Ob es Ihnen gefällt oder nicht, Fotos müssen nachbearbeitet werden. Ich werde nicht einmal darauf eingehen, dass es immer so war, da analoge Filmkameras in ihrer Blütezeit waren. Damals gab es nur einen anderen Weg, es zu tun. Die Quintessenz ist jedoch, dass die Postproduktion ein nicht ausschließbarer, grundlegender Teil des Erstellungsprozesses ist, mit dem Sie sich befassen müssen, wenn Sie möchten, dass Ihre Bilder auffallen.
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In diesem Artikel konzentrieren wir uns auf die Nachbearbeitung in der Landschaftsfotografie, die im Allgemeinen einen sehr eigenartigen Workflow aufweist. Als Bonus zeige ich Ihnen am Ende des Artikels, wie ich meine Bilder im Allgemeinen nachbearbeite, eines von Anfang an nehme und es bis zum Ende bearbeite, damit Sie Schritt für Schritt sehen können, wie Sie es selbst machen.
- Siehe auch: Wellen in Island fotografieren / Im Feld zur Nachbearbeitung
Was ist Nachbearbeitung in der Fotografie?
Wenn wir über die Postproduktion eines Bildes sprechen, beziehen wir uns auf alles, was nach der Aufnahmephase (zum Foto) passiert.
Es ist eine Tatsache, dass viele Menschen, sowohl Fotografen als auch Nicht-Fotografen, die Wörter „Post Editing“ als eine Art unempfindliche Zauberei bezeichnen, die nur Computer-Nerds und „falsche Fotografen“ (ist das überhaupt eine Sache?) verwenden. In der Zwischenzeit erhalten „echte Fotografen“ die Aufnahme direkt vor Ort, ohne die Hilfe von Bearbeitungssoftware.
Schauen wir uns ein Beispiel für die „echte“ Bedeutung der Nachbearbeitung an. Nehmen wir an, Sie haben den Horizont im Feld nicht gerade bekommen. Dies könnte daran liegen, dass Sie in Eile oder aus einer unbequemen Position geschossen haben. Ein einfacher Klick (buchstäblich ein Klick) in Adobe Lightroom hilft Ihnen dabei, das Foto zu begradigen, das Sie dann ein wenig zuschneiden können, wenn sich unerwünschte Objekte an den Rändern befinden.
Nun, würdest du diese Zauberei nennen? Würden Sie dieses Foto als „Fälschung“ betrachten, nur weil es gerade und abgeschnitten wurde? Ich glaube nicht, oder?
Ich denke, es ist sehr wichtig, dass Sie verstehen, dass die Postproduktion ein natürlicher Vorgang ist, der folgt, sobald Sie ein Rohbild vor Ort aufgenommen haben. Der Grund dafür ist, dass eine RAW-Datei nur alle Daten in der Szene ohne besondere Anpassungen aufzeichnet. Sie können hier mehr über RAW vs JPEG-Dateien lesen. Wenn Sie Ihre Fotografie verbessern möchten, müssen Sie sich hinter Ihren Computer setzen und an Ihren Bildern arbeiten.
In diesem Artikel werde ich ein wenig Zeit damit verbringen, alle Mythen und Legenden über die Postproduktion zu zerlegen, da Ihre Fotos nur dann davon profitieren, wenn Sie lernen, wie man es richtig macht.
Eines muss jedoch gesagt werden: Es gibt eine dünne, unsichtbare Linie, an der die Postproduktion zur digitalen Manipulation und die Fotografie zur digitalen Kunst wird. Es ist nicht möglich, die Kriterien aufzuschreiben, nach denen „beurteilt“ werden kann, was das eine und was das andere ist, da jeder Fall separat betrachtet werden sollte.
- Siehe auch: Empfohlene Kameraeinstellungen für die Landschaftsfotografie
Warum müssen wir unsere Bilder nachbearbeiten?
Versuchen Sie, einen Kuchen zu backen, und überspringen Sie den Teil, an dem Sie ihn im Ofen backen sollten. Der Kuchen mag gut ausfallen, aber wer weiß, ob er nicht gekocht ist? Wenn Sie es roh lassen, bin ich mir ziemlich sicher, dass es nicht gut schmecken wird.
