Guía para Principiantes para el Postprocesamiento de Fotografía de Paisaje

Le guste o no, las fotos deben ser postprocesadas. Ni siquiera entraré en el hecho de que siempre ha sido así, ya que las cámaras de película analógica estaban en su apogeo. En ese entonces, había una forma diferente de hacerlo. Sin embargo, la conclusión es que la posproducción es una parte fundamental no excluible del proceso de creación, con la que tendrás que lidiar si quieres que tus imágenes destaquen.

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En este artículo, nos centraremos en el posprocesamiento en la fotografía de paisajes, que generalmente tiene un flujo de trabajo muy peculiar. Como beneficio adicional, al final del artículo te mostraré cómo generalmente postproceso mis fotos, tomando una de ellas desde el principio y editándola hasta el final, para que puedas ver cómo hacerlo tú mismo, paso a paso.

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¿Qué es la Postedición en Fotografía?

Cuando hablamos de postproducción de una imagen, nos referimos a todo lo que sucede (a la foto) después de la fase de disparo.

Es un hecho que muchas personas, tanto fotógrafos como no fotógrafos, en realidad se refieren a las palabras » post edición «como una especie de magia no sensorial que solo los nerds de la computadora y los» fotógrafos falsos » (¿es eso siquiera una cosa?) utilizar. Mientras tanto, los «fotógrafos reales» obtienen la toma directamente en el campo, sin la ayuda de un software de edición.

Echemos un vistazo a un ejemplo del significado «real» del postprocesamiento. Digamos que no tienes el horizonte recto en el campo. Esto podría haber sido porque estabas disparando a toda prisa o desde una posición incómoda. Un simple clic (literalmente, es un clic) en Adobe Lightroom le ayudará a enderezar la foto, que luego puede recortar un poco si hay objetos no deseados en los bordes.

Ahora, ¿llamarías a esto magia? ¿Considerarías esa foto «falsa» solo porque ha sido enderezada y recortada? No lo creo, ¿verdad?

Creo que es muy importante que entiendas que la postproducción es un acto natural que sigue una vez que capturasuna imagen RAW en el campo; no es algo opcional que puedas elegir hacer o no. La razón de esto es porque un archivo RAW simplemente está grabando todos los datos de la escena, sin ningún ajuste en particular. Puede leer más sobre archivos RAW vs JPEG aquí. Si quieres mejorar tu nivel de fotografía, tendrás que sentarte detrás de tu computadora y trabajar en tus fotos.

En este artículo, pasaré un poco de tiempo desmontando todos los mitos y leyendas que existen sobre la postproducción, ya que tus fotos solo se beneficiarán si aprendes a hacerlo correctamente.

Sin embargo, hay que decir una cosa: hay una línea delgada e invisible donde la postproducción se convierte en manipulación digital y la fotografía en arte digital. No es posible escribir los criterios con los que» juzgar » lo que es uno y lo que es el otro, ya que cada caso debe considerarse por separado.

• Consulte también: Ajustes de Cámara Recomendados para Fotografía de Paisajes

¿Por qué Necesitamos Procesar Nuestras Imágenes Después?

Intente hacer un pastel y omita la parte donde debe hornearlo en el horno. El pastel puede salir bien, pero ¿quién sabrá si no está cocinado? Si lo dejas crudo, estoy seguro de que no sabrá bien.

Dejar un archivo CRUDO sin procesar es como querer hornear un pastel pero olvidarse de ponerlo en el horno. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Intente también cocinar espaguetis y omita la parte donde agrega la salsa. La pasta puede ser cien veces mejor con la salsa correcta, pero nunca sabrás si no usas ninguna. En cambio, será soso e inacabado.

Déjame disculparme si los dos únicos ejemplos que he usado son sobre comida, pero ya sabes, soy italiano y siempre pensamos en comida. Creo que has entendido lo que estoy tratando de decir. Los archivos RAW que filmas en el campo son espaguetis y la postproducción es la salsa.

