Las Películas Más Perturbadoras de Todos Los Tiempos (¡Ya sabes, Algo De Lectura Ligera!)

Nos encanta ver actos de violencia en pantalla. Desde las travesuras de los dibujos animados de Looney Tunes hasta los Vengadores golpeando a Thanos en un éxito de taquilla de cuatro cuadrantes, los espectadores se divierten con la gente que se divierte. Tal vez es un acto de catarsis indirecta; tal vez es porque sabemos que todo es falso, lo que nos da «permiso» para disfrutarlo; tal vez es porque las apuestas reales, tanto dentro como fuera del texto, parecen tan bajas. No estoy aquí para acusar a personas que disfrutan de este tipo de contenido, soy uno de ellos. En cambio, estoy aquí para examinar lo que sucede cuando los cineastas giran este dial más allá del punto de ruptura.

Hay un subconjunto de cine que está interesado en explorar lo extremo, lo profano, lo tabú, lo perturbador. Una marca de película que marca al espectador, abrasando su cerebro con imágenes inolvidables y disección de los impulsos humanos más básicos y perversos, impulsos que podrían tener algo en común con la forma más «desinfectada» de violencia en la pantalla que encontramos aceptable (¡vaya, supongo que me estoy autoinculpando un poco!). Algunas de estas películas están hechas simplemente para impresionar con una provocación vacía; algunas tienen algo genuino que decir en su núcleo; todas ellas te molestarán.

Aquí, pues, están las películas más perturbadoras de todos los tiempos, y una hoja de cine transgresor que te dejará atónito y acobardado. Mira a tu propio riesgo.

Y Película Serbia

Director: Srđan Spasojević.

Escritores: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević.

Honor: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

La franqueza del título de esta película debería darte una pista de la franqueza de su contenido. Una película serbia pone a toda Serbia en el punto de mira, su director Srđan Spasojević comenta explícitamente no solo las implicaciones más amplias de vivir en una sociedad y un gobierno de tendencia fascista devastados por la guerra, sino también las hipocresías específicas de este mismo gobierno que financia películas burguesas «seguras» que buscan encubrir sus propias atrocidades. Para hacer este punto, Spasojević y el coguionista Aleksandar Radivojević han elaborado una trama que nos lleva más allá del punto del inframundo. La estrella porno retirada Miloš (Srđan Todorović) tiene problemas para cuidar a su familia. Así que, a pesar de sus mejores instintos, acepta protagonizar una película porno artística de un autor provocador (Sergej Trifunović). Pero los métodos y temas del director implican tranquilizar a Miloš en un estado de catatonía y obligarlo a hacer cosas indescriptibles en cámara. Y cuando digo «indescriptible», no estoy siendo hiperbólico. Los tabúes relacionados con la violencia sexual, la necrofilia, el incesto y la pedofilia se amplían con detalles insospechados, dando a la película una sensación instantánea de notoriedad en el circuito de festivales. El tiro final y la decisión tomada son puramente malvados.

Audición

Director: Takashi Miike

Escritor: Daisuke Tengan

Elenco: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike es un director más que prolífico, cuyas películas más famosas como I the Killer y Visitor Q regularmente sumergen al espectador en vísceras imaginativas y psicológicamente castigadoras tabúes. ¿Por qué Audition hace el corte sobre sus muchas otras películas? En parte, debido a su límite-cruel cebo-y-interruptor. La audición comienza con una premisa y un tono de un drama romántico ligero: Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) es un viudo solitario que está buscando un nuevo amor. Bajo el consejo de su amigo productor de cine (Jun Kunimura), Aoyama comienza literalmente a «audicionar» a mujeres para ser potencialmente su amor, e inmediatamente se enamora de Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Los dos prometen profundos y melancólicos sentimientos de amor el uno por el otro. Y luego… las cosas se ponen raras. El interruptor de Miike te golpea en la cara, obligándote a enfrentar la premisa inherentemente problemática de la película y el sexismo inherente en las citas, las actividades románticas e incluso la industria cinematográfica. Cuando Asami Yamazaki finalmente comience a actuar con su propia agencia, hoo boy, cuidado. Imágenes de tortura a base de agujas, desmembramiento y comer un fluido corporal que definitivamente no debe comerse chocan con una intensa obsesión psicosexual de una manera que somete al espectador a golpes de martillo. Que es, precisamente, el objetivo de Yamazaki y Miike.

