Que cela vous plaise ou non, les photos doivent être post-traitées. Je n’entrerai même pas dans le fait que cela a toujours été comme ça, puisque les caméras argentiques étaient à leur apogée. À l’époque, il y avait juste une façon différente de le faire. L’essentiel est que la post-production est une partie fondamentale non excluable du processus de création, à laquelle vous devrez faire face si vous voulez que vos images se démarquent.
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Dans cet article, nous nous concentrerons sur le post-traitement dans la photographie de paysage, qui a généralement un flux de travail très particulier. En prime, à la fin de l’article, je vais vous montrer comment je post-traite généralement mes photos, en prenant l’une d’entre elles depuis le début et en l’éditant jusqu’à la fin, afin que vous puissiez voir comment le faire vous-même, étape par étape.
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Qu’est-ce que le Post-Montage en photographie?
Quand on parle de post-production d’une image, on se réfère à tout ce qui se passe (à la photo) après la phase de prise de vue.
C’est un fait que beaucoup de gens, photographes et non-photographes, se réfèrent en fait aux mots « post-édition » comme une sorte de magie non sensorielle que seuls les nerds de l’informatique et les « faux photographes » (est-ce même une chose?) utiliser. Pendant ce temps, les « vrais photographes » prennent la photo sur le terrain, sans l’aide d’un logiciel de montage.
Jetons un coup d’œil à un exemple de la signification « réelle » du post-traitement. Disons que vous n’avez pas eu l’horizon droit sur le terrain. Cela aurait pu être parce que vous tiriez à la hâte ou dans une position inconfortable. Un simple clic (littéralement, c’est un clic) dans Adobe Lightroom vous aidera à redresser la photo, que vous pourrez ensuite recadrer un peu s’il y a des objets indésirables sur les bords.
Maintenant, appelleriez-vous cette magie? Considérez-vous cette photo comme « fausse » simplement parce qu’elle a été redressée et recadrée? Je ne pense pas, non?
Je pense qu’il est très important que vous compreniez que la post-production est un acte naturel qui suit une fois que vous capturez une image BRUTE sur le terrain; ce n’est pas quelque chose d’facultatif que vous pouvez choisir de faire ou non. La raison en est qu’un fichier RAW enregistre simplement toutes les données de la scène, sans ajustements particuliers. Vous pouvez en savoir plus sur les fichiers RAW vs JPEG ici. Si vous souhaitez augmenter votre niveau de photographie, vous devrez vous asseoir derrière votre ordinateur et travailler sur vos photos.
Dans cet article, je vais passer un peu de temps à démonter tous les mythes et légendes qui existent sur la post-production, car vos photos n’en bénéficieront que si vous apprenez à le faire correctement.
Cependant, il faut dire une chose: il y a une ligne mince et invisible où la post-production devient manipulation numérique et la photographie devient art numérique. Il n’est pas possible d’écrire les critères avec lesquels « juger » ce qui est l’un et ce qui est l’autre, car chaque cas doit être considéré séparément.
- Voir aussi: Paramètres de l’appareil Photo Recommandés pour la Photographie de paysage
Pourquoi Devons-Nous Post-Traiter Nos Images?
Essayez de faire un gâteau et sautez la partie où vous devez le cuire au four. Le gâteau pourrait bien tourner mais qui saura s’il n’est pas cuit? Si vous le laissez cru, je suis sûr qu’il ne sera pas bon.
Laisser un fichier BRUT non traité, c’est comme vouloir cuire un gâteau mais oublier de le mettre au four. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Essayez également de faire cuire les spaghettis et sautez la partie où vous ajoutez la sauce. Les pâtes peuvent être cent fois meilleures avec la bonne sauce, mais vous ne saurez jamais si vous n’en utilisez pas. Au lieu de cela, il sera fade et inachevé.
Permettez-moi de m’excuser si les deux seuls exemples que j’ai utilisés concernent la nourriture mais vous savez, je suis italien et nous pensons toujours à la nourriture! Je pense que vous avez à peu près compris ce que j’essaie de dire ici. Les fichiers BRUTS que vous filmez sur le terrain sont des spaghettis et la post-production est la sauce.