Como ya he mencionado en la introducción, la postproducción es una parte fundamental del proceso creativo. Personalmente, diría que es al menos un buen 40% de lo que hace que la foto final sea genial.

Ahora, técnicamente hablando, el archivo RAW que sale de nuestras cámaras NO muestra la escena real; permítanme ser muy claro sobre esto, no hay forma de que puedan enmarcar la escena real tal como está en ese preciso momento. Puedes acercarte mucho, pero no enmarcarás la realidad.

permítanme explicar por qué. Si decide disparar en formato RAW, la salida será una imagen sin procesar, sin contrastes y con apenas color en comparación con lo que está viendo con sus propios ojos en ese momento. Eso es porque la imagen en BRUTO necesita posproducción para cobrar vida. Toda la información está contenida en el archivo, solo tienes que sacarla con un software de edición.

Si decides usar el formato JPEG en lugar de RAW, no puedes estar orgulloso de ti mismo porque «no estás haciendo ninguna posproducción de tus fotos». Técnicamente, no hará ningún posprocesamiento usted mismo porque su cámara hará todo el trabajo por usted.

En caso de que no lo supiera, los archivos JPEG son editados automáticamente por el procesador de su cámara con algunos parámetros muy estándar y básicos, como «contraste» o «saturación». El único momento en que los archivos JPEG son útiles es cuando estás en una tarea y no puedes perder tiempo editando tus imágenes o tienes que enviarlas a tu agencia de inmediato; en todos los demás casos, siempre se prefiere disparar en RAW.

Así que, déjame resumir esto: Puedes decidir editar las fotos que estás tomando por ti mismo o dejar que la cámara haga todo el trabajo por ti y se conforme con el resultado final. En el primer caso, tendrás control total sobre los ajustes que harás en tu imagen. En este último, apenas puedes hacer nada, aparte de cambiar algunos controles deslizantes en el menú de tu cámara.

¿Realmente necesito decirte cuál es la mejor opción? Ahí tienes, esa es la respuesta a la pregunta de este capítulo.

• Ver también: El Mejor Software y Aplicaciones de Edición de Fotos para 2020

Tipos de postprocesamiento

Aventurémonos un poco más dentro del mundo de la postproducción en fotografía de paisajes. En este capítulo, echaremos un vistazo a las principales ramas de la postproducción cuando se trata de paisajes: exposiciones únicas y exposiciones múltiples.

No hace falta decir que las exposiciones individuales son generalmente mucho más fáciles de trabajar, ya que puede centrarse solo en ajustes de imagen, como colores y contrastes. Con múltiples exposiciones, tendrá que lidiar con el apilamiento de imágenes, el bracketing, el enmascaramiento y las selecciones precisas.

Hay dos tipos de postprocesamiento: imágenes únicas y exposiciones múltiples. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Por el bien de este artículo, usaré Adobe Camera RAW para editar los archivos RAW. Luego usaré Adobe Photoshop para los ajustes finales y la edición selectiva de partes particulares de la imagen.

• Ver también: Guía definitiva de Luminar de Skylum

Exposiciones individuales

Comencemos con la más fácil: exposiciones individuales. Usaré la siguiente imagen para guiarte a través de los ajustes que generalmente hago en el 90% de mis imágenes. Este proceso le ayudará a lograr mejores resultados en la postproducción.

Antes y después del postprocesamiento. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Ajustes sin procesar

En la captura de pantalla siguiente, puede ver el archivo sin procesar antes de tocar nada, lo que le dará una idea del punto de partida. El primer paso es comenzar con los ajustes básicos en Adobe Camera RAW (o Lightroom, si lo prefiere).