Mordum de August Underground

Directores / Escritores / Reparto: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Fred Vogel’s Toetag Pictures es una productora independiente de películas de terror y estudio conocido por sus obras de cine extremo de bajo presupuesto y límites. Su declaración definitoria viene en forma de una trilogía brutal, agresivamente nihilista, de metraje encontrado de caos conocido como August Underground. Las tres películas involucran a una familia encontrada de asesinos en serie que viajan y filman imágenes de unos a otros inculcando formas miserables de tortura y muerte a sus desafortunadas víctimas. Las tres películas están rodadas en una calidad irregular y de baja calidad, lo que resulta en una estética que se siente tan cercana a una película de tabaco literal como cualquier otra que haya producido en un largometraje narrativo. Las tres películas cuentan con efectos realistas que revuelven el estómago y actores comprometidos dispuestos a hacer mierda salvaje, salvaje entre sí. Pero el segundo capítulo, Mordum de August Underground, podría ser el más abyecto perturbador de todos. Los cuerpos no son más que oportunidades anónimas para disecciones morbosas y corrupciones, y el equipo de Toetag está más que dispuesto a arrojarnos todo en la cara, y cada escena logra superar a la anterior en su horrible crueldad. ¿Hay un punto más allá del caos del contenido en su valor nominal? Esa es una pregunta que no estoy seguro de que Toetag esté interesado en hacer.

Holocausto Caníbal

Director: Ruggero Deodato

Escritor: Gianfranco Clerici

Reparto: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

Una famosa película de terror de 1980 que es un texto fundamental en el género de metraje encontrado, fue directamente prohibida en varios países, resultó en que el director Ruggero Deodato fuera arrestado y tuviera que probar en la corte que los efectos especiales eran falsos, ayudó a iniciar una ola de cine de explotación caníbal e influenció a los cineastas a su paso (quizás más explícitamente Eli Roth con El Infierno Verde). Holocausto Caníbal cuenta, en forma de falso documental, la historia de un grupo de antropólogos que viajan a un pueblo amazónico para intentar rescatar a un grupo de cineastas que quedaron allí. Cuando llegan, descubren rollos de imágenes con acciones horribles perpetradas por los nativos caníbales, lo que resulta en una narrativa metatextual anudada que ataca agresivamente el saviorismo blanco, el colonialismo, el papel de las sensacionales noticias de televisión en la exacerbación de la violencia e incluso el papel del miembro del público viendo esta misma película. Ahora, ¿el Holocausto Caníbal solo está interesado en hacer estos puntos con una perspicacia intelectual irreprochable? Desde luego que no. Las imágenes mostradas, con un detalle impecable, están claramente diseñadas para cortejar la controversia, y en algunas secuencias de crueldad animal real, pueden caminar una línea hacia un texto sin propósito para algunos. Pero no se puede negar que el Holocausto Caníbal tiene mucho en mente, y está dispuesto a comer algunas mentes para tratar de hacer sus muchos puntos.

