Les Films Les Plus Dérangeants de Tous Les Temps (Vous savez, Une Lecture Légère!)

Nous aimons regarder des actes de violence à l’écran. Des manigances des dessins animés de Looney Tunes aux Avengers qui battent la merde de Thanos dans un blockbuster à quatre quadrants, les cinéphiles reçoivent un coup de pied des gens qui reçoivent un coup de pied. C’est peut-être un acte de catharsis par procuration; c’est peut-être parce que nous savons que tout est faux, ce qui nous donne la « permission » d’en profiter; c’est peut-être parce que les enjeux réels, à la fois dans et hors du texte, semblent si faibles. Je ne suis pas là pour accuser les gens qui aiment ce genre de contenu — je suis l’un d’entre eux. Au lieu de cela, je suis ici pour examiner ce qui se passe lorsque les cinéastes tournent ce cadran au-delà du point de rupture.

Il y a un sous-ensemble du cinéma qui s’intéresse à l’exploration de l’extrême, du profane, du tabou, du dérangeant. Une marque de film qui marque le spectateur, brûlant son cerveau d’images inoubliables et de dissection des impulsions humaines les plus basiques et les plus perverses — des impulsions qui pourraient bien avoir quelque chose en commun avec la forme plus « aseptisée » de violence à l’écran que nous trouvons acceptable (oups, je suppose que je m’auto-accuse un peu!). Certains de ces films sont faits simplement pour choquer avec une provocation vide; certains ont quelque chose d’authentique à dire à la base; tous vous dérangeront.

Voici donc les films les plus dérangeants de tous les temps, et une feuille de cinéma transgressif qui vous laissera choqué et recroquevillé. Regardez à vos risques et périls.

Et Film Serbe

Réalisateur: Srđan Spasojević.

Écrivains: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević.

Honneur: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

La franchise du titre de ce film devrait vous indiquer la franchise de son contenu. Un film serbe met la Serbie dans son collimateur, son réalisateur Srđan Spasojević commentant explicitement non seulement les implications plus larges de la vie dans une société et un gouvernement déchirés par la guerre, à tendance fasciste, mais les hypocrisies spécifiques de ce même gouvernement finançant des films bourgeois, « sûrs » qui cherchent à blanchir leurs propres atrocités. Pour faire ce point, Spasojević et son co-scénariste Aleksandar Radivojević ont conçu une intrigue qui nous emmène au-delà du monde souterrain. La star du porno à la retraite Miloš (Srđan Todorović) a du mal à s’occuper de sa famille. Ainsi, malgré ses meilleurs instincts, il accepte de jouer dans un film porno artistique d’un auteur provocateur (Sergej Trifunović). Mais les méthodes et les sujets du réalisateur consistent à tranquilliser Miloš dans un état de catatonie et à le forcer à faire des choses indicibles devant la caméra. Et quand je dis « indicible », je ne suis pas hyperbolique. Les tabous liés à la violence sexuelle, à la nécrophilie, à l’inceste et à la pédophilie sont cernés de détails sans parure, donnant au film un sentiment instantané de notoriété sur le circuit des festivals. Le coup final et la décision prise sont purement diaboliques.

Audition

Réalisateur: Takashi Miike

Scénariste: Daisuke Tengan

Distribution: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike est un réalisateur au-delà de la prolifique, dont les films les plus célèbres commechi the Killer et Visitor Q trempent régulièrement le spectateur dans des viscères imaginatifs et des tabous psychologiquement punissants . Pourquoi Audition fait-elle la part belle à ses nombreux autres films ? En partie, à cause de son appât et de son interrupteur borderline-cruel. L’audition commence par une prémisse et le ton d’un drame romantique léger — Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) est un veuf solitaire qui cherche un nouvel amour. Sous les conseils de son ami producteur de films (Jun Kunimura), Aoyama commence littéralement à « auditionner » des femmes pour potentiellement être son amour, et tombe immédiatement amoureux d’Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Les deux promettent des sentiments profonds et mélancoliques d’amour l’un pour l’autre. Et puis… ça devient bizarre. Le basculement de Miike vous frappe au visage, vous forçant à affronter la prémisse intrinsèquement problématique du film, et le sexisme inhérent aux rencontres, aux activités romantiques et même à l’industrie cinématographique. Quand Asami Yamazaki commence enfin à agir avec sa propre agence, hoo boy, attention. Les images de torture à base d’aiguilles, de mutilation et de consommation d’un liquide corporel qui ne devrait absolument pas être mangé entrent en collision avec une obsession psychosexuelle intense d’une manière qui pousse le spectateur à se soumettre. Ce qui est précisément l’objectif de Yamazaki et Miike.