Siempre mire primero la Temperatura y el tinte. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Lo primero que debes tener en cuenta siempre es la Temperatura y el Tinte. En este caso, estaba filmando con una Nikon D750, que generalmente tiene un fuerte dominio magenta, aunque esta vez se equivocó en el balance de blancos automático. Ya era la hora azul, con un montón de tonos azules en las áreas sombrías del marco y un fuerte magenta en los picos y el cielo. La cámara casi leyó todo como rojizo.

Para solucionar un problema como este, solo necesita ajustar la temperatura. Moví el control deslizante de temperatura un poco hacia tonos más fríos y el control deslizante de tinte hacia magenta. En la siguiente captura de pantalla, puede ver cómo este simple ajuste ya ha mejorado la imagen, con tonos que se ajustan mejor a esa hora del día. También aplané un poco más la imagen elevando los negros / sombras y bajando los reflejos. Esta técnica le dará más flexibilidad al trabajar con contrastes más adelante en Photoshop.

El siguiente paso en Adobe Camera RAW es añadir un poco de claridad para mejorar los micro-contrastes y dar un aspecto general más nítido a la imagen. Por la cantidad, nunca pase de +20, de lo contrario, podría obtener un aspecto granulado y desagradable.

Añade un poco de claridad. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

El paso final es cambiar a la sección de Correcciones de lentes (entre los iconos justo debajo de los datos EXIF) y marcar los dos botones «Eliminar Aberración cromática» y «Habilitar correcciones de perfil», como se ve en la captura de pantalla a continuación. Eliminará automáticamente la aberración de color (si la hay) y corregirá los «problemas» de la lente (distorsión, por ejemplo).

Elimine la aberración cromática y las distorsiones de lentes. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

• Consulte también: Cómo Elegir Qué versión de Lightroom Comprar

Ajustes de Photoshop

Ahora es el momento de «pasar la pelota» al poderoso Adobe Photoshop. Sé que muchos fotógrafos se sienten intimidados por la gran cantidad de funcionalidades que contiene este software. Sin embargo, la verdad es que solo necesitamos un montón de ellos para que nuestras imágenes salgan un poco más.

Uno de los conceptos principales que debe entender al trabajar con Photoshop es cómo funcionan las «Capas». Imagine su imagen de base como una hoja blanca. Cada capa que cree será una nueva hoja, donde hará cosas que afectarán a la base. La medida en que la imagen base se verá afectada por esas otras capas dependerá de usted para decidir con herramientas como pinceles, degradados u opacidad de capa.

Esta es una descripción muy breve e incompleta de lo que son las capas de Photoshop, pero una vez que obtenga el ejercicio sobre cómo funcionan, será más fácil de lo que piensa.

La capa de ajuste de curvas. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Comencemos con el ajuste que ves en la ventana de arriba, el llamado «Curvas». Para crear esta capa, solo tienes que ir a la barra de menú superior. En la sección Capa, seleccione » Nueva capa de ajuste «y, a continuación,»Curvas».

La curva más clásica es la «curva S». Se llama así porque tiene la forma de la letra «S». Esta técnica básicamente agrega contraste al bajar la curva en la sección de sombras y elevarla en la sección de reflejos. Si desea asegurarse de que no está perdiendo ningún detalle en las sombras, asegúrese de elevar ligeramente el punto más bajo de la curva.

La capa de ajuste de balance de color. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

La segunda capa que vamos a crear es una capa de Equilibrio de color. Lo encontrará justo donde encontró el ajuste de curvas, en » Capa «en la barra superior y luego seleccionando» Nueva capa de ajuste «y luego»Equilibrio de color».

Con este ajuste, tendrá la oportunidad de cambiar los moldes de color dentro de áreas específicas de la imagen. Como puede ver en la ventana pequeña, se seleccionan «Tonos medios», pero también puede cambiar a» Reflejos «o»Sombras». Lo que elija dependerá del área del marco en la que desee trabajar.

En este caso específico, decidí trabajar en los tonos medios. Agregué un poco de rojo, magenta y amarillo mientras sacaba un poco de cian, verde y azul.