Comme je l’ai déjà mentionné dans l’introduction, la postproduction est un élément fondamental du processus créatif. Personnellement, je dirais que c’est au moins 40% de ce qui rend la photo finale géniale.
Maintenant, techniquement parlant, le fichier BRUT qui sort de nos caméras ne montre PAS la scène réelle; permettez-moi d’être très clair à ce sujet, il n’y a aucun moyen que vous puissiez cadrer la scène réelle telle qu’elle est à ce moment précis. Vous pouvez vous rapprocher mais vous n’encadrerez pas la réalité.
Permettez-moi d’expliquer pourquoi. Si vous décidez de prendre des photos au format RAW, la sortie sera une image non traitée sans contrastes et avec à peine aucune couleur par rapport à ce que vous voyez de vos propres yeux à ce moment-là. C’est parce que l’image BRUTE a besoin de post-production pour s’animer. Toutes les informations sont contenues dans le fichier, il vous suffit de les faire ressortir avec un logiciel d’édition.
Si vous décidez plutôt d’utiliser le format JPEG au lieu de RAW, vous ne pouvez pas être fier de vous car « vous ne faites aucune post-production de vos photos ». Techniquement, vous ne ferez aucun post-traitement vous-même car votre appareil photo fera tout le travail pour vous.
Si vous ne le saviez pas, les fichiers JPEG sont automatiquement édités par le processeur de votre appareil photo avec des paramètres très standard et de base, tels que « contraste » ou « saturation ». Le seul moment où les JPEG sont utiles est lorsque vous êtes en mission et que vous ne pouvez pas perdre de temps à éditer vos photos ou que vous devez les envoyer immédiatement à votre agence; dans tous les autres cas, la prise de vue en RAW est toujours préférée.
Alors, laissez-moi résumer ceci: Vous pouvez décider de modifier vous-même les photos que vous prenez ou laisser l’appareil photo faire tout le travail pour vous et régler avec le résultat final. Dans le premier cas, vous aurez un contrôle total sur les ajustements que vous ferez sur votre image. Dans ce dernier cas, vous pouvez à peine faire quoi que ce soit à part changer quelques curseurs dans le menu de votre appareil photo.
Dois-je vraiment vous dire quelle est la meilleure option? Voilà la réponse à la question de ce chapitre.
- Voir aussi: Le Meilleur Logiciel et Applications de Retouche Photo pour 2020
Types de Post-traitement
Aventurons-nous un peu plus loin dans le monde de la post-production en photographie de paysage. Dans ce chapitre, nous examinerons les principales branches de la postproduction en matière de paysages: expositions uniques et expositions multiples.
Il va sans dire que les expositions individuelles sont généralement beaucoup plus faciles à travailler, car vous pouvez vous concentrer uniquement sur les ajustements d’image tels que les couleurs et les contrastes. Avec des expositions multiples, vous devrez gérer l’empilement d’images, le bracketing, le masquage et des sélections précises.
Il existe deux types de post-traitement: les images uniques et les expositions multiples. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Pour les besoins de cet article, j’utiliserai Adobe Camera RAW pour éditer les fichiers RAW. J’utiliserai ensuite Adobe Photoshop pour les ajustements finaux et l’édition sélective de certaines parties de l’image.
- Voir aussi: Guide ultime de Luminar par Skylum
Expositions uniques
Commençons par la plus simple: expositions uniques. Je vais utiliser l’image suivante pour vous guider à travers les ajustements que je fais généralement dans 90% de mes photos. Ce processus vous aidera à obtenir de meilleurs résultats en post-production.
Avant et après le post-traitement. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Ajustements raw
Dans la capture d’écran ci-dessous, vous pouvez voir le fichier RAW avant que je touche quoi que ce soit, ce qui vous donnera une idée du point de départ. La première étape consiste à commencer par des ajustements de base dans Adobe Camera RAW (ou Lightroom, si vous préférez).