Eine RAW-Datei unbearbeitet zu lassen ist wie einen Kuchen backen zu wollen, aber zu vergessen, ihn in den Ofen zu stellen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Versuchen Sie auch Spaghetti zu kochen und überspringen Sie den Teil, an dem Sie die Sauce hinzufügen. Die Pasta ist vielleicht hundertmal besser mit der richtigen Sauce, aber Sie werden nie wissen, ob Sie keine verwenden. Stattdessen wird es langweilig und unvollendet sein.
Lassen Sie mich entschuldigen, wenn die einzigen zwei Beispiele, die ich verwendet habe, über Essen sind, aber Sie wissen, ich bin Italiener und wir denken immer über Essen nach! Ich denke, Sie haben ziemlich genau verstanden, was ich hier zu sagen versuche. Die RAW-Dateien, die Sie vor Ort aufnehmen, sind Spaghetti und die Postproduktion ist die Sauce.
Wie ich bereits in der Einleitung erwähnt habe, ist die Postproduktion ein grundlegender Teil des kreativen Prozesses. Persönlich würde ich sagen, dass es mindestens gute 40% dessen sind, was das endgültige Foto großartig macht.
Technisch gesehen zeigt die RAW-Datei, die aus unseren Kameras kommt, NICHT die reale Szene; Lassen Sie mich kristallklar sein, es gibt keine Möglichkeit, die reale Szene so zu gestalten, wie sie in diesem Moment ist. Sie können wirklich nahe kommen, aber Sie werden die Realität nicht einrahmen.
Lassen Sie mich erklären, warum. Wenn Sie sich entscheiden, im RAW-Format zu schießen, dann wird die Ausgabe ein unverarbeitetes Bild ohne Kontraste und kaum Farbe im Vergleich zu dem, was Sie mit Ihren eigenen Augen in diesem Moment sehen. Das liegt daran, dass das Rohbild eine Postproduktion benötigt, um lebendig zu werden. Alle Informationen sind in der Datei enthalten, Sie müssen sie nur mit einer Bearbeitungssoftware herausbringen.
Wenn Sie sich stattdessen für das JPEG-Format anstelle von RAW entscheiden, können Sie nicht stolz auf sich sein, da „Sie keine Nachbearbeitung Ihrer Fotos durchführen“. Technisch gesehen werden Sie selbst keine Nachbearbeitung durchführen, da Ihre Kamera die gesamte Arbeit für Sie erledigt.
Falls Sie es nicht wussten, werden JPEG-Dateien automatisch vom Prozessor Ihrer Kamera mit einigen sehr standardmäßigen und grundlegenden Parametern wie „Kontrast“ oder „Sättigung“ bearbeitet. Die einzige Zeit, in der JPEGs nützlich sind, ist, wenn Sie im Auftrag sind und keine Zeit mit der Bearbeitung Ihrer Bilder verschwenden können oder Sie sie sofort an Ihre Agentur senden müssen.
Also, lassen Sie mich das zusammenfassen: Sie können entscheiden, die Bilder, die Sie aufnehmen, selbst zu bearbeiten oder die Kamera die ganze Arbeit für Sie erledigen zu lassen und sich mit dem Endergebnis zufrieden zu geben. Im ersten Fall haben Sie die vollständige Kontrolle über die Anpassungen, die Sie an Ihrem Bild vornehmen. In letzterem können Sie kaum etwas tun, außer ein paar Schieberegler im Menü Ihrer Kamera zu ändern.
Muss ich Ihnen wirklich sagen, welche die beste Option ist? Das ist die Antwort auf die Frage dieses Kapitels.
- Siehe auch: Die beste Fotobearbeitungssoftware und Apps für 2020
Arten der Nachbearbeitung
Lassen Sie uns ein wenig weiter in die Welt der Postproduktion in der Landschaftsfotografie eintauchen. In diesem Kapitel werfen wir einen Blick auf die Hauptzweige der Postproduktion, wenn es um Landschaften geht: einzelbelichtungen und Mehrfachbelichtungen.
Es versteht sich von selbst, dass Einzelbelichtungen im Allgemeinen viel einfacher zu bearbeiten sind, da Sie sich nur auf Bildeinstellungen wie Farben und Kontraste konzentrieren können. Bei Mehrfachbelichtungen müssen Sie sich mit Bildstapelung, Belichtungsreihen, Maskierung und präziser Auswahl befassen.