No presione demasiado en los controles deslizantes, ya que puede hacer cambios notables con bajas variaciones en la cantidad. Como puedes ver, hice ajustes por +3/-2/-2, por lo que no se necesita casi nada para ver una diferencia moderada.

Solo ajusté un poco los controles deslizantes para obtener un efecto grande. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

• Véase también: Comprender los deslizadores HSL en Lightroom

Ahora ingresará a la parte más compleja de este tutorial de Photoshop: enmascaramiento. Tienes una comprensión básica de cómo funcionan las capas, así que ahora es el momento de entender el concepto de máscaras. En pocas palabras, las máscaras de capa le permiten ocultar (o revelar) partes de la imagen al ajuste que aplique.

¿Ves esos rectángulos blancos en la parte inferior derecha de la captura de pantalla, en la ventana de capas? Se trata de máscaras blancas, que se crean automáticamente al crear una nueva capa de ajuste.

En esta imagen, he creado una tercera capa para los ajustes de Brillo/Contraste. Bajé tanto el brillo como el contraste de la imagen en una cantidad bastante significativa. Sin embargo, no quería que toda la imagen se viera afectada por este ajuste, solo quería mejorar la luz que venía de la derecha oscureciendo un poco la parte izquierda del marco.

Para lograr esto, tuve que enmascarar (ocultar, en este caso) el lado derecho de la imagen al ajuste de brillo/contraste. Como puede ver en la imagen siguiente, la parte derecha del rectángulo blanco junto a la capa de brillo/contraste es negra. Esto se debe a que usé un degradado radial negro (que encontrarás en la barra de menú de la izquierda) y «pintado» en la máscara para ocultar esa área de la imagen del ajuste. De esta manera, solo la parte izquierda se vería afectada.

Pintura en una máscara. Foto de: «Leonardo Papèra».

Después de estos ajustes, volví a la barra de menú superior en la sección Capa y seleccioné «Nueva capa de ajuste». Esta vez, elegí «Color selectivo», que es una herramienta increíblemente útil y poderosa cuando se trata de trabajar con colores.

Una vez que haya abierto esta capa de ajuste en la sección «colores», podrá seleccionar el color específico en el que desea trabajar (Rojos, Amarillos, Azules, Verdes, etc.) y cambiar la cantidad de cian, magenta, amarillo y negro.

¿Qué significa esto? Bueno, como puedes ver en la captura de pantalla a continuación, decidí trabajar solo en tonos magenta. Pude quitar un poco de cian y agregar un poco de magenta y un poco de amarillo. Eliminar el cian en realidad significa agregar rojo, ya que es el color complementario del cian. Agregar magenta en realidad significa eliminar el verde. Del mismo modo, agregar amarillo significa eliminar el azul. Todos estos ajustes de color eran relativos solo al magenta, por lo que las únicas áreas en las que verá estos cambios aplicados son donde el software localiza los tonos magenta y en ningún otro lugar.

No mentiré: puede ser confuso al principio y te llevará un tiempo acostumbrarte a esta herramienta. La única manera de aprender a trabajar correctamente con todos estos reguladores es probando y probando una y mil veces.

Ajustar solo los magentas. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

A continuación se muestra una captura de pantalla en la que decidí trabajar solo con los blancos, aplicando prácticamente las mismas variaciones que hice con los magentas.

Trabajando solo en blancos. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Y eso es todo! Estas son las herramientas que probablemente utilizará más cuando trabaje en Adobe Camera RAW y Photoshop.

Como probablemente habrás notado, los ajustes que marcaron la mayor diferencia fueron las variaciones muy básicas en Camera RAW, como la temperatura de color y el tinte. Debe comenzar por dominar estas herramientas, que son bastante simples de usar. Ahí es donde realmente desarrollarás el ojo para qué tipo de ajustes está pidiendo una imagen.