Cabezal de borrado

Director / Guionista: David Lynch

Reparto: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

El largometraje debut del famoso agitador de pesadillas/meteorólogo David Lynch, Eraserhead es probablemente lo más cercano que he sentido a vivir en el surrealismo casual y roedor de una pesadilla de la vida real en forma cinematográfica. Utilizando fotografía en blanco y negro y un diseño de sonido inexplicablemente aterrador, Lynch cuenta la historia de Henry Spencer (Jack Nance), un hombre débil y sensible que vive en una sociedad apocalíptica postindustrializada y extraña. A la vida le da la vuelta a todos los asuntos por la presencia (o amenaza) de la domesticidad, la crianza de los hijos, las relaciones sexuales e incluso la vida después de la muerte. Lynch presenta estos desafíos con un estilo abrasador y sin estilo en absoluto; mientras que el diseño de producción de esta película es incomparable en su atmósfera, muchas de las imágenes inquietantes de la película ocurren casi inadvertidamente, sin comentarios sobre su inhóspita rareza. Todo esto culmina en la revelación de un niño cuyo rostro sigue siendo controvertido por los métodos en los que Lynch pudo haberlo hecho. De alguna manera, Eraserhead hace hablables las cosas en nuestro subconsciente que no podemos hablar, apenas hablando. Canta conmigo: «En el cielo todo está bien…»

Henry: Retrato de un asesino en serie

Director: John McNaughton

Escritores: Richard Fire, John McNaughton

Reparto: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Si el mencionado August Underground es el thrash metal de la «película de terror familiar de asesinos en serie found footage», Henry: Retrato de un asesino en serie es la improvisación de jazz tranquila. La película de terror de 1986 de bajo presupuesto de John McNaughton presenta una actuación principal de Michael Rooker en el papel principal. El trabajo de Rooker aquí es asombroso, logrando encontrar las grietas de la humanidad en una persona tan cableada para infligir nada más que daño nihilista y sin sentido a quienes lo rodean, especialmente a aquellos que se atreven a mostrar algo que se asemeje al afecto humano. En cuanto a las imágenes encontradas de todo: Henry no está completamente renderizado usando cámaras de texto. Muchas de las escenas más silenciosas y psicológicamente contusionantes de la película están rodadas en una cobertura simple de 16 mm, los colores de McNaughton se sienten atípicamente profundos y lujosos para un asunto tan horrible y de bajo presupuesto. Pero los momentos más asombrosamente brutales de carnicería asesina de la película — y, lo que es más importante, el temor que condujo a dichos estallidos — son filmados dentro del texto por Henry y su equipo. Lo casual de la carnicería, la inevitabilidad de tal destrucción sin sentido es lo que permanecerá en la mente mucho después de ver a Henry. Es un retrato de un asesino en serie, y el retrato de lo que puede suceder si nos permitimos ser deshumanizados y desensibilizados hasta un punto donde la empatía es imposible.

El Ciempiés Humano 2 (Secuencia Completa)

Director / Guionista: Tom Six

Reparto: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

El Ciempiés humano de Tom Six, lanzado en 2009, tenía una premisa estridente que se hizo notoria al instante no solo entre los cinéfilos extremos, sino a través del paisaje cinematográfico en general. ¿Y si hicieras un «ciempiés humano», ya sabes, uniendo las bocas de las personas a los culos de otras personas? No te culpo si esa premisa te hace reír, y el esquema de colores extrañamente brillantes de la primera película y la actuación carismática de Dieter Laser se inclinan hacia la naturaleza accesible y cómica de todo. Pero su secuela, El Ciempiés Humano 2 (Secuencia Completa), toma cualquier sentido de accesibilidad y lo atropella con un coche, aplastándole el cráneo. Y sí, eso es, desafortunadamente, una pista de algo que sucede en la película.

Tomando prestado un toque de la Nueva Pesadilla de Wes Craven, el Ciempiés Humano 2 se centra en Laurence R. Harvey dando una actuación comprometida como un hombre que sufre y está obsesionado con la película de Tom Six, El Ciempiés humano. Esta audaz meta-elección se intensifica hasta su extremo más obvio cuando Harvey, que ha tenido un gusto por la sangre macabra después de despachar gráficamente con su madre abusiva, decide crear su propio ciempiés humano a partir de sus propios suministros médicos, muy, muy amateurs.»¿Sentado en la cima de este ciempiés? Prepárate-Ashlynn Yennie, jugando a » Ashlynn Yennie, estrella del Ciempiés Humano.»Si bien hay algo innegablemente atractivo e inesperadamente autocrítico con Seis plegados en su mitología sobre sí mismo, lo usa principalmente como plataforma de lanzamiento para representaciones de crueldad indescriptible en blanco y negro asquerosamente grasiento. La secuencia antes mencionada de «aplastar el cráneo» le sucede a una persona a la que no quieres que le suceda; el alambre de púas se usa de una manera sexualmente violenta; y una escena que involucra al ciempiés humano, um, «comer» es más que vil. El Ciempiés humano 2 se siente como la película que todos esperaban que fuera la parte 1, para «bien» o para mal.