Es gibt zwei Arten der Nachbearbeitung: Einzelbilder und Mehrfachbelichtungen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Für diesen Artikel verwende ich Adobe Camera RAW zum Bearbeiten der RAW-Dateien. Ich werde dann Adobe Photoshop für endgültige Anpassungen und selektive Bearbeitung bestimmter Teile des Bildes verwenden.
- Siehe auch: Ultimate Guide to Luminar by Skylum
Einzelbelichtungen
Beginnen wir mit der einfacheren: Einzelbelichtungen. Ich werde das folgende Bild verwenden, um Sie durch die Anpassungen zu führen, die ich normalerweise in 90% meiner Bilder vornehme. Dieser Prozess wird Ihnen helfen, bessere Ergebnisse in der Postproduktion zu erzielen.
Vor und nach der Nachbearbeitung. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Raw-Anpassungen
Im Screenshot unten sehen Sie die RAW-Datei, bevor ich etwas berühre, was Ihnen eine Vorstellung vom Ausgangspunkt gibt. Der erste Schritt besteht darin, mit grundlegenden Anpassungen in Adobe Camera RAW (oder Lightroom, wenn Sie möchten) zu beginnen.
Achten Sie immer zuerst auf die Temperatur und den Farbton. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Die ersten Dinge, die Sie immer beachten sollten, sind die Temperatur und der Farbton. In diesem Fall fotografierte ich mit einer Nikon D750, die im Allgemeinen eine starke Magenta-Dominanz hat, obwohl diesmal der automatische Weißabgleich falsch war. Es war bereits die blaue Stunde, mit vielen Blautönen in den schattigen Bereichen des Rahmens und einem starken Magentastich auf den Gipfeln und dem Himmel. Die Kamera hat so ziemlich alles gelesen.
Um ein solches Problem zu beheben, müssen Sie nur die Temperatur anpassen. Ich habe den Temperaturregler etwas in Richtung kälterer Töne und den Tönungsregler in Richtung Magenta verschoben. Im Screenshot unten sehen Sie, wie diese einfache Anpassung das Bild bereits verbessert hat, mit Tönen, die für diese Tageszeit besser passen. Ich habe das Bild auch etwas abgeflacht, indem ich die Schwarz- / Schattenwerte erhöht und die Glanzlichter verringert habe. Diese Technik gibt Ihnen mehr Flexibilität bei der Arbeit mit Kontrasten später in Photoshop.
Der nächste Schritt in Adobe Camera RAW besteht darin, ein wenig Klarheit hinzuzufügen, um Mikrokontraste zu verbessern und dem Bild ein schärferes Gesamtbild zu verleihen. Gehen Sie für den Betrag niemals über +20, da Sie sonst ein körniges und unangenehmes Aussehen bekommen.
Fügen Sie ein wenig Klarheit hinzu. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Der letzte Schritt besteht darin, zum Abschnitt Objektivkorrekturen (zwischen den Symbolen direkt unter den EXIF-Daten) zu wechseln und die beiden Schaltflächen „Chromatische Aberration entfernen“ und „Profilkorrekturen aktivieren“ zu aktivieren, genau wie Sie im Screenshot unten sehen. Es wird automatisch entfernen farbe aberration (wenn es ist jede) und wird richtige objektiv „probleme“ (verzerrung, für beispiel).
Entfernen Sie chromatische Aberration und Objektivverzerrungen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
- Siehe auch: So wählen Sie aus, welche Version von Lightroom Sie kaufen möchten
Photoshop-Anpassungen
Es ist jetzt an der Zeit, dem mächtigen Adobe Photoshop „den Ball zu geben“. Ich weiß, dass viele Fotografen von der Fülle an Funktionen, die diese Software enthält, eingeschüchtert werden. Die Wahrheit ist jedoch, dass wir nur ein paar davon brauchen, damit unsere Bilder ein bisschen mehr herausspringen.
Eines der Hauptkonzepte, die Sie bei der Arbeit mit Photoshop verstehen sollten, ist die Funktionsweise der „Ebenen“. Stellen Sie sich Ihr Basisbild als ein weißes Blatt vor. Jede Ebene, die Sie erstellen, ist ein neues Blatt, in dem Sie Dinge tun, die sich auf das Basisblatt auswirken. Wie stark das Basisbild von diesen anderen Ebenen beeinflusst wird, entscheiden Sie mit Werkzeugen wie Pinseln, Verläufen oder Deckkraft der Ebenen.