El resultado final. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

No se trata de las herramientas en particular, sino más bien de cómo las usas.

• Véase también: Fotografía HDR en Islandia / Combinación de exposiciones para principiantes

Exposiciones múltiples

En esta sección, echaremos un vistazo a los dos tipos más comunes de exposiciones múltiples en fotografía de paisajes: apilamiento de enfoque y HDR. Repasaremos los pasos que debe seguir para llegar al punto en el que pueda combinar todas las exposiciones para trabajar en una sola imagen base. A partir de ahí, puede seguir los mismos pasos de la sección anterior para postprocesar una sola exposición.

Apilamiento de enfoque

Esta técnica increíblemente útil se ha vuelto muy popular entre los fotógrafos de paisajes en los últimos años. El apilamiento de enfoque ayuda a enfocar todo cuando tienes sujetos muy cercanos en el primer plano de la imagen, que de otro modo serían borrosos.

Una secuencia de cuatro imágenes con diferentes áreas de enfoque. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Como puede ver en las imágenes de arriba, la secuencia clásica de apilamiento de enfoque comienza a partir de enfocar el fondo y cambia lentamente el enfoque al primer plano. Para obtener más información sobre cómo tomar una serie de imágenes apiladas con enfoque, consulte nuestra Guía Definitiva para el apilamiento de enfoque.

Supongamos, sin embargo, que ya ha tomado su secuencia de imágenes. Ahora veremos cómo puede combinar todas estas tomas en una sola imagen con la ayuda de Adobe Photoshop.

Paso 1: Abra la secuencia en Photoshop como Capas

El primer paso es abrir todas las capas en una sola imagen, como puede ver en la captura de pantalla siguiente. Para hacer esto, puede abrir cada una de ellas por separado y luego ir a la sección «Capa» del menú → «Duplicar capa» → seleccionar su imagen base. También puede seleccionarlos en Lightroom y, con el clic derecho, elegir abrirlos «Como capas» en Photoshop (lo cual es mucho más fácil).

Abra la secuencia en Photoshop como capas. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Paso 2: Alinear las imágenes

Un paso muy fácil pero fundamental es seleccionar todas las capas y en la sección «Editar», haga clic en» Alinear capas automáticamente», para que no haya diferencias entre cada capa.

Alinee automáticamente las capas. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Paso 3: Máscara!

No hay otra forma de solucionar esto. Tendrás que lidiar con el enmascaramiento en este punto. Para hacer esto, simplemente revele las partes de enfoque de cada capa, hasta que logre una imagen en la que todo esté enfocado. La herramienta pincel (en la barra izquierda) le ayudará durante el enmascaramiento.

Máscara de desenfoque partes y la máscara en las partes que están en foco. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

El resultado final debería verse como en la captura de pantalla anterior. Todas las máscaras tienen algunas partes en blanco y otras en negro, lo que significa que algunas partes de esas capas son visibles mientras que otras áreas están ocultas. Puede requerir bastante tiempo para clavar el apilamiento y lograr un resultado decente, sin halos o cosas extrañas en algún lugar del marco. ¡Sus esfuerzos valdrán la pena, ya que el resultado será increíble!

• Ver también: Ajustes de fotografía de paisajes / Cómo Configurar el enfoque

Imágenes HDR (Alto rango dinámico)

Ahora que hemos visto el apilamiento de enfoque, trabajar con imágenes HDR será más fácil que caminar por el parque. Ni siquiera tendremos que usar Photoshop en este caso, ya que Lightroom tiene el mejor algoritmo a la hora de combinar diferentes exposiciones. Siga estos sencillos pasos para lograr una sola imagen HDR de muchas exposiciones.

Paso 1: Importe la secuencia HDR en Lightroom

Después de abrir Lightroom, en la esquina inferior izquierda encontrará «Importar». Desde allí, podrá transferir la secuencia HDR a su biblioteca de Lightroom.

