bezieht sich auf die Essenz dessen, wer jemand in Ihrem Skript wirklich im Inneren ist. Ist er oder sie ein guter Mensch oder ein schlechter Mensch? Ein Kämpfer oder ein Weichei? Charakter ist der Geist dieser Person, während Charakterisierung das quantifizierbare Ergebnis dessen ist, wer sie sind. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben eine egozentrische Antagonistin mit einem leistungsstarken Job und einem Chip auf der Schulter. Sie könnte einen großen SUV zur Arbeit fahren, schwarzen Kaffee trinken und eine nervöse Zecke entwickelt haben. Alle diese Punkte sind Charakterisierungsdetails. Die Details ändern nicht, wer der Charakter in ihrem Kern ist, aber sie sind einfach ein realistisches Nebenprodukt dessen, wer dieser Charakter ist und wie er sich entwickelt hat. Nehmen wir zum Beispiel die Figur von Derek Vinyard in „American History X“ (gespielt von Edward Norton). Während der Film ihn als veränderten Mann entlarvt, Er ist immer noch mit Tätowierungen bedeckt, die ständig an seine dunkle Vergangenheit und sein Leben vor dem Gefängnis erinnern.

Das Schreiben einer starken Charakterisierung ist auf so vielen Ebenen wichtig. Zunächst einmal wird ein realistisch dargestellter Charakter Ihrem Stück viel Realismus verleihen. Ich kann nicht zählen, wie oft ich denselben generischen Antagonisten in einem Film gesehen habe, der keine ursprüngliche Charakterisierung hatte, was letztendlich ihre Bedeutung im Film völlig verringerte. Aber auch wenn Sie den Charakteren nicht nur Realismus verleihen, kann es Ihnen als Autor auch helfen, Ihre Geschichte intuitiver und dramatischer zu erzählen. Zum Beispiel, eine der Übungen, die ich oft verwenden werde, bevor ich in ein Drehbuch springe, schreibt ein paar Seiten Charakterisierungsnotizen für jedes Zeichen im Skript. Ich mache es schnell, fast als freie Assoziationsübung, und es ist immens hilfreich. Ich empfehle dringend, dies zu tun, da Sie am Ende der Übung mehrere Seiten mit Notizen haben werden, die Ihrem Charakter nicht nur Details und Bedeutung verleihen, sondern auch dazu beitragen, Ideen für Ihre Geschichte auf andere Weise zu wecken – nämlich durch die Klärung von Entscheidungen, die Ihr Charakter treffen könnte. Dieses letzte Gefühl führt mich zum nächsten Punkt auf unserer Liste –

#3 – Lassen Sie Ihren Charakter die Entscheidungen für Sie treffen

Obwohl es sehr wichtig ist, eine Vorstellung von der Struktur Ihres Films zu haben, bevor Sie tatsächlich schreiben, möchten Sie auch zulassen, dass sich die Geschichte organisch und natürlich entfaltet, und der einzige Weg, dies zu tun, besteht darin, Ihren Charakteren etwas Luft zum Atmen zu geben. Anstatt deinen Charakter in einen Bogen zu zwingen und alle seine Handlungen zu diktieren, bevor er überhaupt „FADE IN“ schreibt, versuche, deinen Charakter seine eigenen Entscheidungen treffen zu lassen, die deine Geschichte voranbringen. Dies ist etwas, von dem ich lange geglaubt habe, dass es eine wichtige Komponente für jedes Drehbuch ist, und die Vorstellung, dies zu tun, wurde wirklich gefestigt, als ich Vince Gilligan darüber sprechen hörte, genau diesen Ansatz zur Entwicklung von Charakteren in „Breaking Bad“ zu verwenden. Dies ist wahrscheinlich einer der Gründe, warum die Show so viel kritischen Erfolg hatte und neue Wege beschreiten konnte.

