Scénario 101: 5 Conseils pour Écrire De Meilleurs Personnages dans Votre Scénario

Le cinéaste Noam Kroll, basé à Los Angeles, travaille actuellement sur son deuxième long métrage. Il tient un blog de production sur son site Web NoamKroll.com . Dans cet article de blog, il parle de se concentrer sur les personnages afin de construire un meilleur scénario. Consultez le blog de Kroll ici, et sa maison de post-production maison de production Creative Rebellion ici

Écrire un scénario est un exercice d’équilibre, et alors que tous les composants doivent travailler ensemble en harmonie, le seul composant qui peut vraiment faire ou casser le script (à mon avis) est le personnage. En d’autres termes, vous pourriez avoir l’arc narratif le plus magnifiquement écrit et la structure parfaite de votre scénario, mais si votre personnage principal est terne et plat, tout le reste tombe en morceaux. Inversement, vous pouvez avoir une histoire qui a besoin de travail et le rythme général peut être interrompu, mais si votre personnage principal est convaincant, votre public restera engagé dans le film, quels que soient certains des défauts qu’il peut avoir. Dans ideal world, vous voulez trouver cet équilibre que j’ai mentionné ci-dessus, où tous les composants travaillent ensemble harmonieusement, et un moyen sûr de commencer dans la bonne direction est de se concentrer d’abord sur l’écriture de caractères superposés avec un sens et un but.

Voici mes 5 meilleurs conseils pour écrire des personnages plus forts dans votre scénario:

#1 – Rendez votre personnage sympathique dès le début

Si vous vous attendez à ce que votre public s’enracine pour votre personnage principal pendant les 90 prochaines minutes du film, vous feriez mieux de faire quelque chose dès le début pour vous assurer que vous l’avez mérité. Certains gourous de l’écriture de scénarios (Blake Snyder en particulier), soulignent ce point avant tout – et pour cause. Sans personnage à enraciner, votre histoire n’a rien pour elle. Le public doit s’identifier très tôt à quelqu’un, et si vos personnages ne sont généralement pas sympathiques (même si vous pensez qu’ils sont intéressants), cela ne suffira tout simplement pas à soutenir un script. Souvent, les scénaristes écrivent leur personnage principal d’une manière qui serait plus appropriée pour écrire un antagoniste. Ils peuvent avoir quelques lignes de dialogue accrocheuses ici ou là, mais ils se sentent généralement comme une force négative et égoïste dans le grand schéma du film et n’ont souvent aucune qualité rédemptrice.

L’écriture de personnages sympathiques peut se faire d’une quantité infinie de façons. Par exemple, le simple fait d’écrire un dialogue fort qui montre à quel point le personnage peut être spirituel ou charmant peut aller très loin. Ou ils pourraient être rendus sympathiques par leurs actions, montrant un acte désintéressé au début du film pour les établir comme une force positive. Et gardez à l’esprit que tout cela peut être fait dans le contexte du monde dans lequel vous écrivez, et n’a en aucun cas à peindre vos personnages comme des personnes parfaites. Si vous écrivez « Les Sopranos », vous pouvez toujours faire enraciner le public pour Tony Soprano, car vous voyez la valeur qu’il accorde à sa famille et la vulnérabilité qu’il a en tant que personne aux prises avec la dépression. Dans le contexte d’une histoire différente, Tony Soprano est peut-être un méchant sans qualités rédemptrices, mais dans les Sopranos, il est entouré de personnes objectivement pires que lui, et en tant que tel, il peut toujours s’élever au-dessus et montrer au public qu’il est le personnage qui leur ressemble le plus. L’essentiel est que vous le fassiez, que ce soit par le dialogue, les actions, l’humour ou tout autre moyen – obtenez l’enracinement de votre public pour votre lead le plus tôt possible.

#2 – Construire réaliste & caractérisation détaillée

Le caractère fait référence à l’essence de qui tout le monde dans votre script est vraiment à l’intérieur. Est-ce une bonne ou une mauvaise personne? Un combattant ou une mauviette? Le caractère est l’esprit de cette personne, tandis que la caractérisation est le résultat quantifiable de qui elle est. Par exemple, disons que vous avez une antagoniste féminine motivée par l’ego avec un travail puissant et une puce sur son épaule. Elle pourrait conduire un gros VUS au travail, boire du café noir et avoir développé une tique nerveuse. Tous ces points sont des détails de caractérisation. Les détails ne changent pas qui est le personnage au cœur, mais ils sont simplement un sous-produit réaliste de qui est ce personnage et comment il s’est développé. Prenons par exemple le personnage de Derek Vinyard dans « American History X » (joué par Edward Norton). Alors que le film l’expose comme un homme changé, il est toujours couvert de tatouages qui rappellent constamment son sombre passé et sa vie avant la prison.