En una jaula de vidrio

Director / Guionista: Agustí Villaronga

Reparto: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sud

De todos los subgéneros del cine de explotación, la Nazisplotación puede ser la más ansiosa de romper y meter tabúes en la cara. El efecto dominó de los programas de terror psicosexuales nazis como Ilsa, She Wolf of the SS y La Última Orgía de la Gestapo se podía ver en imágenes de prestigio como The Night Porter y en obras modernas como el tráiler de Grindhouse de Rob Zombie, Werewolf Women of the SS y The Amazon program Hunters. En una jaula de vidrio, enrosca la aguja de Nazisploitation entre «valor de choque vacío» y «algo que decir» de manera inquieta pero efectiva, utilizando filmación atmosférica poco común para arrancar.

La persona en la jaula de vidrio titular es Klaus (Günter Meisner), un ex médico nazi que torturó, experimentó y cometió actos horribles de violencia sexual contra niños tanto dentro del Holocausto como después, donde se exilió en España. En un episodio de sus demonios alcanzándolo, Klaus intenta suicidarse y falla, lo que resulta en su incubación en un pulmón de hierro. Una enfermera llamada Angelo (David Sust) se ofrece a cuidar de él, pero no es una enfermera ordinaria. Es una víctima de Klaus, adulto y ansioso no solo por vengarse del médico nazi, sino por habitar la identidad del médico nazi lo más literalmente posible. La narrativa resultante es castigadora, inquietante y psicológicamente fascinante, una disección efectiva de los traumas y efectos persistentes que ocurren tanto para los abusadores como para los abusados.

Dentro

Directores: Julien Maury, Alexandre Bustillo

Escritor: Alexandre Bustillo

Reparto: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

De las muchas experiencias cinematográficas violadoras producidas durante el movimiento cinematográfico de la década de 2000 conocido como New French Extremity (Mártires, Problemas Todos los Días, Alta Tensión y más piezas de cine francesas que brutalmente hacen que todas las cosas sean transgresoras), ninguna se pega a mis huesos tan horriblemente como Inside (conocido en Francia como À l’intérieur). La trama es más que simple: Sarah (Béatrice Dalle), una viuda reciente, está embarazada y sola. Y entonces una mujer llamada, simplemente, «La Femme» (Alysson Paradis), invade su casa, obsesionada con la idea de que el bebé de Sarah le pertenece. Y lo conseguirá por cualquier método que pueda. Lo que resulta es una experiencia viciosamente desagradable, física y visceral de brutalidad abyecta y defensa propia, arremolinada agresivamente con provocaciones psicológicas de trauma, derechos y maternidad, todo lo cual involucra a una mujer increíblemente embarazada. Los momentos finales de esta película tensa y aterradora me hacen estremecer hasta el día de hoy.