Dies ist eine sehr kurze und unvollständige Beschreibung dessen, was Photoshop-Ebenen sind, aber sobald Sie den Bohrer darüber bekommen, wie sie funktionieren, wird es einfacher sein, als Sie denken.
Die Kurvenanpassungsebene. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Beginnen wir mit der Einstellung, die Sie im obigen Fenster sehen, die als „Kurven“ bezeichnet wird. Um diese Ebene zu erstellen, gehen Sie einfach in die obere Menüleiste. Wählen Sie im Abschnitt Ebene „Neue Einstellungsebene“ und dann „Kurven“.
Die klassischste Kurve ist die „S-Kurve“. Es heißt so, weil es wie der Buchstabe ‚S‘ geformt ist. Diese Technik fügt im Wesentlichen Kontrast hinzu, indem sie die Kurve im Schattenabschnitt senkt und im Glanzlichtabschnitt anhebt. Wenn Sie sicher sein möchten, dass Sie keine Details in den Schatten verlieren, heben Sie den tiefsten Punkt der Kurve leicht an.
Die Farbbalance Einstellungsebene. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Die zweite Ebene, die wir erstellen werden, ist eine Farbbalance-Ebene. Sie finden es genau dort, wo Sie die Kurvenanpassung gefunden haben – unter „Ebene“ in der oberen Leiste und dann unter „Neue Einstellungsebene“ und dann „Farbbalance“.
Mit dieser Einstellung haben Sie die Möglichkeit, die Farbstiche innerhalb bestimmter Bereiche des Bildes zu ändern. Wie Sie im kleinen Fenster sehen können, sind „Mitteltöne“ ausgewählt, aber Sie können auch zu „Lichter“ oder „Schatten“ wechseln. Was Sie wählen, hängt davon ab, an welchem Bereich des Rahmens Sie arbeiten möchten.
In diesem speziellen Fall habe ich beschlossen, nur an den Mitteltönen zu arbeiten. Ich habe ein bisschen Rot, Magenta und Gelb hinzugefügt, während ich ein bisschen Cyan, Grün und Blau herausgenommen habe.
Drücken Sie nicht zu viel auf die Schieberegler, da Sie mit geringen Betragsschwankungen spürbare Änderungen vornehmen können. Wie Sie sehen, habe ich Anpassungen vorgenommen durch +3/-2/-2 , so nimmt es fast nichts, um einen gemäßigten Unterschied zu sehen.
Ich habe die Schieberegler nur ein wenig für einen großen Effekt optimiert. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
- Siehe auch: Verständnis der HSL-Schieberegler in Lightroom
Jetzt betreten Sie den komplexesten Teil dieses Photoshop-Tutorials: Maskierung. Sie haben ein grundlegendes Verständnis davon, wie Ebenen funktionieren, also ist es jetzt an der Zeit, das Konzept der Masken zu verstehen. Mit Ebenenmasken können Sie einfach Teile des Bildes für die von Ihnen angewendete Anpassung ausblenden (oder anzeigen).
Sehen Sie diese weißen Rechtecke im unteren rechten Teil des Screenshots im Ebenenfenster? Dies sind weiße Masken, die automatisch erstellt werden, wenn Sie eine neue Einstellungsebene erstellen.
In diesem Bild habe ich eine dritte Ebene für die Helligkeits- / Kontrastanpassungen erstellt. Ich habe sowohl die Helligkeit als auch den Kontrast des Bildes um einen erheblichen Betrag gesenkt. Ich wollte jedoch nicht, dass das gesamte Bild von dieser Einstellung betroffen ist – ich wollte nur das von rechts kommende Licht verbessern, indem ich den linken Teil des Rahmens ein wenig abdunkelte.
Um dies zu erreichen, musste ich die rechte Seite des Bildes für die Helligkeits- / Kontrastanpassung maskieren (in diesem Fall ausblenden). Wie Sie im Screenshot unten sehen können, ist der rechte Teil des weißen Rechtecks neben der Helligkeits- / Kontrastebene schwarz. Das liegt daran, dass ich einen schwarzen, radialen Farbverlauf verwendet habe (den Sie in der linken Menüleiste finden) und auf die Maske „gemalt“ habe, um diesen Bereich des Bildes vor der Anpassung zu verbergen. Auf diese Weise wäre nur der linke Teil betroffen.