Mordum du Métro d’Août

Réalisateurs / Scénaristes / Acteurs: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Toetag Pictures de Fred Vogel est une société et un studio de production de films d’horreur indépendants connus pour leurs œuvres à petit budget et repoussant les limites du cinéma extrême. Leur déclaration déterminante se présente sous la forme d’une trilogie brutale et agressivement nihiliste de chaos connu sous le nom d’August Underground. Les trois films impliquent une famille retrouvée de tueurs en série voyageant et se filmant les uns les autres inculquant des formes misérables de torture et de mort à leurs malheureuses victimes. Les trois films sont tournés en qualité irrégulière et de faible fi, ce qui donne une esthétique aussi proche d’un film de tabac à priser littéral que n’importe qui a produit dans un long métrage narratif. Les trois films présentent des effets réalistes à l’estomac et des acteurs engagés prêts à se faire des conneries sauvages. Mais le deuxième chapitre, Mordum d’August Underground, pourrait être le plus abject du lot. Les corps ne sont rien de plus que des occasions anonymes de dissections morbides et de corruptions, et l’équipe de Toetag est plus que disposée à nous mettre tout cela au visage, chaque scène réussissant à surpasser la précédente dans son horrible cruauté. Y a-t-il un point au-delà du chaos du contenu sur sa valeur nominale? C’est une question que je ne suis pas sûr que Toetag soit intéressé à poser.

Holocauste cannibale

Réalisateur: Ruggero Deodato

Scénariste: Gianfranco Clerici

Acteur: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

Un film d’horreur notoire de 1980 qui est un texte fondateur du genre found footage, a été interdit dans plusieurs pays, a entraîné l’arrestation du réalisateur Ruggero Deodato et a dû prouver au tribunal que les effets spéciaux étaient truqués, a contribué à lancer une vague de cinéma d’exploitation cannibale et a influencé les cinéastes dans son sillage (peut-être le plus explicitement Eli Roth avec The Green Inferno). Cannibal Holocaust raconte, sous forme de simulacre, l’histoire d’un groupe d’anthropologues qui se rendent dans un village amazonien pour tenter de sauver un groupe de cinéastes laissés sur place. À leur arrivée, ils découvrent des bobines d’images avec des actions horribles perpétrées par des indigènes cannibales, résultant en un récit métatextuel noué qui s’attaque agressivement au sauviorisme blanc, au colonialisme, au rôle des nouvelles télévisées sensationnelles dans l’exacerbation de la violence, et même au rôle du spectateur regardant ce film. Maintenant, Cannibal Holocaust ne souhaite-t-il que faire valoir ces points avec un sens intellectuel irréprochable? Certainement pas. Les images montrées, avec des détails sans parure, sont clairement conçues pour la controverse judiciaire, et dans certaines séquences de cruauté animale réelle, peuvent marcher une ligne dans un texte sans but pour certains. Mais il est indéniable que Cannibal Holocaust a beaucoup en tête, et il est prêt à manger certains esprits pour essayer de faire valoir ses nombreux points.