Écrire une caractérisation forte est important à de nombreux niveaux. Tout d’abord, un personnage représenté de manière réaliste ajoutera beaucoup de réalisme à votre pièce. Je ne peux pas compter combien de fois j’ai vu le même antagoniste générique dans un film qui n’avait aucune caractérisation originale, ce qui a finalement complètement diminué leur importance dans le film. Mais même en dehors du simple ajout de réalisme aux personnages, cela peut également vous aider en tant qu’écrivain à raconter votre histoire de manière plus intuitive et spectaculaire. Par exemple, l’un des exercices que j’utiliserai souvent avant de me lancer dans un scénario consiste à écrire quelques pages de notes de caractérisation sur chaque personnage du scénario. Je le fais rapidement, presque comme un exercice d’association libre, et c’est extrêmement utile. Je suggère fortement de le faire, car à la fin de l’exercice, vous aurez plusieurs pages de notes qui donneront non seulement des détails et un sens à votre personnage, mais aideront également à susciter des idées pour votre histoire d’autres manières – notamment en clarifiant les choix que votre personnage pourrait faire. Ce dernier sentiment me conduit au point suivant de notre liste –

#3 – Laissez votre personnage prendre les décisions pour vous

Bien qu’il soit très important d’avoir une idée de la structure de vos films avant de réellement écrire, vous voulez également permettre à l’histoire de se dérouler de manière organique et naturelle, et la seule façon de le faire est de donner à vos personnages un peu de répit. Plutôt que de forcer votre personnage dans un arc et de dicter toutes ses actions avant même d’écrire « FADE IN », essayez de laisser votre personnage prendre ses propres décisions qui feront avancer votre histoire. C’est quelque chose que je croyais depuis longtemps être un élément important de tout script, et l’idée de le faire a été vraiment solidifiée lorsque j’ai entendu Vince Gilligan parler de l’utilisation de cette approche même pour développer des personnages dans « Breaking Bad ». C’est probablement l’une des raisons pour lesquelles le spectacle a eu autant de succès critique et a pu innover.

Pendant que vous écrivez une scène donnée, demandez-vous continuellement comment votre personnage réagirait aux circonstances dans lesquelles il se trouve. Ne pensez pas à ce qu’un autre personnage d’un autre film ferait, ou à ce que vous feriez dans ce scénario, ou vous vous retrouverez avec le personnage principal le plus générique et ennuyeux que vous pourriez écrire. Si vous avez fait vos devoirs et suivi ma suggestion dans le conseil #2, vous devriez déjà très bien connaître votre personnage et avoir du mal à juger de ce qu’il fera ensuite. Vous savez quel type de chaussures il achète, le fait qu’il n’a pas fumé depuis trois ans mais qu’il s’agite quand il sent une cigarette, et qu’il s’endort devant la télé tous les soirs. Vous savez aussi pourquoi il est comme ça – vous comprenez le type d’éducation qu’il a eue et le fait qu’il a été victime d’intimidation à l’école. Si vous savez tout cela, alors vous avez naturellement une compréhension plus profonde de ce qu’il fera dans une situation donnée et de la façon dont il réagira à un événement donné. Alors, entrez dans vos scènes et votre histoire avec un esprit ouvert, en particulier dans les premières ébauches. Si votre scénario doit être bon, il devra passer par beaucoup, beaucoup de brouillons, peu importe à quel point vous êtes bon écrivain. Alors ne vous accrochez pas trop à avoir un arc de personnage parfait dans la première version. Laissez-le se dérouler naturellement, et dans les brouillons ultérieurs, vous pouvez revenir en arrière et mettre en évidence l’arc plus une fois que votre personnage vous a montré ce qu’il est vraiment.

#4 – Donnez à votre personnage un dialogue convaincant

J’ai abordé cela un peu en haut de l’article, mais cela mérite vraiment sa propre section. Votre personnage doit avoir un dialogue convaincant, intéressant et original. Et cela ne s’applique pas seulement à votre personnage principal, il s’applique à chaque dernier caractère du script. Un dialogue fort dira au public qui est exactement ce personnage dans les moments où il prononce ses premières lignes à l’écran. Nous savons d’où ils viennent en fonction de leur accent, de leur éducation, de leur introversion ou de leur extraversion, et bien plus encore. Une immense quantité d’informations peut être transmise par le dialogue, sans même rien dire de spécifique. Une scène de dialogue bien écrite composée de quelque chose d’aussi simple qu’un personnage qui achète des courses pourrait vous raconter un monde sur ce personnage et finalement ajouter de l’importance à ce qu’ils disent, en particulier lors de l’utilisation de sous–texte – un autre sujet que j’aimerais explorer plus loin dans son propre post.