Irréversible

Director / Guionista: Gaspar Noé

Reparto: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

Hablando de la Nueva Extremidad francesa, enfant terrible Gaspar Noé, el autor detrás de otras obras inquietantes como I Stand Alone y Climax, puso su marca tanto en ese movimiento contemporáneo como en el subgénero de explotación más generalizado de «violación y venganza» con Irréversible repugnantemente minucioso de 2002. En la explotación tradicional funciona en ese molde, como La Última Casa de la Izquierda, Escupo en Tu Tumba, o Thriller, Una Película Cruel, llegamos a conocer a una protagonista femenina, nos horroriza el vil abuso sexual por el que pasa, y somos reivindicados cuando obtiene su venganza violenta contra sus abusadores masculinos. Noé, literalmente, voltea el guion, presentando esta narrativa en orden inverso. La película comienza con una cacofonía de sonido, color, trabajo de cámara en espiral y una matanza abyecta, mientras la pieza de «venganza» se inculca en alguien de quien no tenemos contexto (en particular, cometida no por una mujer que recupera el empoderamiento, sino por un hombre lleno de rabia). Es una brutal porción de violencia sin contexto con la que comenzar una película, y la siguiente escena implica una toma larga y agónica, casi imposible de ver, del personaje principal de Monica Bellucci siendo violado gráficamente, antes de ser golpeado hasta el coma. De nuevo, Noé nos presenta los ritmos típicos de un thriller de violación y venganza, pero al invertir su orden, nos está obligando a examinar la naturaleza arbitraria de la violencia y el vacío de la venganza, o a ser un maldito imbécil que hizo una película sin valor, dependiendo de tu opinión. El resto de Irréversible muestra «misericordiosamente» momentos de amor, desarrollo del carácter y humanidad con respecto a Bellucci, pero todo tiene una palidez sombría y enfermiza, un recordatorio subconsciente de que los actos del mal son irreversibles, sin importar la razón.

El hombre muerde al perro

Directores: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Escritores: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Reparto: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De todas las muchas películas inquietantes que he visto en mi vida, solo una ha tenido el poder de hacerme avanzar rápidamente a través de una escena debido a mi propia incomodidad personal. Esa película es Man Bites Dog, conocida en su país natal de Bélgica como C’est arrivé près de chez vous (una versión de la frase «Podría pasarte a ti»). Desde su título en adelante, el falso documental en blanco y negro (otra película de terror de metraje encontrado fundamental) tiene la vista puesta en cómo consumimos y divinizamos los actos de violencia y su sentido «divertido» de miedo, especialmente en los medios de comunicación. Un grupo de periodistas sigue a un hombre llamado Ben (Benoît Poelvoorde, inquietantemente brillante). Es encantador, divertido, y resulta que es un asesino en serie prolífico y sádico. Los periodistas pretenden filmarlo a él y a sus crímenes cada vez más violentos con un sentido de eliminación objetiva. Pero en silencio, a escondidas, inquietos, los periodistas no pueden evitar participar activamente en sus crímenes, acusando no solo a los medios de comunicación de todo el mundo, sino incluso a nosotros por querer ver y reír (sí, reír, la película a menudo es negra y graciosa) en una película como esta. Todo esto culmina con una escena de punto medio de carnicería y sus secuelas que se muestran de manera tan informal, tan gráfica y sin remordimientos, que desearía poder adelantarla rápidamente en mi cerebro.

Melancholie der Engel

Director: Marian Dova

Escritores: Marian Dova, Carsten Frank

Reparto: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

La famosa cineasta alemana Marian Dova ha realizado numerosas obras de asco implacable (no busques en Google lo que sucede en carcinoma, por su propio bien). Pero en Melancholie der Engel (La melancolía del Ángel) de 2009, podría haber hecho su «obra maestra». Con una penosa duración de dos horas y media, Melancholie der Engel tiene muchas reflexiones filosóficas en su mente, que generalmente conducen a una forma de nihilismo absurdo como lo practica Katze (Carsten Frank), que cree que se está acercando al final de su vida. Por lo tanto, en un esfuerzo por empujar los límites de la existencia hasta donde pueda antes de que se apague casualmente, él y un grupo de «amigos» se involucran en actos de depravación cada vez más horrendos, gráficos y aparentemente no simulados. Estos actos de degradación humana, filmados en videos digitales de aspecto inherentemente feo, se filtran a través de todo tipo de» grandes ideas «que involucran las filosofías de Dova y los ideales católicos de culpa y redención, pero es difícil alejarse de esta película con cualquier otro pensamiento que no sea» ¿por qué?»Que, supongo, es el punto. Si desearas que la trilogía anterior de Richard Linklater tuviera escenas de comer mierda, Melancholie der Engel podría ser para ti.