Importe la secuencia HDR en Lightroom. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Paso 2: Cree la imagen HDR

Una vez que haya importado todas sus tomas, simplemente haga clic con el botón derecho y seleccione «Fotomerge → HDR», como puede ver en la ventana de arriba.

Una vez que haya hecho clic en HDR, aparecerá una nueva ventana: asegúrese de verificar la función de Alineación automática y desmarque la Configuración automática (honestamente, no hace un gran trabajo). A menos que se haya movido un poco al tomar la secuencia, no use la función Deghost, ya que creará artefactos al buscar diferencias entre las tomas.

Cree la imagen HDR. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Cuando haya terminado con la configuración, haga clic en el botón» Combinar » y ¡eso es todo! Lightroom creará un archivo DNG funcional, con el que podrá empezar a realizar ajustes de color y contraste como hizo en el capítulo exposiciones individuales. Sí, es así de fácil!

• Véase también: Guía Definitiva para la Fotografía HDR

Cómo hacer que una Imagen de paisaje Sea más Interesante

En este capítulo voy a compartir dos técnicas útiles que casi todos los fotógrafos de paisaje profesionales están utilizando, que lo ayudarán a crear fotos mucho más interesantes. Estas son la técnica de Esquivar / Quemar y el efecto Orton.

Puede hacer que una imagen de paisaje sea más interesante con dos técnicas sencillas. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Dodge & Burn

Esta poderosa técnica es muy popular entre los fotógrafos de paisajes y consiste en pintar sobre una capa gris con un pincel, centrándose en los colores (o la luz) que desea realzar. Echemos un vistazo a cómo funciona.

Paso 1: Cree una capa Gris con un 50% de Opacidad

Una vez que haya abierto su foto en Adobe Photoshop, lo siguiente que debe hacer es crear una nueva capa gris, donde pintará más tarde. Para crearlo, vaya debajo de la sección» Capa «en la barra superior y seleccione»Nueva → capa».

Cree una capa gris al 50%. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

En este punto, aparecerá la ventana de arriba. Cambie el Modo de » Normal «a» Luz suave «(como se muestra) y marque la casilla» Rellenar con color neutro de luz suave (50% gris)».

Felicitaciones, ¡acabas de crear tu primera capa de esquivar y quemar!

Capa de esquivar y quemar. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Ahora, como puede ver en el cuadro de capas en la esquina inferior derecha de la imagen de arriba, la capa de esquivar y grabar está lista para usarse.

Paso 2: ¡Pinta!

Usando un pincel cálido con un 30% de opacidad, he pintado en el lado izquierdo del marco, justo de donde proviene la luz. Utilicé un color muy brillante para realzar los colores cálidos del amanecer y la luminancia de esa zona.

Pintar en la capa para esquivar y quemar. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Puede seguir pintando en otras partes de la imagen, tal vez oscureciendo un poco del cielo con negro para darle más dramatismo a la foto o eligiendo blanco para aclarar las áreas que desea enfatizar. ¡Esto es esquivar y quemar!

• Ver también: 5 Sencillos Consejos de Postprocesamiento de Lightroom para Fotografía de Paisajes

Efecto Orton

Creado por Michael Orton, este efecto ha tomado muchos nombres diferentes en los últimos años. También se ha descrito como un «efecto de cuento de hadas»,» aspecto soñador», etc. Básicamente, el efecto Orton implica agregar un poco de desenfoque a la imagen para crear un aspecto suave y liso, que supongo que se puede llamar «soñador». Siga los siguientes pasos para lograr este look!

Paso 1: Desenfoque Gaussiano

Aplicar el desenfoque gaussiano es un buen 80% del proceso. El primero (¡y fundamental!) el paso que debe seguir es crear una capa duplicada, para que la original no se vea afectada por el desenfoque. Encontrará la opción » Duplicar capa «en la sección» Capa » en la barra superior.

