Bien que les noms de ces instruments de musique ne roulent pas exactement sur la langue — le chromelodeon (un orgue à anche adapté), le quadrangularis reversum (un instrument de style marimba construit à partir d’eucalyptus et de séquoia) et le zymo-xyl (un xylophone en bloc de chêne augmenté de bouteilles de liqueur et de vin accordées, d’enjoliveurs Ford et d’une bouteille de ketchup en aluminium) – ils faisaient partie d’une révolution musicale déclenchée par le compositeur iconoclaste , théoricien de la musique et interprète, Harry Partch, qui, en fait, les avait en fait construits. En effet, lorsque Partch se rebella contre ce qu’il appelait « la tyrannie de la gamme de piano » — rejetant les gammes occidentales traditionnelles et leurs homologues instrumentales — il devint un pionnier de la musique microtonale.
Au lieu d’utiliser la gamme chromatique de 12 notes, Partch, né à Oakland, en Californie, en 1901 et décédé en 1974, a basé ses compositions sur une octave divisée en 43 intervalles dérivés des harmoniques. D’autres, dont Charles Ives et Aloys Hába, avaient exploré des échelles microtonales similaires, mais c’est Parch qui a ensuite construit une gamme ahurissante d’instruments tels qu’un kithara à 72 cordes, des anches qu’il a appelées boos, des cloches en verre connues sous le nom de bols à chambre à nuages, et le bloboy, qui était fait de soufflets, de trois tuyaux d’orgue et – oui – d’un klaxon à échappement automatique de 1912.
Familier avec les éléments de la route — d’où un échappement automatique faisant partie intégrante d’un aspect de sa musique – Partch était excentrique dans tous les sens du terme: À l’âge de 14 ans, il a commencé à écrire de la musique et deux ans plus tard, il a joué du piano dans des cinémas muets, continuant à subvenir à ses besoins en relisant et en cueillant des fruits, après quoi il a roulé sur les rails pendant environ huit ans pendant la dépression. Ce n’est pas pour rien que le regretté critique Martin Bernheimer a qualifié Partch de « Don Quichotte des derniers jours… ce genre de compositeur, ce genre d’homme. »
Parmi les œuvres qu’il a écrites au cours de ces voyages, il y a The Wayward, un opus en cinq parties qui raconte la vie éphémère de 1935 à 1941, une œuvre que l’on estime être L.A.L’ensemble Partch basé sur le groupe s’est produit samedi dernier, Nov. 9. Le groupe joue maintenant 14 instruments personnalisés reproduits à partir des originaux de Partch et en ajoute d’autres. Comme la plupart des fans de Partch, et certainement des interprètes, les membres de l’ensemble primé aux Grammy Awards sont légèrement obsédés, non seulement par la musique, mais par ce qu’elle représente théoriquement et d’une manière plus large, une sorte de vision du monde.
John Schneider est le fondateur et directeur de l’ensemble, qui a commencé sous le nom de Just Strings en 1991 et a changé de nom pour Partch en 2005. Il est également guitariste, compositeur, auteur et diffuseur qui a été surnommé un « maven microtonaliste » par le Wall Street Journal. Schneider, obsédé par la notion de microtonalité, a déclaré que, pour lui, « toutes les routes mènent à Partch. »
» J’ai commencé à jouer la musique de Lou Harrison en accordages purs « , se souvient Schneider, « et n’avais qu’un seul instrument à l’époque, alors j’ai dû en construire un — une guitare adaptée. C’est ainsi que Partch appelait la plupart de ses instruments, à commencer par l’alto adapté. J’ai entendu la musique de Harry et elle m’a attrapé par les oreilles et m’a dit: « Écoute-moi. »La première pièce dont je suis tombé amoureux était « Barstow. »
» C’est drôle et c’est humain. Cela a transformé un cas d’amour en cas de luxure. Je devais en jouer et construire les instruments moi-même. Si vous tombez amoureux de Harry Partch, vous ne pouvez pas le jouer sur des instruments sauf ceux créés. »
Écrit en 1941, » Barstow » met en musique les graffitis d’auto-stoppeurs sur une autoroute californienne et constitue la première section de The Wayward. Schneider a expliqué que Partch a utilisé des conversations entre hobos sur un train de marchandises de tout le pays, et a « réorchestré la pièce plusieurs fois », ajoutant « nous jouons la dernière version. »
Les autres sections de Wayward sont « San Francisco », « La Lettre », « U.S. Highball » et « Ulysse au bord du Monde. » Ajouté Schneider: « Nous sommes les seuls à le jouer sur la planète, et la première des cinq parties ensemble pour la première fois. »
Alison Bjorkedal a rejoint Partch en 2011. Harpiste de formation classique qui enseigne à CalArts et au Pasadena City College, elle est une passionnée de musique nouvelle qui a interprété des créations mondiales de William Kraft, Anne LeBaron et d’autres, en plus de se produire avec le groupe d’avant-garde wild Up. Elle admet cependant qu’elle ne connaissait pas grand-chose à Partch avant qu’on lui demande de rejoindre le groupe.