Malen auf einer Maske. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Nach diesen Anpassungen kehrte ich zur oberen Menüleiste im Ebenenbereich zurück und wählte „Neue Einstellungsebene“. Dieses Mal habe ich mich für „Selective Colour“ entschieden, ein unglaublich nützliches und leistungsstarkes Werkzeug, wenn es um die Arbeit mit Farben geht.
Sobald Sie diese Einstellungsebene im Abschnitt „Farben“ geöffnet haben, können Sie die gewünschte Farbe auswählen (Rot, Gelb, Blau, Grün usw.) und die Menge an Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz ändern.
Was bedeutet das? Nun, wie Sie im Screenshot unten sehen können, habe ich beschlossen, nur an Magenta-Tönen zu arbeiten. Ich konnte ein bisschen Cyan entfernen und ein bisschen Magenta und ein bisschen Gelb hinzufügen. Cyan herauszunehmen bedeutet eigentlich, Rot hinzuzufügen, da es die Komplementärfarbe von Cyan ist. Das Hinzufügen von Magenta bedeutet eigentlich, Grün zu entfernen. In ähnlicher Weise bedeutet das Hinzufügen von Gelb das Entfernen von Blau. Alle diese Farbanpassungen waren nur relativ zu Magenta, so dass die einzigen Bereiche, in denen diese Änderungen angewendet werden, dort sind, wo die Software Magentatöne lokalisiert und nirgendwo sonst.
Ich werde nicht lügen: Es kann zunächst verwirrend sein und es wird eine Weile dauern, bis Sie sich an dieses Tool gewöhnt haben. Die einzige Möglichkeit zu lernen, wie man mit all diesen Schiebereglern richtig arbeitet, besteht darin, sie tausendmal zu testen und auszuprobieren.
Nur die Magentas anpassen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Unten ist ein Screenshot, in dem ich beschlossen habe, nur an den Weißen zu arbeiten und so ziemlich die gleichen Variationen anzuwenden, die ich an den Magentas vorgenommen habe.
Nur mit den Weißen arbeiten. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Und das war’s! Dies sind die Tools, die Sie wahrscheinlich am häufigsten verwenden werden, wenn Sie in Adobe Camera RAW und Photoshop arbeiten.
Wie Sie wahrscheinlich bemerkt haben, waren die Anpassungen, die den größten Unterschied ausmachten, die sehr grundlegenden Variationen in Camera RAW, wie Farbtemperatur und Farbton. Sie sollten damit beginnen, diese Tools zu beherrschen, die ziemlich einfach zu bedienen sind. Das ist, wo Sie wirklich entwickeln das Auge für welche Art von Anpassungen ein Bild verlangt.
Das Endergebnis. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Es geht nicht um die Werkzeuge im Besonderen, es geht mehr darum, wie Sie sie verwenden!
- Siehe auch: HDR-Fotografie in Island / Exposure Blending für Anfänger
Mehrfachbelichtungen
In diesem Abschnitt werfen wir einen Blick auf die beiden häufigsten Arten von Mehrfachbelichtungen in der Landschaftsfotografie: Focus Stacking und HDR. Wir gehen die Schritte durch, die Sie ausführen müssen, um zu dem Punkt zu gelangen, an dem Sie alle Belichtungen zusammenführen können, damit ein einzelnes Basisbild bearbeitet werden kann. Von dort aus können Sie die gleichen Schritte wie im vorherigen Abschnitt ausführen, um eine einzelne Belichtung nachzubearbeiten.
Focus Stacking
Diese unglaublich nützliche Technik ist in den letzten Jahren bei Landschaftsfotografen sehr beliebt geworden. Focus Stacking hilft, alles im Fokus zu bekommen, wenn Sie wirklich nahe Motive im Vordergrund Ihres Bildes haben, die sonst verschwommen wären.
Eine Folge von vier Bildern mit unterschiedlichen Fokusbereichen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Wie Sie in den obigen Bildern sehen können, beginnt die klassische Focus Stacking-Sequenz damit, den Hintergrund in den Fokus zu rücken und schaltet den Fokus langsam in den Vordergrund. Weitere Informationen zum Aufnehmen einer Reihe von Bildern mit Fokusstapel finden Sie in unserem ultimativen Leitfaden zum Fokusstapeln.
Nehmen wir jedoch an, dass Sie Ihre Bildsequenz bereits aufgenommen haben. Jetzt gehen wir durch, wie Sie alle diese Aufnahmen mit Hilfe von Adobe Photoshop zu einem einzigen Bild zusammenführen können.