Ce qui est étrange dans les films narratifs, c’est que, bien qu’ils soient complètement fictionnels, nous, en tant que public, voulons toujours qu’ils se sentent aussi réels que possible. Même dans un film fantastique, nous devons être capables de nous identifier aux personnages et de comprendre qui ils sont à un niveau brut et viscéral, et le dialogue est le véhicule pour y parvenir. Mais gardez à l’esprit qu’un dialogue convaincant ne signifie pas nécessairement avoir beaucoup de dialogue. Vous pouvez avoir un personnage qui en dit très peu, ce qui en dit beaucoup sur eux sans utiliser de mots. Vous pouvez avoir un personnage dont le discours est rempli d’argot et un autre qui ressemble à un prédicateur. Avoir des personnages qui parlent de leur propre voix est extrêmement important, et assurez-vous qu’aucun de vos personnages ne ressemble à la même personne. Un gros problème que certains scénaristes ont est qu’ils écrivent tous leurs dialogues de personnages de la même manière. Idéalement, vous voulez pouvoir couvrir les noms de vos personnages sur le script, tout en sachant qui parle en fonction de ce qu’ils disent et de la façon dont ils le disent. Tarantino est sans doute l’un des maîtres du dialogue, et chacun de ses films peut être une source d’inspiration pour les écrivains qui cherchent à différencier les voix de leurs différents personnages.

#5 – Pensez comme un acteur et donnez à votre personnage un point de vue

Les acteurs parlent toujours de trouver leur point de vue. Ils ont besoin de motivation pour la scène. Ils ont besoin de savoir où se trouvait le personnage au moment où ils sont entrés dans la pièce qui ouvre la scène. Ils ont besoin de savoir ce que leur personnage pense et ressent vraiment lorsqu’ils tournent autour de la brousse et permettent au sous-texte de la scène de se jouer. Pour certains auteurs, ces constructions peuvent sembler être des outils gimmicky dont les acteurs ont besoin pour se placer dans le bon espace de tête, mais je dirais que nous, scénaristes, avons vraiment besoin de penser comme ça aussi. Si vous vous attendez à ce que votre acteur principal soit capable de jouer un personnage efficacement, vous devez écrire un personnage qui permettra à l’acteur d’utiliser ses outils pour exploiter la scène. Mais plus important encore, faites-le pour votre propre scénario et assurez-vous d’obtenir le meilleur produit final. Un personnage avec un point de vue fort fera avancer l’histoire en donnant au public une ligne à suivre tout au long de chaque scène et de chaque acte du film. Nous devons savoir d’où ils viennent et ce qu’ils veulent afin de nous soucier suffisamment de suivre leur histoire. Regardez un personnage comme Forrest Gump avec un point de vue évident qui dicte ses actions, ajoute du réalisme à ce qu’il fait et pousse l’histoire d’un acte à l’autre.

Tant de scénarios que j’ai lus manquent cruellement à cet égard. Il est évident dès le départ que l’écrivain n’a pas accordé suffisamment d’attention à la compréhension du point de vue des personnages et à la clarté suffisante pour que le public puisse s’en saisir. Le symptôme le plus courant de ce problème sont les scènes qui se développent d’une manière qui manque complètement de concentration. J’ai lu des scènes qui auraient pu être brillantes si elles avaient été réduites à une page ou deux, mais l’écrivain ne comprenait pas le point de vue des personnages et, par conséquent, il s’agissait d’une scène encombrée de 5 pages qui tournait en rond. Une façon de savoir si vous êtes sur la bonne voie est de voir si vous pouvez ou non écrire une scène donnée sur une page si vous le deviez. Certes, il y a des scènes qui nécessitent de nombreuses pages de dialogue, mais avant de le faire fonctionner comme une scène épique de 8 pages, assurez–vous également de le faire en 1 à 2 pages, car s’il manque de direction et de concentration, même condensé à cette longueur, cela aura des problèmes majeurs lorsqu’il sera extrapolé pour être beaucoup plus long.

Que pouvons-nous faire d’autre?
Ces cinq pointes ne sont en réalité que la pointe de la berg de glace. Il est essentiel au succès d’un film d’avoir des personnages forts tout au long du film, sympathiques, réalistes et ayant une motivation et un but distincts dans l’histoire, mais développer des personnages comme celui-ci nécessite beaucoup d’essais et d’erreurs. Il n’y a pas de formule pour cela, mais en utilisant des exercices vraiment basiques comme l’écriture d’une trame de fond de 2-3 pages sur chaque personnage, vous serez sur le point de créer un personnage original. Et une fois que vous avez les os de ce personnage en place, n’ayez pas peur de laisser le personnage évoluer, grandir et même dicter dans certains cas où l’histoire va se dérouler.

En dehors de ces 5 conseils, il y a une quantité infinie de choses que vous pouvez faire pour écrire de meilleurs personnages, que ce soit pour faire vos devoirs et regarder des films axés sur les personnages, pour écouter dans votre restaurant local pour discuter. Mais quelles que soient les méthodes qui vous conviennent, assurez-vous de prêter suffisamment d’attention à vos personnages, en particulier au début du développement de votre scénario.

Et si vous ne l’avez pas déjà lu, assurez-vous de consulter mon article précédent sur L’importance de l’histoire.