Toujours regarder la Température et la teinte en premier. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Les premières choses que vous devriez toujours regarder sont la température et la teinte. Dans ce cas, je photographiais avec un Nikon D750, qui a généralement une forte dominance magenta, bien que cette fois, la balance des blancs automatique se soit trompée. C’était déjà l’heure bleue, avec des charges de teintes bleues dans les zones d’ombre du cadre et un fort magenta jeté sur les sommets et le ciel. La caméra a à peu près tout lu comme rougeâtre.
Pour résoudre un problème comme celui-ci, il vous suffit d’ajuster la température. J’ai déplacé un peu le curseur de température vers des tons plus froids et le curseur de teinte vers le magenta. Dans la capture d’écran ci-dessous, vous pouvez voir comment ce simple ajustement a déjà amélioré l’image, avec des tons qui s’adaptent mieux à cette heure de la journée. J’ai également aplati un peu plus l’image en augmentant les noirs / ombres et en abaissant les reflets. Cette technique vous donnera plus de flexibilité lorsque vous travaillerez avec des contrastes plus tard dans Photoshop.
L’étape suivante dans Adobe Camera RAW consiste à ajouter un peu de clarté pour améliorer les micro-contrastes et donner un aspect global plus net à l’image. Pour le montant, ne dépassez jamais + 20, sinon vous pourriez avoir un aspect granuleux et désagréable.
Ajoutez un peu de clarté. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
La dernière étape consiste à passer à la section Corrections de l’objectif (entre les icônes juste en dessous des données EXIF) et à cocher les deux boutons « Supprimer l’Aberration chromatique » et « Activer les Corrections de profil », comme vous le voyez dans la capture d’écran ci-dessous. Il supprimera automatiquement les aberrations de couleur (s’il y en a) et corrigera les « problèmes » de lentille (distorsion, par exemple).
Supprimez les aberrations chromatiques et les distorsions de l’objectif. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
- Voir aussi: Comment choisir la version de Lightroom à acheter
Ajustements Photoshop
Il est maintenant temps de « passer la balle » au puissant Adobe Photoshop. Je sais que de nombreux photographes sont intimidés par la pléthore de fonctionnalités que contient ce logiciel. Cependant, la vérité est que nous n’avons besoin que d’un tas d’entre eux pour faire ressortir un peu plus nos images.
L’un des principaux concepts que vous devez comprendre lorsque vous travaillez avec Photoshop est le fonctionnement des « calques ». Imaginez votre image de base comme une feuille blanche. Chaque calque que vous créez sera une nouvelle feuille, où vous ferez des choses qui affecteront celle de base. Il vous appartiendra de décider dans quelle mesure l’image de base sera affectée par ces autres calques avec des outils tels que les pinceaux, les dégradés ou l’opacité des calques.
Ceci est une description très brève et incomplète de ce que sont les calques Photoshop, mais une fois que vous aurez compris comment ils fonctionnent, ce sera plus facile que vous ne le pensez.
La couche de réglage des courbes. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Commençons par l’ajustement que vous voyez dans la fenêtre ci-dessus, celui appelé « Courbes ». Pour créer ce calque, allez simplement dans la barre de menus supérieure. Sous la section Calque, sélectionnez « Nouveau calque de réglage » puis « Courbes ».
La courbe la plus classique est la » courbe en S ». Ça s’appelle ça parce qu’il a la forme de la lettre « S ». Cette technique ajoute essentiellement du contraste en abaissant la courbe dans la section des ombres et en l’augmentant dans la section des reflets. Si vous voulez être sûr de ne perdre aucun détail dans l’ombre, assurez-vous d’augmenter légèrement le point le plus bas de la courbe.
Le calque de réglage de la balance des couleurs. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Le deuxième calque que nous allons créer est un calque d’équilibre des couleurs. Vous le trouverez là où vous avez trouvé le réglage des courbes – sous « Calque » dans la barre supérieure, puis en sélectionnant « Nouveau Calque de réglage » puis « Balance des couleurs ».
Avec cet ajustement, vous aurez la possibilité de modifier les moulages de couleurs dans des zones spécifiques de l’image. Comme vous pouvez le voir dans la petite fenêtre, « Tons moyens » sont sélectionnés, mais vous pouvez également passer à « Hautes lumières » ou « Ombres ». Ce que vous choisissez dépendra de la zone du cadre sur laquelle vous souhaitez travailler.