Hombres detrás del Sol

Director: T. F. Mou

Escritores: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Reparto: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

Las atrocidades de la guerra, en miserables detalles. Hombres detrás del Sol, del cineasta chino T. F. Mou, detalla los horribles experimentos perpetrados a prisioneros chinos y siberianos por comandantes militares imperiales japoneses durante la Segunda Guerra Mundial con efectos especiales enfermizos y grotescos. Más allá de los obvios trastornos viscerales de la película, también hay ramificaciones psicológicas, tanto dentro como fuera del texto. Men Behind the Sun quiere explorar traumas genuinos y dolor de la vida real, quiere describir los límites del patriotismo y la escala móvil del nacionalismo, quiere comunicar el mensaje necesario de que la guerra es, y siempre será, el infierno. Pero también quiere ser una película de terror explotadora con efectos gore que empujan el sobre. ¿Puede tener las dos cosas? ¿Se lo merece? Si tiene éxito, ¿todavía vale la pena nuestro tiempo? ¿Hay otras formas más sabrosas de digerir y procesar los horrores infligidos a los humanos por otros humanos bajo el disfraz de la guerra? ¿O son mensajes contundentes como este la única manera de que se adhieran a nuestros cerebros?

Nekromantik

Director: Jörg Buttgereit

Escritores: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Reparto: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Conjetura rápida: ¿De qué crees que se trata Nekromantik, basado en su título aone? Ding ding ding, correcto, fam! Se trata, de verdad, sincera y descaradamente, de follar a un cadáver, y el director Jörg Buttgereit está, de verdad, de verdad y descaradamente interesado en mostrarlo todo. La película sigue a una pareja, Rob y Betty (Daktari Lorenz y Beatrice Manowski), que están ansiosa y morbosamente interesadas entre las intersecciones del amor, el sexo y la muerte. Rob trabaja para una compañía que limpia cadáveres de sitios de accidentes, y, bueno, le gusta guardar recuerdos y trofeos para que él y su novia jueguen con ellos. Con el tiempo, esto se intensifica en el robo total de un cadáver completo, que se intensifica en una curiosa situación de thruple que involucra el uso más asqueroso de una tubería de acero que haya visto en el cine. Nekromantik, para aquellos cuyos sentidos del humor están dispuestos a dar el paso, en realidad extrae una cantidad decente de comedia negra de su premisa casi imprintable, tocando ritmos de amor romántico y celos enloquecedores con compromiso irónico y atractivo para extraños. Pero esto no impide que la película se meta en las más viles representaciones de la carne humana, y sus momentos finales son a la vez asombrosos y extrañamente poéticos.

Salò, o los 120 Días de Sodoma

Director: Pier Paolo Pasolini

Escritores: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Reparto: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

abuelo del cine perturbador, una pieza de horror impactante que tiene, a pesar de (¿por?) su contenido extremo, se ganó esa rara pieza de canonización de cine de prestigio. Así es, amigos: Puedes comprar Salò, o los 120 Días de Sodoma, en un elegante paquete de Blu-ray de Criterion Collection, con sus representaciones agresivamente gráficas de fascismo corrupto y los impulsos animales enloquecidos con detalles exigentes y exasperantes. La última película de Pier Paolo Pasolini antes de su asesinato, Salò, está inspirada en igual medida en Los 120 días de Sodoma del Marqués de Sade, una obra influyente sobre los límites y puntos de ruptura de la degradación humana y la sexualidad (¡de ahí viene la palabra «sadismo»!), y los horrores de la vida real infligidos por un gobierno fascista italiano durante la Segunda Guerra Mundial. Innumerables jóvenes son torturados, mutilados, obligados a realizar actos indescriptibles unos contra otros y asesinados en formas que parecen existir solo para satisfacer los caprichos cada vez más espeluznantes de sus opresores. Salò es un reloj brutal, uno que no estoy seguro de que nadie pueda «recomendar», pero es vital. Es una película que deja al descubierto el delgado borde entre la humanidad y el mal bajo los auspicios de estructuras de poder jerárquicas, una película que muestra cuán profunda puede ser la crueldad. No es ideal observar mientras se come.