Schritt 1: Öffnen Sie die Sequenz in Photoshop als Ebenen
Der erste Schritt besteht darin, alle Ebenen in einem einzigen Bild zu öffnen, wie Sie im Screenshot unten sehen. Um dies zu tun, können Sie jeden von ihnen separat öffnen und dann zum Abschnitt „Ebene“ des Menüs → „Ebene duplizieren“ → Wählen Sie Ihr Basisbild. Sie können sie auch in Lightroom auswählen und mit der rechten Maustaste „Als Ebenen“ in Photoshop öffnen (was viel einfacher ist).
Öffnen Sie die Sequenz in Photoshop als Ebenen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Schritt 2: Ausrichten der Bilder
Ein sehr einfacher, aber grundlegender Schritt besteht darin, alle Ebenen auszuwählen und im Abschnitt „Bearbeiten“ auf „Ebenen automatisch ausrichten“ zu klicken.
Automatische Ausrichtung der Ebenen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Schritt 3: Maske!
Es gibt keine andere Möglichkeit, dies zu umgehen. Sie müssen sich an dieser Stelle mit Maskierung befassen. Zeigen Sie dazu einfach die Fokusteile jeder Ebene an, bis Sie ein Bild erhalten, in dem alles im Fokus steht. Das Pinselwerkzeug (in der linken Leiste) hilft Ihnen beim Maskieren.
Maskieren Sie die unscharfen Teile und maskieren Sie die Teile, die im Fokus stehen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Das Endergebnis sollte ungefähr so aussehen wie im obigen Screenshot. Alle Masken haben einige Teile in Weiß und einige Teile in Schwarz, was bedeutet, dass einige Teile dieser Ebenen sichtbar sind, während andere Bereiche ausgeblendet sind. Es kann einige Zeit dauern, um die Stapelung zu nageln und ein anständiges Ergebnis zu erzielen, ohne Halos oder seltsame Dinge irgendwo im Rahmen. Ihre Bemühungen werden sich jedoch lohnen, da das Ergebnis unglaublich sein wird!
- Siehe auch: Einstellungen für die Landschaftsfotografie / So stellen Sie den Fokus ein
HDR-Bilder (High Dynamic Range)
Nachdem wir uns das Focus Stacking angesehen haben, ist die Arbeit mit HDR-Bildern einfacher als ein Spaziergang im Park! Wir müssen in diesem Fall nicht einmal Photoshop verwenden, da Lightroom den besten Algorithmus hat, wenn es darum geht, verschiedene Belichtungen zusammenzuführen. Befolgen Sie diese einfachen Schritte, um aus vielen Belichtungen ein einzelnes HDR-Bild zu erhalten!
Schritt 1: Importieren Sie die HDR-Sequenz in Lightroom
Nachdem Sie Lightroom geöffnet haben, finden Sie in der unteren linken Ecke „Importieren“. Von dort aus können Sie die HDR-Sequenz in Ihre Lightroom-Bibliothek übertragen.
Importieren Sie die HDR-Sequenz in Lightroom. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Schritt 2: Erstellen Sie das HDR-Bild
Sobald Sie alle Ihre Aufnahmen importiert haben, klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste und wählen Sie „Photomerge → HDR“, wie Sie im obigen Fenster sehen können.
Sobald Sie auf HDR geklickt haben, erscheint ein neues Fenster: Achten Sie darauf, die Auto-Align-Funktion zu überprüfen und die Auto-Einstellungen zu deaktivieren (es macht ehrlich gesagt keinen guten Job). Wenn Sie sich beim Aufnehmen der Sequenz nicht ein wenig bewegt haben, verwenden Sie nicht die Deghost-Funktion, da sie Artefakte erzeugt, indem Sie nach Unterschieden zwischen den Aufnahmen sucht.
Erstellen Sie das HDR-Bild. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Wenn Sie mit den Einstellungen fertig sind, klicken Sie auf die Schaltfläche „Zusammenführen“ und fertig! Lightroom erstellt eine funktionsfähige DNG-Datei, mit der Sie wie im Kapitel Einzelbelichtungen Farb- und Kontrastanpassungen vornehmen können. Ja, es ist so einfach!