Dans ce cas précis, j’ai décidé de travailler uniquement sur les tons moyens. J’ai ajouté un peu de rouge, de magenta et de jaune tout en retirant un peu de cyan, de vert et de bleu.
Ne poussez pas trop sur les curseurs, car vous pouvez apporter des modifications notables avec de faibles variations de quantité. Comme vous pouvez le voir, j’ai fait des ajustements en +3/-2/-2 , il ne faut donc presque rien pour voir une différence modérée.
J’ai seulement légèrement modifié les curseurs pour un effet important. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
- Voir aussi: Comprendre les curseurs HSL dans Lightroom
Maintenant, vous allez entrer dans la partie la plus complexe de ce tutoriel Photoshop: le masquage. Vous avez une compréhension de base du fonctionnement des couches, il est donc temps de comprendre le concept de masques. En termes simples, les masques de calque vous permettent de masquer (ou de révéler) des parties de l’image à l’ajustement que vous appliquez.
Voyez-vous ces rectangles blancs dans la partie inférieure droite de la capture d’écran, dans la fenêtre des calques? Ce sont des masques blancs, qui sont créés automatiquement lorsque vous créez un nouveau calque d’ajustement.
Dans cette image, j’ai créé un troisième calque pour les réglages de luminosité / contraste. J’ai abaissé la luminosité et le contraste de l’image d’une quantité assez importante. Cependant, je ne voulais pas que l’image entière soit affectée par cet ajustement – je voulais juste améliorer la lumière venant de la droite en assombrissant un peu la partie gauche du cadre.
Pour y parvenir, j’ai dû masquer (masquer, dans ce cas) le côté droit de l’image au réglage luminosité / contraste. Comme vous pouvez le voir dans la capture d’écran ci-dessous, la partie droite du rectangle blanc à côté du calque luminosité / contraste est noire. C’est parce que j’ai utilisé un dégradé radial noir (que vous trouverez dans la barre de menu de gauche) et « peint » sur le masque pour masquer cette zone de l’image de l’ajustement. De cette façon, seule la partie gauche serait affectée.
Peinture sur masque. Photo par: » Leonardo Papèra « .
Après ces ajustements, je suis revenu à la barre de menu supérieure dans la section Calque et j’ai sélectionné « Nouveau calque de réglage ». Cette fois, j’ai choisi la » Couleur sélective « , un outil incroyablement utile et puissant pour travailler les couleurs.
Une fois que vous aurez ouvert ce calque de réglage dans la section « couleurs », vous pourrez sélectionner la couleur spécifique sur laquelle vous souhaitez travailler (Rouges, Jaunes, Bleus, Verts, etc.) et modifier la quantité de cyan, magenta, jaune et noir.
Qu’est-ce que cela signifie? Eh bien, comme vous pouvez le voir sur la capture d’écran ci-dessous, j’ai décidé de ne travailler que sur des tons magenta. J’ai pu enlever un peu de cyan et ajouter un peu de magenta et un peu de jaune. Retirer le cyan signifie en fait ajouter du rouge, car c’est la couleur complémentaire du cyan. Ajouter du magenta signifie en fait supprimer le vert. De même, ajouter du jaune signifie supprimer le bleu. Tous ces ajustements de couleur étaient relatifs au magenta uniquement, donc les seules zones où vous verrez ces modifications appliquées sont celles où le logiciel localise les tons magenta et nulle part ailleurs.
Je ne mentirai pas: cela peut être déroutant au début et il vous faudra un certain temps pour vous habituer à cet outil. La seule façon d’apprendre à fonctionner correctement avec tous ces curseurs est de le tester et de l’essayer mille fois.
Réglage des magentas uniquement. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Voici une capture d’écran où j’ai décidé de travailler uniquement sur les blancs, en appliquant à peu près les mêmes variations que j’ai faites aux magentas.
Travailler uniquement sur les blancs. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Et c’est tout! Ce sont les outils que vous utiliserez probablement le plus lorsque vous travaillez dans Adobe Camera RAW et Photoshop.