« Il était deux lignes dans mon livre d’histoire de la musique de premier cycle », a déclaré Bjorkedal, 38 ans, en riant. « On m’a recommandé à John par Southwest Chamber Music de jouer du kithara, ce qui m’a fait faire des recherches, écouter et apprendre à connaître la musique. »
La réinterprétation par Partch de l’ancien kithara est un instrument imposant qui nécessite que l’interprète se tienne debout sur une colonne montante pour en jouer, a été construit à l’origine en 1954 et comporte douze jeux de cordes qui correspondent aux tonalités primaires de Partch, quatre de ces jeux utilisant des tiges en Pyrex comme ponts mobiles, ou curseurs. Pour le concert de Jacaranda, l’ensemble Partch a fait construire le kithara II spécialement pour eux (l’ensemble prévoit d’ajouter un nouvel instrument par an).
Mesurant 7 pieds 6 pouces, l’instrument est considérablement plus grand que Bjorkedal, qui, à 5 pieds 11 pouces, n’est pas exactement court. « Heureusement », ajoute-t-elle, « J’ai de très longs bras pour pouvoir passer d’un endroit à un autre plus facilement », notant que l’instrument est en fait un kithara de basse et était le deuxième que Partch a construit.
» Apprendre à jouer d’un instrument entièrement nouveau, se souvient Bjorkedal, était un défi au début, car en tant que musiciens professionnels, nous nous habituons tellement à nos instruments. Nous passons des années avec eux enfermés dans une salle de pratique, et tout à coup, dans la trentaine, je suis poussé dans quelque chose d’entièrement nouveau. C’était très humiliant de repartir de zéro sur un nouvel instrument et le premier spectacle a été une lutte pour se préparer, mais il n’y a rien d’aussi unique que la musique de Harry.
Bjorkedal a dit qu’elle trouvait une certaine irrévérence à ce que Partch faisait. « C’était quelque chose qui me collait depuis le début, et je trouve amusant d’explorer cela, car beaucoup de musique a ce sens de l’humour vraiment sec qui est si rafraîchissant.
« La chose intéressante de la musique de Partch qui la rend si fascinante « , a-t-elle ajouté, « bien qu’elle sorte si loin de notre échelle classique, elle est facilement accessible. Je ne sais pas si c’est parce que Harry essayait d’imiter la parole humaine et qu’il y a beaucoup de choses conceptuelles derrière la musique quand on l’écoute, mais c’est juste sympathique à première vue sans savoir pourquoi il fait ce qu’il fait. Il a un rythme, un groove, et s’il y a des mots, ils sont captivants. Il y a un vrai sens du temps et du lieu et sa voix est typiquement américaine. »
Schneider, titulaire d’un doctorat en physique et musique de l’University College Cardiff (Royaume-Uni) et président émérite de la Guitar Foundation of America, est d’accord. Dans l’ensemble, il joue sur le bloboy, sur les canons harmoniques (instruments à 44 cordes avec des systèmes complexes de ponts mobiles joués avec des doigts, des pics ou des maillets uniques), et sur des bols à chambre à nuages fabriqués à partir de grands récipients en Pyrex appelés carboys. En outre, il a abordé le rôle de Mac, qui monte sur les rails de San Francisco à Chicago dans « Highball » et entonne des fragments de conversations qui incluent des conseils sur « comment éviter la ville où les bites de chemin de fer ont leur école de formation. »
Selon Schneider, Mac n’a pas besoin de chanter, mais a souligné que « c’est de l’intonation. Harry l’a écrit en hauteur, mais ce n’est pas fait pour être chanté. C’est plus comme « sprechstimme » qui est la différence entre l’articulation et l’énonciation. Vous pouvez dire une phrase de 3 000 manières différentes et Harry en était conscient. C’est l’une des raisons pour lesquelles il a pensé à la microtonalité, parce qu’il voulait pouvoir contrôler l’intonation. »
T.J. Troy, un percussionniste primé aux Grammy Awards qui a rejoint Partch en 2003 et qui en est également le directeur exécutif, a fait des études de premier cycle à l’Université du Michigan, où il a découvert le compositeur maverick. Troy joue au marimba de basse. Avec 11 barres en épicéa de Sitka et situées sur des tuyaux d’orgue qui servent de résonateurs, les touches sont si hautes que Troy, un puissant 6 pieds, 5 pouces lui-même, doit se tenir sur une colonne montante de six pieds de large et de plus de deux pieds de haut, avec un jeu de jambes agile aussi important que des mains habiles.
Troy compare la courbe d’apprentissage du Partch à celle de la maîtrise de n’importe quel langage musical. » Imaginez un instant Harry Partch dans sa pratique de la composition. Il a inventé ces instruments que l’échelle de 43 tons et c’est très cérébral. Comme tout musicien, il s’asseyait et improvisait; il jouait la musique qui sortait de sa main et la retranscrivait. Vous improvisez un peu, puis retournez à votre bureau.