Während du eine Szene schreibst, frage dich ständig, wie dein Charakter auf die Umstände reagieren würde, in denen er sich befindet. Denken Sie nicht darüber nach, was ein anderer Charakter in einem anderen Film tun würde, oder was Sie in diesem Szenario tun würden, oder Sie werden mit der allgemeinsten, langweiligsten Hauptfigur enden, die Sie möglicherweise schreiben könnten. Wenn Sie Ihre Hausaufgaben gemacht haben und meinem Vorschlag in Tipp 2 gefolgt sind, sollten Sie Ihren Charakter bereits sehr gut kennen und es leicht haben, zu beurteilen, was er als nächstes tun wird. Sie wissen, welche Art von Schuhen er kauft, die Tatsache, dass er seit drei Jahren nicht mehr geraucht hat, aber immer noch aufgeregt ist, wenn er eine Zigarette riecht, und dass er jede Nacht vor dem Fernseher einschläft. Du weißt auch, warum er so ist – du verstehst die Erziehung, die er hatte und die Tatsache, dass er in der Schule gemobbt wurde. Wenn Sie all dies wissen, haben Sie natürlich ein tieferes Verständnis dafür, was er in einer bestimmten Situation tun wird und wie er auf ein bestimmtes Ereignis reagieren wird. Gehen Sie also offen in Ihre Szenen und Geschichten ein, insbesondere in frühen Entwürfen. Wenn Ihr Drehbuch gut sein wird, muss es viele, viele Entwürfe durchgehen, egal wie gut Sie als Autor sind. Lassen Sie sich also nicht zu sehr davon abhalten, in der ersten Version einen perfekten Charakterbogen zu haben. Lass es sich natürlich entfalten, und in späteren Entwürfen kannst du zurückgehen und den Bogen mehr hervorheben, sobald dein Charakter dir gezeigt hat, was es wirklich ist.

#4 – Gib deinem Charakter einen überzeugenden Dialog

Ich habe das oben im Artikel ein wenig angesprochen, aber es verdient wirklich einen eigenen Abschnitt. Ihr Charakter muss überzeugend sein, interessant, und origineller Dialog. Und das gilt nicht nur für Ihre Hauptfigur, sondern für jedes letzte Zeichen im Skript. Ein starker Dialog wird dem Publikum genau sagen, wer dieser Charakter ist, sobald sie ihre ersten Zeilen auf dem Bildschirm sprechen. Wir wissen, woher sie kommen, basierend auf ihrem Akzent, wie gebildet sie sind, ob sie introvertiert oder extrovertiert sind oder nicht, und vieles mehr. Eine immense Menge an Informationen kann durch Dialog vermittelt werden, ohne etwas Bestimmtes zu sagen. Eine gut geschriebene Dialogszene, die aus etwas so Einfachem wie einem Charakter besteht, der Lebensmittel kauft, könnte Ihnen eine Welt über diesen Charakter erzählen und letztendlich dem, was er sagt, Bedeutung verleihen, insbesondere wenn er Subtext verwendet – ein weiteres Thema, das ich gerne weiter erforschen würde in seinem eigenen Beitrag.

Das Seltsame an Erzählfilmen ist, dass wir als Publikum, obwohl sie vollständig fiktionalisiert sind, immer noch wollen, dass sie sich so real wie möglich anfühlen. Selbst in einem Fantasy-Film müssen wir in der Lage sein, uns auf die Charaktere zu beziehen und zu verstehen, wer sie auf einer rohen, viszeralen Ebene sind, und der Dialog ist das Mittel, um dies zu erreichen. Denken Sie jedoch daran, dass ein überzeugender Dialog nicht unbedingt viel Dialog bedeutet. Sie können einen Charakter haben, der sehr wenig sagt, was wiederum viel über sie sagt, ohne Worte zu verwenden. Möglicherweise haben Sie einen Charakter, dessen Sprache mit Slang gefüllt ist, und einen anderen, der wie ein Prediger klingt. Charaktere zu haben, die mit ihrer eigenen Stimme sprechen, ist enorm wichtig, und stellen Sie sicher, dass keiner Ihrer Charaktere wie dieselbe Person klingt. Ein großes Problem, das einige Drehbuchautoren haben, ist, dass sie alle ihre Charaktere auf die gleiche Weise schreiben. Idealerweise möchten Sie in der Lage sein, die Namen Ihrer Charaktere im Skript abzudecken und trotzdem zu wissen, wer spricht, basierend auf dem, was sie sagen und wie sie es sagen. Tarantino ist wohl einer der Meister des Dialogs, und jeder seiner Filme kann eine Quelle der Inspiration für Schriftsteller sein, die die Stimmen ihrer verschiedenen Charaktere unterscheiden wollen.