Comme vous l’aurez probablement remarqué, les ajustements qui ont le plus fait la différence ont été les variations très basiques du RAW de l’appareil photo, telles que la température de couleur et la teinte. Vous devriez commencer par maîtriser ces outils, qui sont assez simples à utiliser. C’est là que vous développerez vraiment l’œil pour savoir quel type d’ajustements une image demande.
Le résultat final. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Il ne s’agit pas des outils en particulier, mais plutôt de la façon dont vous les utilisez !
- Voir aussi: Photographie HDR en Islande / Mélange d’exposition pour les débutants
Expositions multiples
Dans cette section, nous examinerons les deux types d’expositions multiples les plus courants en photographie de paysage: l’empilement de mise au point et la HDR. Nous allons suivre les étapes que vous devez suivre pour arriver au point où vous pouvez fusionner toutes les expositions ensemble pour une seule image de base sur laquelle travailler. À partir de là, vous pouvez suivre les mêmes étapes dans la section précédente pour post-traiter une seule exposition.
Empilement de mise au point
Cette technique incroyablement utile est devenue très populaire parmi les photographes de paysage au cours des dernières années. L’empilement de mise au point aide à tout mettre au point lorsque vous avez des sujets très proches au premier plan de votre image, ce qui serait autrement flou.
Une séquence de quatre images avec différents domaines de mise au point. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Comme vous pouvez le voir sur les images ci-dessus, la séquence d’empilement de mise au point classique commence par la mise au point de l’arrière-plan et passe lentement la mise au point au premier plan. Pour plus d’informations sur la façon de prendre une série d’images mises au point, consultez notre Guide ultime sur l’empilement de mises au point.
Supposons cependant que vous avez déjà pris votre séquence d’images. Maintenant, nous allons voir comment vous pouvez fusionner toutes ces photos en une seule image à l’aide d’Adobe Photoshop.
Étape 1: Ouvrez la séquence dans Photoshop en tant que Calques
La première étape consiste à ouvrir tous les calques dans une seule image, comme vous le voyez dans la capture d’écran ci-dessous. Pour ce faire, vous pouvez ouvrir chacun d’eux séparément, puis aller dans la section « Calque » du menu → « Dupliquer le calque » → sélectionnez votre image de base. Vous pouvez également les sélectionner dans Lightroom et avec le clic droit, choisissez de les ouvrir « Sous forme de calques » dans Photoshop (ce qui est beaucoup plus facile).
Ouvrez la séquence dans Photoshop sous forme de calques. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Étape 2: Aligner les Images
Une étape très simple mais fondamentale consiste à sélectionner tous les calques et sous la section « Modifier », cliquez sur « Aligner automatiquement les calques », il n’y aura donc aucune différence entre chaque calque.
Alignez automatiquement les calques. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Étape 3: Masque!
Il n’y a pas d’autre moyen de contourner cela. Vous devrez faire face au masquage à ce stade. Pour ce faire, il suffit de révéler les parties de mise au point de chaque calque, jusqu’à obtenir une image où tout est au point. L’outil pinceau (dans la barre de gauche) vous aidera pendant le masquage.
Masquez les parties non nettes et masquez les parties qui sont au point. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Le résultat final devrait ressembler à la capture d’écran ci-dessus. Tous les masques ont des parties en blanc et des parties en noir, ce qui signifie que certaines parties de ces couches sont visibles tandis que d’autres zones sont cachées. Cela peut nécessiter un certain temps pour clouer l’empilement et obtenir un résultat décent, sans halos ni trucs étranges quelque part dans le cadre. Vos efforts en vaudront la peine car le résultat sera incroyable!
- Voir aussi: Paramètres de la photographie de paysage | Comment régler la mise au point
Images HDR (High Dynamic Range)
Maintenant que nous avons examiné l’empilement de la mise au point, travailler avec des images HDR sera plus facile qu’une promenade dans le parc! Nous n’aurons même pas à utiliser Photoshop dans ce cas, car Lightroom dispose du meilleur algorithme pour fusionner différentes expositions. Suivez ces étapes simples pour obtenir une seule image HDR parmi de nombreuses expositions!
Étape 1: Importez la séquence HDR dans Lightroom
Après avoir ouvert Lightroom, dans le coin inférieur gauche, vous trouverez « Importer ». À partir de là, vous pourrez transférer la séquence HDR dans votre bibliothèque Lightroom.