« Vous jouez et conservez les idées qui fonctionnent », a poursuivi Troy, « et ce processus continue encore et encore et tout sur les instruments qu’il a écrits est très kinesthésique, très idiomatique pour la façon naturelle dont il repose sur l’instrument. Une fois que vous entrez dans la notation et les idiosyncrasies, cela commence à devenir un flux naturel, à travers la page imprimée, à travers votre main, et j’appellerais cela la musique d’un lecteur. »
Troy a ajouté qu’il recherchait ces moments où « une combinaison des sentiments, de l’expérience et de la satisfaction intellectuelle fusionne pour devenir une esthétique artistique. Je recherche ces opportunités en tant que joueur. Je les cherche. »
Troy est d’accord avec Schneider pour dire que l’esthétique vocale de Partch est tirée de la parole. « C’est pourquoi il voulait 43 tons. Harry n’est pas tombé dessus accidentellement, mais c’était grâce à une compréhension profonde des similitudes entre différents genres et styles de musique et différentes cultures.
» Souvent, nous voulons nous concentrer sur les différences — c’est ce qui nous rend spéciaux », a noté Troy, « mais ce que Harry défendait vraiment à un niveau profond, il a commencé à voir des similitudes entre la musique grecque, romaine et chinoise ancienne — d’abord au niveau technique, puis avec la musique microtonale. Je pense qu’il l’a vu, il l’a compris et comment nous pouvons commencer à créer à travers ce système d’accord microtonal en tant qu’élément fondamental, puis à le construire. »
Troie a reconnu que le flambeau intellectuel était passé à Partch, « par qui, je ne sais pas, mais il a couru avec. Et ce que notre groupe a décidé de faire — nous voyons ce même flambeau, ce concept et cette esthétique — et nous le prenons à notre manière. C’est vrai pour nous et vrai pour les membres de notre propre groupe d’honorer Harry avec ce qu’il nous a donné. »
Schneider a poursuivi cette pensée: « Fondamentalement, »il a expliqué, « Harry était très intéressé par le drame, les émotions et la transmission des sentiments, et c’est ce qui était une bonne articulation et un jeu d’acteur. Il essayait de composer cet aspect des idées musicales, des mots et des mélodies. W.B. Yeats avait à peu près la même idée et la première grande pièce de Partch était la traduction de Yeats du roi Œdipe, par Sophocle. Partch est allé à Dublin pour en parler à Yeats, et il a fait lire Yeats pour lui pendant qu’il prenait la dictée pour obtenir les inflexions exactes de sa lecture. »
Si cela semble ésotérique ou arcanique, c’est peut-être le cas, mais la musique du visionnaire qui a soigneusement conçu des instruments ressemblant à Rube Goldberg afin de reproduire les sons qu’il avait imaginés dans sa tête – des rythmes merveilleux et rebondissants qui nagent dans un univers sonore débordant d’humeurs célestes — semble toucher les gens qui l’entendent — et affecte certainement ceux qui l’interprètent, tandis que les descendants musicaux de Partch pourraient également inclure Paul Dresher, de la région de la Baie, qui a inventé une variété d’instruments tels que le quadrachord et la grande roue.
Mais pour Schneider, pouvoir recréer les souhaits d’un compositeur s’est avéré rien de moins qu’incroyable. « Parce que je n’ai jamais vraiment pu entendre ce qu’il a imaginé, parce que personne ne l’a vraiment fait avant nous, à mon avis — et parfois même Harry devait former des musiciens chaque fois qu’il bougeait, et il se plaignait que les gens ne l’avaient jamais bien compris — pour moi, j’adore me baigner dans la musique.
« Les gens ne connaissent pas vraiment ce genre de choses et Harry est probablement le secret le mieux gardé de la musique américaine. Personne ne parle de lui, et si peu de gens ont le frisson d’entendre la musique en direct que le frisson de pouvoir jouer sa musique est merveilleux, car c’est si rare. »
A ajouté Troy, qui est professeur au Conservatoire de musique de Pasadena et enseigne également à l’école Colburn:
Il faut travailler dur pour que les gens sortent, mais je pense vraiment qu’il n’y a rien de tel que de voir cette musique en direct pour vous ouvrir la tête. C’est un changement de paradigme, et nous avons un impact profond sur les gens quand ils arrivent, en particulier avec les jeunes étudiants.
Les instruments sont un spectacle — ils sont gigantesques, difformes, étranges, exotiques — et à entendre leurs sonorités intéressantes les unes à côté des autres, le public est subjugué par l’émotion de la musique. La personne que vous étiez avant d’entendre Harry Partch et la personne que vous recherchez, pour certains cela peut avoir un impact énorme qui se traduit par une flexibilité de votre tempérament. Vous devenez moins rigide, et partout dans le monde et à travers l’humanité, nous pouvons avoir des relations. Vos propres concepts de ce qu’est et n’est pas la musique deviennent plus flexibles, et je suis heureux d’y jouer un rôle. »