#5 – Denken Sie wie ein Schauspieler und geben Sie Ihrem Charakter einen Standpunkt

Schauspieler sprechen immer davon, ihren Standpunkt zu finden. Sie brauchen Motivation für die Szene. Sie müssen wissen, wo der Charakter in dem Moment war, bevor sie den Raum betraten, der die Szene öffnet. Sie müssen wissen, was ihr Charakter wirklich denkt und fühlt, wenn sie um den heißen Brei herumreden und zulassen, dass sich der Subtext der Szene abspielt. Für einige Autoren mögen diese Konstrukte wie knifflige Werkzeuge erscheinen, die Schauspieler brauchen, um in den richtigen Kopfraum zu kommen, aber ich würde argumentieren, dass wir als Drehbuchautoren wirklich auch so denken müssen. Wenn Sie erwarten, dass Ihr Hauptdarsteller einen Charakter effektiv spielen kann, müssen Sie einen Charakter schreiben, der es dem Schauspieler ermöglicht, seine Werkzeuge zu verwenden, um die Szene zu erschließen. Aber noch wichtiger, tun Sie es für Ihr eigenes Drehbuch und stellen Sie sicher, dass Sie das beste Endprodukt erhalten. Ein Charakter mit einem starken Standpunkt wird die Geschichte vorantreiben, indem er dem Publikum eine Durchgangslinie gibt, der es in jeder Szene und jedem Akt des Films folgen kann. Wir müssen wissen, woher sie kommen und was sie wollen, um uns genug um ihre Geschichte zu kümmern. Schauen Sie sich einen Charakter wie Forrest Gump mit einem offensichtlichen Standpunkt an, der seine Handlungen diktiert, dem, was er tut, Realismus verleiht und die Geschichte von Akt zu Akt vorantreibt.

So viele Drehbücher, die ich gelesen habe, fehlen in dieser Hinsicht stark. Es ist von Anfang an offensichtlich, dass der Autor nicht genug darauf geachtet hat, die Sichtweise der Charaktere zu verstehen und sie für das Publikum klar genug zu machen. Das häufigste Symptom dieses Problems sind Szenen, die sich so entwickeln, dass der Fokus völlig fehlt. Ich habe einige Szenen gelesen, die brillant gewesen wären, wenn sie auf ein oder zwei Seiten reduziert worden wären, aber der Autor verstand die Sichtweise der Charaktere nicht und infolgedessen war es eine unübersichtliche 5-seitige Szene, die im Kreis lief. Eine Möglichkeit, festzustellen, ob Sie auf dem richtigen Weg sind, besteht darin, zu sehen, ob Sie eine bestimmte Szene auf einer Seite schreiben könnten, wenn Sie müssten. Sicherlich gibt es Szenen, die viele Seiten Dialog erfordern, aber bevor Sie es als 8–seitige epische Szene funktionieren lassen, stellen Sie sicher, dass es auch auf 1 – 2-Seiten funktioniert, denn wenn es an Richtung und Fokus mangelt, selbst wenn es auf diese Länge verdichtet wird, dann wird es große Probleme haben, wenn es extrapoliert wird, um viel länger zu sein.

Was können wir noch tun?
Diese fünf Tipps sind wirklich nur die Spitze des Eisbergs. Es ist entscheidend für den Erfolg eines Films, starke Charaktere zu haben, die sympathisch und realistisch sind und eine ausgeprägte Motivation und einen bestimmten Zweck in der Geschichte haben, aber die Entwicklung solcher Charaktere erfordert viel Versuch und Irrtum. Es gibt keine Formel dafür, aber wenn Sie einige wirklich grundlegende Übungen wie das Schreiben einer 2-3-seitigen Hintergrundgeschichte für jeden Charakter verwenden, sind Sie auf dem besten Weg, einen originellen Charakter zu erstellen. Und sobald Sie die Knochen dieses Charakters an Ort und Stelle haben, haben Sie keine Angst, den Charakter sich entwickeln zu lassen, zu wachsen und in einigen Fällen sogar zu diktieren, wohin die Geschichte gehen wird.

Abgesehen von diesen 5 Tipps gibt es unendlich viele Dinge, die Sie tun können, um bessere Charaktere zu schreiben, sei es, wenn Sie Ihre Hausaufgaben machen und charaktergesteuerte Filme ansehen oder in Ihrem örtlichen Restaurant lauschen, um einen Dialog aufzunehmen. Aber unabhängig davon, welche Methoden für Sie funktionieren, stellen Sie sicher, dass Sie Ihren Charakteren genügend Aufmerksamkeit schenken, insbesondere in den frühen Phasen der Entwicklung Ihres Drehbuchs.

Und wenn Sie es noch nicht gelesen haben, lesen Sie unbedingt meinen vorherigen Artikel über die Bedeutung der Geschichte.