Tête d’effacement

Réalisateur / scénariste: David Lynch

Acteurs: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

Premier long métrage de David Lynch, météorologue et agitateur de cauchemar notoire, Eraserhead est probablement le plus proche que j’ai jamais ressenti de vivre dans le surréalisme décontracté et rongeant d’un cauchemar réel sous forme cinématographique. À l’aide d’une photographie noir et blanc austère et d’une conception sonore inexplicablement terrifiante, Lynch raconte l’histoire d’Henry Spencer (Jack Nance), un homme faible et sensible qui vit dans une société apocalyptique post-industrialisée bizarre. La vie est bouleversée par la présence (ou la menace) de la domesticité, de l’éducation des enfants, des rapports sexuels et même de l’au-delà. Lynch présente ces défis à la fois avec un style fougueux et sans style du tout; alors que la conception de la production de ce film est incomparable dans son atmosphère, tant d’images obsédantes du film se produisent presque par inadvertance, sans commentaire sur sa morne bizarrerie. Tout cela aboutit à la révélation d’un enfant dont le visage reste controversé pour les méthodes dans lesquelles Lynch a pu le faire. D’une certaine manière, Eraserhead rend explicables les choses dans notre subconscient que nous ne pouvons pas parler, en parlant à peine du tout. Chantez-le avec moi: « Au ciel tout va bien… »

Henry : Portrait d’un tueur en série

Réalisateur: John McNaughton

Scénaristes: Richard Fire, John McNaughton

Distribution: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Si le August Underground susmentionné est le thrash metal du « film d’horreur familial de tueur en série found footage », Henry: Portrait d’un tueur en série est l’improvisation jazz tranquille. Le film d’horreur à petit budget de 1986 de John McNaughton met en vedette une performance principale de Michael Rooker dans le rôle-titre. Le travail de Rooker ici est étonnant, réussissant à trouver les crevasses de l’humanité chez une personne si câblée pour n’infliger que des dommages nihilistes et dénués de sens à ceux qui l’entourent, en particulier à ceux qui osent montrer quelque chose ressemblant à de l’affection humaine. En ce qui concerne les images trouvées de tout cela: Henry n’est pas entièrement rendu à l’aide de caméras en texte. Beaucoup de scènes plus calmes et psychologiquement meurtrières du film sont tournées dans une couverture simple et austère de 16 mm, les couleurs de McNaughton se sentant inhabituellement profondes et luxueuses pour une affaire aussi horrible et à petit budget. Mais les moments les plus étonnamment brutaux du carnage meurtrier du film — et, surtout, la crainte qui a conduit à ces explosions — sont filmés dans le texte par Henry et son équipe. La désinvolture du carnage, l’inévitabilité d’une telle destruction gratuite est ce qui restera dans l’esprit longtemps après avoir vu Henry. C’est le portrait d’un tueur en série, et le portrait de ce qui peut arriver si nous nous laissons déshumaniser et désensibiliser à un point où l’empathie est impossible.

Le Mille-Pattes Humain 2 (Séquence complète)

Réalisateur / scénariste: Tom Six

Distribution: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Le Mille-pattes humain de Tom Six, sorti en 2009, avait une prémisse rauque qui est instantanément devenue notoire non seulement parmi les cinéphiles extrêmes, mais à travers le paysage cinématographique général. Et si vous faisiez un « mille-pattes humain » en attachant la bouche des gens aux mégots des autres ? Je ne vous en voudrais pas si cette prémisse vous fait rire, et la palette de couleurs bizarrement vives du premier film et la performance charismatique de Dieter Laser se penchent sur la nature comique accessible et noire de tout cela. Mais sa suite, Le Mille-Pattes Humain 2 (Séquence complète), prend tout sens de l’accessibilité et le renverse avec une voiture, écrasant son crâne. Et oui, c’est, malheureusement, une allusion à quelque chose qui se passe dans le film.

Empruntant une touche du Nouveau cauchemar de Wes Craven, Human Centipede 2 est centré sur Laurence R. Harvey qui donne une performance engagée en tant qu’homme souffrant de maladies obsédé par le film de Tom Six The Human Centipede. Ce méta-choix audacieux est exacerbé à son extrême le plus évident alors que Harvey, qui a pris goût au sang macabre après avoir échangé graphiquement avec sa mère abusive, décide de créer son propre mille-pattes humain à partir de ses propres fournitures médicales très, très amateuristes. » Assis au sommet de ce mille-pattes? Préparez-vous – Ashlynn Yennie, jouant « Ashlynn Yennie, étoile du Mille-pattes Humain. »Bien qu’il y ait quelque chose d’indéniablement engageant et d’étonnamment autocritique avec Six repliements dans sa mythologie sur elle-même, il l’utilise principalement comme rampe de lancement pour des représentations d’une cruauté indicible en noir et blanc incroyablement gras. La séquence « écrasement du crâne » susmentionnée arrive à une personne à qui vous ne voulez pas que cela arrive; le fil barbelé est utilisé de manière sexuellement violente; et une scène impliquant le mille-pattes humain, euh, « manger » est au-delà de l’ignoble. Le Mille-pattes humain 2 ressemble au film que tout le monde attendait de la partie 1, pour le « meilleur » ou pour le pire.