Importez la séquence HDR dans Lightroom. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Étape 2: Créez l’image HDR
Une fois toutes vos photos importées, utilisez simplement le clic droit et sélectionnez « Photomerge → HDR », comme vous pouvez le voir dans la fenêtre ci-dessus.
Une fois que vous avez cliqué sur HDR, une nouvelle fenêtre apparaîtra: assurez-vous de vérifier la fonction d’alignement automatique et de décocher les Paramètres automatiques (cela ne fait pas un excellent travail honnêtement). À moins d’avoir bougé un peu lors de la prise de la séquence, n’utilisez pas la fonction Deghost, car elle créera des artefacts en recherchant des différences entre les plans.
Créez l’image HDR. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Lorsque vous avez terminé les paramètres, cliquez sur le bouton « Fusionner » et c’est tout! Lightroom créera un fichier DNG utilisable, avec lequel vous pourrez commencer à effectuer des ajustements de couleur et de contraste comme vous l’avez fait dans le chapitre Expositions uniques. Oui, c’est aussi simple que ça !
- Voir aussi: Guide Ultime de la photographie HDR
Comment rendre une image de paysage Plus intéressante
Dans ce chapitre, je vais partager deux techniques utiles que presque tous les photographes de paysage professionnels utilisent, qui vous aideront à créer des photos beaucoup plus intéressantes. Ce sont la technique d’Esquive / Brûlure et l’effet Orton.
Vous pouvez rendre une image de paysage plus intéressante avec deux techniques faciles. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Esquiver & Brûler
Cette technique puissante est très populaire parmi les photographes de paysage et consiste à peindre sur une couche grise avec un pinceau, en se concentrant sur les couleurs (ou la lumière) que vous souhaitez améliorer. Jetons un coup d’œil à son fonctionnement.
Étape 1: Créez un Calque gris avec une opacité de 50%
Une fois que vous avez ouvert votre photo dans Adobe Photoshop, la prochaine chose à faire est de créer un nouveau calque gris, où vous allez peindre plus tard. Pour le créer, allez sous la section « Calque » dans la barre supérieure et sélectionnez « Nouveau → Calque ».
Créez un calque gris à 50%. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
À ce stade, la fenêtre ci-dessus apparaîtra. Changez le Mode de « Normal » en « Lumière douce » (comme indiqué) et cochez la case « Remplir avec une couleur neutre en lumière douce (50% de gris) ».
Félicitations, vous venez de créer votre première couche d’esquive et de brûlure !
Esquiver et brûler la couche. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Maintenant, comme vous pouvez le voir dans la boîte de calque dans le coin inférieur droit de l’image ci-dessus, le calque esquiver et graver est prêt à être utilisé.
Étape 2: Peignez!
À l’aide d’un pinceau chaud avec une opacité de 30%, j’ai peint dans le côté gauche du cadre, juste d’où vient la lumière. J’ai utilisé une couleur très vive pour rehausser les couleurs chaudes du lever du soleil et la luminance de cette zone.
Peindre sur la couche pour esquiver et brûler. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Vous pouvez continuer à peindre dans d’autres parties de l’image, peut-être en assombrissant un peu le ciel avec du noir pour donner plus de drame à la photo ou en choisissant le blanc pour éclaircir les zones que vous souhaitez souligner. C’est esquiver et brûler!
- Voir aussi: 5 Conseils simples de post-traitement Lightroom pour la photographie de paysage
Effet Orton
Créé par Michael Orton, cet effet a pris de nombreux noms différents au cours des dernières années. Il a également été décrit comme un « effet de conte de fées », un « look de rêve », etc. Fondamentalement, l’effet Orton consiste à ajouter un peu de flou à l’image pour créer un aspect doux et lisse, que je suppose que l’on peut appeler « rêveur ». Suivez les étapes suivantes pour obtenir ce look!
Étape 1: Flou gaussien
L’application du flou gaussien représente 80% du processus. Le premier (et fondamental!) l’étape à suivre consiste à créer un calque en double, afin que celui d’origine ne soit pas affecté par le flou. Vous trouverez l’option « Dupliquer le calque » sous la section « Calque » dans la barre supérieure.