- Siehe auch: Ultimative Anleitung zur HDR-Fotografie
So machen Sie ein Landschaftsbild interessanter
In diesem Kapitel werde ich zwei nützliche Techniken vorstellen, die fast jeder professionelle Landschaftsfotograf verwendet, mit denen Sie viel interessantere Fotos erstellen können. Dies sind die Dodge / Burn-Technik und der Orton-Effekt.
Mit zwei einfachen Techniken können Sie ein Landschaftsbild interessanter gestalten. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Ausweichen & Brennen
Diese leistungsstarke Technik ist bei Landschaftsfotografen sehr beliebt und besteht darin, mit einem Pinsel über eine graue Schicht zu malen und sich dabei auf die Farben (oder das Licht) zu konzentrieren, die Sie verbessern möchten. Schauen wir uns an, wie es funktioniert.
Schritt 1: Erstellen Sie eine graue Ebene mit 50% Deckkraft
Sobald Sie Ihr Foto in Adobe Photoshop geöffnet haben, sollten Sie als nächstes eine neue graue Ebene erstellen, auf der Sie später malen werden. Um es zu erstellen, gehen Sie in der oberen Leiste unter den Abschnitt „Ebene“ und wählen Sie „Neu → Ebene“.
Erstellen Sie eine 50% graue Ebene. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
An dieser Stelle wird das obige Fenster angezeigt. Ändern Sie den Modus von „Normal“ auf „Weiches Licht“ (wie gezeigt) und aktivieren Sie das Kontrollkästchen „Mit weicher lichtneutraler Farbe füllen (50% Grau)“.
Herzlichen Glückwunsch, Sie haben gerade Ihre erste Dodge and Burn-Ebene erstellt!
Ebene ausweichen und brennen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Wie Sie dem Ebenenfeld in der unteren rechten Ecke des obigen Bildes entnehmen können, kann die Ebene Ausweichen und Brennen nun verwendet werden.
Schritt 2: Malen!
Mit einem warmen Pinsel mit 30% Deckkraft habe ich auf der linken Seite des Rahmens gemalt, genau dort, wo das Licht herkommt. Ich habe eine sehr helle Farbe verwendet, um die warmen Farben des Sonnenaufgangs und die Leuchtdichte dieses Bereichs zu verbessern.
Malen Sie auf die Ebene, um auszuweichen und zu brennen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Sie können andere Teile des Bildes weiterhin malen, indem Sie den Himmel ein wenig mit Schwarz abdunkeln, um dem Foto mehr Dramatik zu verleihen, oder Weiß wählen, um Bereiche aufzuhellen, die Sie hervorheben möchten. Das ist Ausweichen und Brennen!
- Siehe auch: 5 einfache Lightroom-Nachbearbeitungstipps für die Landschaftsfotografie
Orton-Effekt
Dieser von Michael Orton erstellte Effekt hat in den letzten Jahren viele verschiedene Namen angenommen. Es wurde auch als „Märcheneffekt“, „verträumter Look“ usw. beschrieben. Grundsätzlich besteht der Orton-Effekt darin, dem Bild ein wenig Unschärfe hinzuzufügen, um ein weiches, glattes Aussehen zu erzeugen, von dem ich annehme, dass es als „verträumt“ bezeichnet werden kann. Befolgen Sie die nächsten Schritte, um diesen Look zu erzielen!
Schritt 1: Gaußscher Weichzeichner
Das Anwenden des Gaußschen Weichzeichners macht gut 80% des Prozesses aus. Die erste (und grundlegende! der Schritt, den Sie befolgen sollten, besteht darin, eine doppelte Ebene zu erstellen, damit die ursprüngliche Ebene nicht von der Unschärfe betroffen ist. Sie finden die Option „Ebene duplizieren“ im Abschnitt „Ebene“ in der oberen Leiste.
Erstellen Sie eine Gaußsche Unschärfe-Ebene. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Nachdem Sie eine Kopierebene erstellt haben, gehen Sie zum Abschnitt „Filter“ (immer noch in der oberen Leiste) → „Unschärfe“ → „Gaußsche Unschärfe“.
Wenden Sie den Gaußschen Weichzeichner an. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Nun erscheint dieses kleine Fenster. Um den Radius zu wählen, gibt es eine allgemeine Regel, die besagt, dass Sie die gleiche Menge wie die Megapixel Ihrer Kamera verwenden sollten. Zum Beispiel wurde dieses Bild mit einer Nikon D800 mit 36 Megapixeln aufgenommen, also entschied ich mich für einen gaußschen Unschärferadius von 36 Pixeln.