Dans une cage en verre

Réalisateur/ scénariste: Agustí Villaronga

Acteurs: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

De tous les différents sous-genres du cinéma d’exploitation, la Nazisploitation est peut-être la plus désireuse de briser et de bousculer les tabous au visage. L’effet d’entraînement des émissions d’horreur psychosexuelles évoquant les nazis comme Ilsa, She Wolf of the SS et La Dernière orgie de la Gestapo pouvait être vu dans des images de prestige comme The Night Porter et dans des œuvres modernes comme la bande-annonce de Grindhouse de Rob Zombie, Werewolf Women of the SS et le programme Amazon Hunters. Dans une cage de verre, l’aiguille de la Nazisploitation oscille entre « valeur de choc vide » et « quelque chose à dire » de manière insensée mais efficace, utilisant un cinéma d’une atmosphère inhabituelle pour démarrer.

La personne dans la cage de verre titulaire est Klaus (Günter Meisner), un ancien médecin nazi qui a torturé, expérimenté et commis des actes horribles de violence sexuelle sur des enfants pendant l’Holocauste et après, où il s’est exilé en Espagne. Dans un épisode de ses démons le rattrapant, Klaus tente de se suicider et échoue, ce qui entraîne son incubation dans un poumon de fer. Une infirmière du nom d’Angelo (David Sust) propose de s’occuper de lui, mais ce n’est pas un infirmier ordinaire. Il est une victime de Klaus, adulte et désireux non seulement de se venger du médecin nazi, mais d’habiter l’identité du médecin nazi aussi littéralement que possible. Le récit qui en résulte est punissant, inquiétant et fascinant psychologiquement, une dissection efficace des traumatismes et des effets persistants qui se produisent à la fois pour les agresseurs et pour les abusés.

Intérieur

Réalisateurs : Julien Maury, Alexandre Bustillo

Scénariste : Alexandre Bustillo

Acteurs: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

Parmi les nombreuses expériences cinématographiques violantes produites au cours du mouvement cinématographique des années 2000 connu sous le nom de New French Extremity (Martyrs, Trouble Every Day, High Tension, et plus de pièces de cinéma françaises qui rendent brutalement toutes les choses transgressives), aucune ne me colle aussi horriblement qu’À l’intérieur (connu en France sous le nom d’À l’intérieur). L’intrigue est au-delà de la simple : Sarah (Béatrice Dalle), une veuve récente, est enceinte et seule. Et puis une femme nommée, tout simplement, « La Femme  » (Alysson Paradis), envahit sa maison, obsédée par l’idée que le bébé de Sarah lui appartient. Et elle l’obtiendra par n’importe quelle méthode. Il en résulte une expérience vicieusement méchante, physique et viscérale de brutalité abjecte et de légitime défense, tourbillonnée de manière agressive avec des provocations psychologiques de traumatisme, de droit et de maternité – le tout impliquant une femme incroyablement enceinte. Les derniers instants de ce film tendu et terrifiant me font frémir à ce jour.