Créez un calque de flou gaussien. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Après avoir créé un calque de copie, allez sous la section « Filtre » (toujours dans la barre supérieure) → « Flou » → « Flou gaussien ».
Appliquez le flou gaussien. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Maintenant, cette petite fenêtre apparaîtra. Pour choisir le rayon, il y a une règle générale qui dit que vous devez utiliser la même quantité que les mégapixels de votre appareil photo. Par exemple, cette image a été prise avec un Nikon D800 qui a 36 mégapixels, j’ai donc opté pour un rayon de flou gaussien de 36 pixels.
La règle est sommaire, alors ne vous inquiétez pas si vous ne sélectionnez pas précisément la quantité de mégapixels de votre appareil photo. Lorsque vous avez terminé, cliquez sur OK et vous avez ajouté le flou!
Étape 2: Abaissez l’opacité et Changez le mode de fusion
Maintenant que vous avez appliqué le flou, vous vous demandez probablement ce que vous avez fait de mal. Tout est flou.
Pas de panique ! Si vous cochez la fenêtre du calque en bas à droite, vous verrez le curseur « Opacité » dans lequel vous pouvez sélectionner le pourcentage d’opacité que vous souhaitez donner à ce calque spécifique. Pour l’effet Orton, je recommande de ne jamais dépasser 10-15%.
Réduisez l’opacité et modifiez le mode de fusion. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
Après avoir défini l’opacité, il est temps de changer le mode de fusion. Pour ce faire, déplacez légèrement votre souris vers la gauche (dans la fenêtre en haut ici, où il est dit « Superposition », juste à côté de l’opacité) et une longue liste de différents modes de fusion apparaîtra. Pour donner un petit « coup de contraste » à l’image, je recommande d’utiliser le mode de superposition. Si vous souhaitez égayer le cadre, le mode « Écran » est également une option valide.
- Voir aussi: Création d’effets Starburst dans votre photographie de paysage
Workflow de post-traitement
Comme vous l’avez probablement déjà vu, voici à quoi ressemble mon interface Photoshop. L’ordre de toutes mes fenêtres améliore considérablement mon flux de travail de post-traitement.
Configurez vos fenêtres pour améliorer votre flux de travail. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
La fenêtre la plus importante est de loin les Calques, suivis de la sélection des couleurs, puis du Navigateur/Histogramme. Les icônes à côté du Navigateur à gauche sont en fait des raccourcis: le premier est pour les calques de réglages (fortement recommandé!), tandis que les autres sont pour l’histoire, les actions et les canaux. Je vous recommande fortement d’utiliser l’historique si vous faites quelque chose de mal et que vous souhaitez revenir sur vos pas!
Bien que cet ordre de fenêtres fonctionne pour moi, vous pourriez trouver une configuration différente qui fonctionne pour vous. Quelle que soit la manière dont vous décidez d’organiser vos fenêtres, assurez-vous qu’elles correspondent à votre flux de travail et ne vous gênent en aucune façon. Il est préférable d’avoir un accès facile à tous les outils que vous utilisez régulièrement, afin de ne pas vous ralentir inutilement.
- Voir aussi: Entretien avec Dany Eid / La clé d’une photographie de paysage réussie
Conclusion
Permettez-moi de me répéter une dernière fois, avant de clore l’article : la post-production est vitale pour améliorer votre niveau de photographie ! Par conséquent, vous devez passer beaucoup de temps à apprendre à créer correctement votre flux de travail et à développer votre style personnel avec l’expérience.
Le post-traitement vous aidera à atteindre votre propre style en photographie de paysage. Photo de: ‘Leonardo Papèra’.
J’espère que cet article vous a donné (au moins) une compréhension des bases mêmes de la post-production afin que vous ayez une bonne idée de la façon de procéder lorsque vous ouvrez vos images à l’ordinateur.
À propos de l’auteur: Leonardo Papèra est un photographe de paysage et de nature basé en Italie. Vous pouvez retrouver plus de son travail sur son site web ou en le suivant sur Instagram.