Die Regel ist lückenhaft, also keine Sorge, wenn Sie die Megapixel-Menge Ihrer Kamera nicht genau auswählen. Wenn Sie fertig sind, klicken Sie auf OK und Sie haben die Unschärfe hinzugefügt!
Schritt 2: Verringern Sie die Deckkraft und ändern Sie den Mischmodus
Nachdem Sie die Unschärfe angewendet haben, fragen Sie sich wahrscheinlich, was zum Teufel Sie falsch gemacht haben. Alles ist verschwommen.
Keine Panik! Wenn Sie das Ebenenfenster unten rechts aktivieren, wird der Schieberegler „Deckkraft“ angezeigt, in dem Sie den Prozentsatz der Deckkraft auswählen können, den Sie dieser bestimmten Ebene zuweisen möchten. Für den Orton-Effekt empfehle ich, niemals über 10-15% zu gehen.
Verringern Sie die Deckkraft und ändern Sie den Mischmodus. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Nachdem Sie die Deckkraft eingestellt haben, ist es Zeit, den Mischmodus zu ändern. Bewegen Sie dazu einfach Ihre Maus leicht nach links (im Fenster hier oben, wo „Overlay“ steht, direkt neben Deckkraft) und eine lange Liste verschiedener Mischmodi wird angezeigt. Um dem Bild einen kleinen „Kontrast“ zu verleihen, empfehle ich die Verwendung des Overlay-Modus. Wenn Sie den Rahmen aufhellen möchten, ist der „Bildschirm“ -Modus ebenfalls eine gültige Option.
- Siehe auch: Erstellen von Starburst-Effekten in Ihrer Landschaftsfotografie
Nachbearbeitungsworkflow
Wie Sie wahrscheinlich schon gesehen haben, sieht meine Photoshop-Oberfläche so aus. Die Reihenfolge aller meiner Fenster verbessert meinen Nachbearbeitungsworkflow erheblich.
Richten Sie Ihre Fenster ein, um Ihren Workflow zu verbessern. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Das mit Abstand wichtigste Fenster sind die Ebenen, gefolgt von der Farbauswahl und dann dem Navigator/Histogramm. Die Symbole neben dem Navigator auf der linken Seite sind eigentlich Verknüpfungen: die erste ist für Anpassungen Schichten (sehr zu empfehlen!), während die anderen für die Geschichte, die Aktionen und die Kanäle sind. Ich empfehle Ihnen dringend, den Verlauf zu verwenden, wenn Sie etwas falsch machen und Ihre Schritte wiederholen möchten!
Während diese Reihenfolge von Windows für mich funktioniert, finden Sie möglicherweise ein anderes Setup, das für Sie funktioniert. Wie auch immer Sie sich entscheiden, Ihre Fenster anzuordnen, stellen Sie sicher, dass sie zu Ihrem Workflow passen und Sie in keiner Weise behindern. Es ist am besten, einfachen Zugriff auf alle Tools zu haben, die Sie regelmäßig verwenden, damit Sie sich nicht unnötig verlangsamen.
- Siehe auch: Interview mit Dany Eid / Der Schlüssel zur erfolgreichen Landschaftsfotografie
Fazit
Lassen Sie mich ein letztes Mal wiederholen, bevor ich den Artikel schließe: Die Postproduktion ist entscheidend für die Verbesserung Ihres fotografischen Niveaus! Folglich müssen Sie viel Zeit damit verbringen, zu lernen, wie Sie Ihren Workflow richtig erstellen und wie Sie Ihren persönlichen Stil mit der Erfahrung entwickeln können.
Post-Processing wird Ihnen helfen, Ihren eigenen Stil in der Landschaftsfotografie zu erreichen. Foto von: ‚Leonardo Papèra‘.
Ich hoffe, dass dieser Artikel Ihnen (zumindest) ein Verständnis für die Grundlagen der Postproduktion vermittelt hat, damit Sie eine gute Vorstellung davon haben, wie Sie vorgehen müssen, wenn Sie Ihre Bilder am Computer öffnen.
Über den Autor: Leonardo Papèra ist ein Landschafts- und Naturfotograf aus Italien. Mehr von seiner Arbeit findet ihr auf seiner Website oder indem ihr ihm auf Instagram folgt.