Irréversible

Réalisateur / Scénariste : Gaspar Noé

Acteurs: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

En parlant de la Nouvelle Extrémité française, l’enfant terrible Gaspar Noé, auteur d’autres œuvres dérangeantes comme I Stand Alone et Climax, a marqué à la fois ce mouvement contemporain et le sous-genre d’exploitation plus omniprésent du  » viol et vengeance  » avec Irréversible de 2002. Dans des œuvres d’exploitation traditionnelles dans ce moule, comme La Dernière Maison à gauche, Je Crache sur Ta tombe– ou Thriller – Une image cruelle, nous apprenons à connaître une protagoniste féminine, sommes horrifiés par les vils abus sexuels qu’elle subit, et sont justifiés lorsqu’elle se venge violemment de ses agresseurs masculins. Noé, littéralement, retourne le scénario, présentant ce récit dans l’ordre inverse. Le film commence par une cacophonie de sons, de couleurs, de caméras tourbillonnantes et d’un carnage abject, alors que le morceau de « vengeance » est inculqué à quelqu’un dont nous n’avons aucun contexte (notamment commis non pas par une femme retrouvant l’autonomisation, mais par un homme rempli de rage). C’est une tranche brutale de violence sans contexte avec laquelle commencer un film — et la scène suivante implique une longue prise agonisante et presque inébranlable du personnage principal de Monica Bellucci qui est violée graphiquement, avant d’être battue dans le coma. Encore une fois, Noé nous présente les rythmes typiques d’un thriller de viol et de vengeance, mais en inversant leur ordre, il nous oblige soit à examiner la nature arbitraire de la violence et le vide de la vengeance, soit à être un enfoiré qui a fait un film sans valeur, selon votre prise. Le reste d’Irréversible montre « heureusement » des moments d’amour, de développement du caractère et d’humanité concernant Bellucci, mais tout cela a une pâleur sombre et écœurante, un rappel subconscient que les actes du mal sont en effet irréversibles, quelle qu’en soit la raison.

L’Homme Mord le chien

Réalisateurs : Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Scénaristes : Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Acteurs : Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De tous les nombreux films dérangeants que j’ai vus au cours de ma vie, un seul a eu le pouvoir de me faire avancer rapidement dans une scène à cause de mon inconfort personnel. Ce film est Man Bites Dog, connu dans son pays d’origine belge sous le nom de C’est arrivé près de chez vous (une reprise de l’expression « Ça pourrait vous arriver »). À partir de son titre, le faux documentaire en noir et blanc (un autre film d’horreur fondé sur des images trouvées) s’intéresse à la façon dont nous consommons et déifions les actes de violence et leur sentiment de peur « amusant », en particulier dans les médias. Un groupe de journalistes suit un homme nommé Ben (Benoît Poelvoorde, terriblement brillant). Il est charmant, drôle et se trouve être un tueur en série prolifique et sadique. Les journalistes ont pour objectif de le filmer et de filmer ses crimes de plus en plus violents avec un sentiment d’objectivité. Mais tranquillement, sournoisement, furtivement, les journalistes ne peuvent s’empêcher de participer activement à ses crimes, accusant non seulement les médias d’information du monde entier, mais même nous pour avoir voulu regarder et rire (oui, rire, le film est souvent noirement drôle) à un film comme celui-ci. Tout cela culmine avec une scène médiane de carnage et ses conséquences qui sont montrées de manière si désinvolte, si graphique, et si sans remords, que j’aimerais pouvoir l’avancer rapidement dans mon cerveau.

Melancholie der Engel

Réalisateur: Marian Dova

Scénaristes: Marian Dova, Carsten Frank

Acteurs: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

Le célèbre cinéaste allemand Marian Dova a réalisé de nombreuses œuvres d’un dégoût implacable (ne pas manquer Google ce qui se passe dans le carcinome, pour votre propre bien). Mais dans Melancholie der Engel (La Mélancolie de l’Ange) de 2009, il aurait peut-être fait son, euh, « chef-d’œuvre ». D’une durée punitive de deux heures et demie, Melancholie der Engel a beaucoup de réflexions philosophiques en tête, conduisant généralement à une forme de nihilisme absurde tel que pratiqué par Katze (Carsten Frank), qui croit qu’il touche à la fin de sa vie. Ainsi, dans un effort pour repousser les limites de l’existence aussi loin qu’il le peut avant qu’elle ne s’efface par hasard, lui et un groupe de, euh, « amis » se livrent à des actes de dépravation de plus en plus horribles, graphiques et apparemment non simulés. Ces actes de dégradation humaine, filmés dans une vidéo numérique intrinsèquement laide, sont filtrés à travers toutes sortes de « grandes idées » impliquant les philosophies de Dova et les idéaux catholiques de culpabilité et de rédemption, mais il est difficile de s’éloigner de ce film avec une pensée autre que « pourquoi? »Ce qui, je suppose, est le point. Si vous souhaitiez que la trilogie Before de Richard Linklater comporte des scènes impliquant des mangeurs de merde, Melancholie der Engel pourrait être pour vous.