Crea una capa de desenfoque gaussiano. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Después de crear una capa de copia, vaya a la sección » Filtro «(todavía en la barra superior) → «Desenfoque» → «Desenfoque gaussiano».

Aplique el desenfoque gaussiano. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Ahora aparecerá esta pequeña ventana. Para elegir el radio, hay una regla general que dice que debe usar la misma cantidad que los megapíxeles de su cámara. Por ejemplo, esta imagen se tomó con una Nikon D800 que tiene 36 megapíxeles, así que opté por un radio de desenfoque gaussiano de 36 píxeles.

La regla es incompleta, así que no te preocupes si no seleccionas con precisión la cantidad de megapíxeles de tu cámara. Cuando haya terminado, haga clic en Aceptar y habrá agregado el desenfoque.

Paso 2: Baje la Opacidad y Cambie el Modo de fusión

Ahora que ha aplicado el desenfoque, probablemente se esté preguntando qué diablos ha hecho mal. Todo está borroso.

¡No te asustes! Si marca la ventana de capas en la parte inferior derecha, verá el deslizador «Opacidad» donde puede seleccionar el porcentaje de opacidad que desea dar a esa capa específica. Para el efecto Orton, recomiendo no superar nunca el 10-15%.

Reduzca la opacidad y cambie el modo de fusión. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Después de configurar la opacidad, es hora de cambiar el modo de fusión. Para hacer eso, simplemente mueva ligeramente el mouse hacia la izquierda (en la ventana de aquí arriba, donde dice «Superponer», justo al lado de Opacidad) y aparecerá una larga lista de diferentes modos de fusión. Para dar un pequeño «golpe de contraste» a la imagen, recomiendo usar el modo de superposición. Si desea iluminar el marco, el modo «Pantalla» también es una opción válida.

• Consulte también: Creación de efectos de Estallido en su Fotografía de Paisajes

Flujo de trabajo de Posprocesamiento

Como probablemente ya haya visto, así es como se ve mi interfaz de Photoshop. El orden de todas mis ventanas mejora en gran medida mi flujo de trabajo de posprocesamiento.

Configure sus ventanas para mejorar su flujo de trabajo. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

La ventana más importante son las Capas, una por lejos, seguida de la selección de colores y luego el Navegador / Histograma. Los iconos al lado del Navegador a la izquierda son en realidad atajos: el primero es para las capas de ajustes (¡muy recomendable!), mientras que los otros son para la historia, las acciones y los canales. Le recomiendo encarecidamente que use el historial si hace algo mal y desea volver sobre sus pasos.

Si bien este orden de Windows funciona para mí, es posible que encuentre una configuración diferente que funcione para usted. Sin importar cómo decida organizar sus ventanas, asegúrese de que se ajuste a su flujo de trabajo y no lo obstaculice de ninguna manera. Lo mejor es tener un acceso fácil a todas las herramientas que utiliza de forma regular, para que no se ralentice innecesariamente.

• Véase también: Entrevista con Dany Eid / La clave para una fotografía de Paisajes exitosa

Conclusión

Permítanme repetirme una última vez, antes de cerrar el artículo: la postproducción es vital para mejorar su nivel de fotografía! En consecuencia, necesita dedicar una buena cantidad de tiempo a aprender cómo crear adecuadamente su flujo de trabajo y cómo desarrollar su estilo personal con la experiencia.

El postprocesamiento le ayudará a lograr su propio estilo en fotografía de paisajes. Foto de: ‘Leonardo Papèra’.

Espero que con este artículo le haya dado (al menos) una comprensión de los conceptos básicos de la postproducción para que tenga una buena idea de cómo proceder cuando abra sus imágenes en el ordenador.

Sobre el autor: Leonardo Papèra es un fotógrafo de paisajes y naturaleza con sede en Italia. Puedes encontrar más de su trabajo en su sitio web o siguiéndolo en Instagram.