Los asesinatos de Snowtown

Director: Justin Kurzel

Escritores: Shaun Grant, Justin Kurzel

Reparto: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

Los asesinatos de Snowtown, basados en una serie de asesinatos de la vida real en Adelaida, Australia, es una quemadura lenta insoportable, una mirada bajo el microscopio decrépito de disfuncionales comunidades de pueblos pequeños, un cruce entre Harmony Korine y Michael Haneke, un feroz largometraje debut del director Justin Kurzel. Decidido a librar a su comunidad de la amenaza explícita de pedófilos y homosexuales, que está más que dispuesto a mezclar tóxicos, John Bunting (un aterrador Daniel Henshall) recluta a un grupo de personas de clase baja, incluida la víctima de violencia sexual Jamie Vlassakis (un desgarrador Lucas Pittaway), para encontrar, torturar y asesinar a quienes lo merecen. El marco de Kurzel es a la vez impecable y con un estilo inquietante, utilizando el poder de la carnicería explícita y el terror implícito para empujar constantemente un destornillador en las entrañas del espectador. Psicológicamente, Snowtown nunca deja escapar a nadie — ni a los pedófilos reales que están siendo asesinados, ni a los espectadores que podrían encontrar esa acción de alguna manera reivindicativa, ni a Jamie cayendo bajo el dominio de esta nueva figura tentadora, y ciertamente no al propio John Bunting. Es algo sombrío, sombrío, sombrío, una película que explora lo más básico y vil de la naturaleza humana de maneras que te harán sentir empatía y luego te harán necesitar una ducha.

Tetsuo: El Hombre de Hierro

Director / Guionista: Shinya Tsukamoto

Reparto: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Si te molesta Black Mirror, todavía no has visto nada. Tetsuo: El Iron Man es un maldito reloj duro. Es una pesadilla experimental en blanco y negro en diálogo con clásicos de culto similares como el ya mencionado Eraserhead o Begotten. Está menos interesado en una narrativa de ciencia ficción apetecible que en una exploración implacable del estado de ánimo. Y el» estado de ánimo», cortesía del famoso cineasta de culto japonés Shinya Tsukamoto, es «sombrío». Tetsuo es técnicamente una película cyberpunk. La ficción Cyberpunk está interesada en la mezcla de seres humanos con mejoras cibernéticas. Y Tetsuo: El Iron Man toma ese impulso y lo catapulta a sus extremos cristalizados, despojando todas las demás partes con el mero propósito de «hombre más metal».»El» hombre » de esta ecuación, interpretado con obsesión hipnótica por el director de la película, ve trozos de metal como objetos fetichistas violentos que merecen todo nuestro elogio y fusión como sea posible: su primera acción en la película es cortarse la pierna y meterle un trozo de metal. Pero cuando un asalariado (la palabra japonesa para «trabajador de cuello blanco») interpretado por Tomorrowo Taguchi comienza literalmente a brotar metal como la culminación de sus sueños violentos y fantasías que difuminan la realidad, los dos se enfrentan de manera implacable y nihilista.

Tetsuo: El Hombre de Hierro está repleto de imágenes perturbadoras, particularmente cuando el Hombre de Hierro titular y su novia completamente humana (Kei Fujiwara) intentan copular a pesar de que es, ya sabes, un Hombre de Hierro. Pero no es un shock por el shock, Tsukamoto tiene mucho en mente, y cada faceta de su sueño febril, desde los sombríos efectos de maquillaje hechos a mano hasta la cámara smeary de 16 mm, habla al servicio de su declaración de tesis final: La fusión de la tecnología y la raza humana nos destruirá a todos por completo.

¡Feliz observación, todo el mundo! 🙂

Para más información, echa un vistazo a nuestra lista de las películas de Disney más aterradoras que se hayan hecho.