Les hommes derrière le Soleil

Directeur: T. F. Mou

Rédacteurs: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Acteurs: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

Les atrocités de la guerre, rendues dans des détails misérables. Men Behind the Sun, du cinéaste chinois T. F. Mou, détaille les expériences horribles perpétrées sur des prisonniers chinois et sibériens par des commandants militaires de l’Empire japonais pendant la Seconde Guerre mondiale avec des effets spéciaux nauséabonds et grotesques. Au-delà des troubles viscéraux évidents du film, il y a aussi des ramifications psychologiques, à l’intérieur et à l’extérieur du texte. Men Behind the Sun veut explorer de véritables traumatismes et des douleurs réelles, veut décrire les limites du patriotisme et l’échelle mobile du nationalisme, veut communiquer le message nécessaire que la guerre est, et sera toujours, un enfer. Mais il se veut aussi un film d’horreur d’exploitation avec des effets gore qui repoussent les enveloppes. Peut-il l’avoir dans les deux sens? Le mérite-t-il ? Si cela réussit, vaut-il encore notre temps? Existe-t-il d’autres moyens plus appétissants de digérer et de traiter les horreurs infligées aux humains par d’autres humains sous couvert de guerre? Ou des messages émoussés comme celui-ci sont-ils vraiment, vraiment le seul moyen de coller à notre cerveau?

Nekromantik

Réalisateur: Jörg Buttgereit

Écrivains: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Acteurs: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Devinette rapide: De quoi pensez-vous que Nekromantik parle, sur la base de son titre aone? Ding ding ding, c’est correct, fam! Il s’agit vraiment, sincèrement et sans vergogne de baiser un cadavre — et le réalisateur Jörg Buttgereil est vraiment, sincèrement et sans vergogne intéressé à tout montrer. Le film suit un couple, Rob et Betty (Daktari Lorenz et Beatrice Manowski), qui s’intéressent avec impatience et morbidité aux intersections de l’amour, du sexe et de la mort. Rob travaille pour une entreprise qui nettoie les cadavres des lieux d’accident, et, eh bien, il aime garder des souvenirs et des trophées pour lui et sa petite amie avec qui jouer. Finalement, cela se transforme en vol complet d’un cadavre complet, ce qui se transforme en une situation étrange impliquant l’utilisation la plus ickiest d’un tuyau d’acier que j’ai jamais vu au cinéma. Nekromantik, pour ceux dont le sens de l’humour est prêt à franchir le pas, extrait en fait une quantité décente de comédie noire de sa prémisse presque non imprimable, jouant des rythmes d’amour romantique et de jalousie exaspérante avec un engagement ironique et un attrait extérieur. Mais cela n’empêche pas le film de décortiquer les plus vilaines représentations de la chair humaine, et ses moments de fin sont à la fois étonnants et étrangement poétiques.

Salò, ou les 120 Jours de Sodome

Réalisateur: Pier Paolo Pasolini

Scénaristes: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Acteurs: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umerto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

Le grand-père de cinéma dérangeant, un morceau d’horreur choquant qui a, malgré (à cause de?) son contenu extrême, a valu cette pièce rare de canonisation de cinéma de prestige. C’est vrai, mes amis: Vous pouvez acheter Salò, ou les 120 Jours de Sodome dans un coffret blu-ray fantaisie Criterion Collection, avec ses représentations graphiques agressives du fascisme corrompu et de l’impulsion animale dans des détails exigeants et exaspérants. Dernier film de Pier Paolo Pasolini avant son assassinat, Salò s’inspire à parts égales des 120 Jours de Sodome du Marquis de Sade, une œuvre influente sur les limites et les points de rupture de la dégradation humaine et de la sexualité (c’est de là que vient le mot  » sadisme  » !), et les horreurs de la vie réelle infligées par un gouvernement fasciste italien pendant la Seconde Guerre mondiale. D’innombrables jeunes sont torturés, mutilés, forcés d’accomplir des actes indicibles les uns contre les autres et tués d’une manière qui semble n’exister que pour satisfaire les caprices de plus en plus lugubres de leurs oppresseurs. Salò est une montre brutale, que je ne suis pas sûr que quelqu’un puisse « recommander », mais c’est une montre vitale. C’est un film qui met à nu le mince bord entre l’humanité et le mal sous les auspices de structures de pouvoir hiérarchiques, un film qui montre à quel point la cruauté peut courir. Il n’est pas idéal de regarder en mangeant.

Les meurtres de Snowtown

Réalisateur: Justin Kurzel

Scénaristes: Shaun Grant, Justin Kurzel

Acteurs: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

Les meurtres de Snowtown, basés sur une série de meurtres réels à Adélaïde, en Australie, sont une brûlure lente atroce, un regard sous le microscope décrépit de petits-enfants dysfonctionnels town communities, un croisement entre Harmony Korine et Michael Haneke, un premier long métrage féroce pour le réalisateur Justin Kurzel. Déterminé à débarrasser sa communauté de la menace explicite des pédophiles et des homosexuels, qu’il est plus que disposé à confondre toxiquement, John Bunting (un terrifiant Daniel Henshall) recrute un groupe de gens de la classe inférieure, y compris la victime de violence sexuelle Jamie Vlassakis (un déchirant Lucas Pittaway), pour trouver, torturer et assassiner ceux qui le méritent. Le cadre de Kurzel est à la fois insouciant et d’un style dérangeant, utilisant à la fois le pouvoir du carnage explicite et de la terreur implicite pour pousser constamment un tournevis dans les tripes du spectateur. Psychologiquement, Snowtown ne laisse jamais personne se débrouiller — pas les vrais pédophiles assassinés, pas les téléspectateurs qui pourraient trouver cette action d’une manière ou d’une autre justifiant, pas Jamie tombant sous l’emprise de cette nouvelle figure tentante, et certainement pas John Bunting lui-même. C’est sombre, sombre, sombre, un film qui explore le plus bas et le plus vil de la nature humaine d’une manière qui vous fera sympathiser, puis vous donnera besoin d’une douche.

Tetsuo: L’Homme de fer

Réalisateur / scénariste: Shinya Tsukamoto

Distribution: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Si vous trouvez Black Mirror dérangeant, vous n’avez encore rien vu. Tetsuo: L’Homme de fer est une montre dure à cuire. C’est un cauchemar expérimental en noir et blanc en dialogue avec des classiques cultes similaires comme Eraserhead ou Begotten susmentionnés. Il s’intéresse moins à un récit de science-fiction agréable au goût qu’à une exploration sans ménagement de l’humeur. Et « l’ambiance », gracieuseté du célèbre cinéaste culte japonais Shinya Tsukamoto, est « sombre ». Tetsuo est techniquement un film cyberpunk. La fiction cyberpunk s’intéresse au mélange des êtres humains avec des améliorations cybernétiques. Et Tetsuo: L’Homme de fer prend cette impulsion et la catapulte à ses extrêmes cristallisés, dépouillant toutes les autres parties dans le seul but de « l’homme plus le métal. »L ‘ »homme » de cette équation, joué avec une obsession hypnotique par le réalisateur du film, considère les morceaux de métal comme des objets fétichistes violents qui méritent le plus d’éloges et de fusion possible — sa toute première action dans le film consiste à ouvrir sa propre jambe et à y enfoncer un morceau de métal. Mais quand un salaryman (le mot japonais pour « col blanc ») joué par Tomorowo Taguchi commence littéralement à faire germer du métal comme l’aboutissement de ses rêves violents et de ses fantasmes brouillant la réalité, les deux s’affrontent sans relâche de manière nihiliste.

Tetsuo: L’Homme de Fer regorge d’images bouleversantes, en particulier lorsque l’Homme de fer titulaire et sa petite amie pleinement humaine (Kei Fujiwara) tentent de copuler même s’il est, tu sais, un Homme de Fer. Mais ce n’est pas un choc pour l’amour de shock — Tsukamoto a beaucoup de choses en tête, et chaque facette de son rêve de fièvre, des effets de maquillage grimaçants faits à la main à la caméra 16 mm, parle au service de son ultime énoncé de thèse: La fusion de la technologie et de la race humaine nous détruira tous totalement.

Bonne écoute, tout le monde! 🙂

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