najbardziej niepokojące Filmy wszechczasów (no wiesz, trochę lekkiego czytania!)

cieszymy się z oglądania aktów przemocy na ekranie. Od żartów z kreskówek ze Zwariowanych Melodii po Avengersi, którzy pokonali Thanosa w 4-kwadrantowym przeboju, kinomani dostają kopa od ludzi, którzy dostają kopa. Być może jest to akt zastępczego Katharsis; być może dlatego, że wiemy, że wszystko jest fałszywe, co daje nam „pozwolenie”, aby się nim cieszyć; być może dlatego, że rzeczywiste stawki, zarówno w tekście, jak i poza nim, wydają się tak niskie. Nie Jestem tu, aby oskarżać ludzi, którzy lubią tego rodzaju treści — jestem jednym z nich. Zamiast tego, jestem tutaj, aby zbadać, co się dzieje, gdy filmowcy przekręcają tę tarczę poza punktem krytycznym.

istnieje podzbiór kina, który interesuje się zgłębianiem skrajności, profanacji, tabu, niepokojenia. Marka filmu, który piętnuje widza, piekąc jego mózg niezapomnianymi obrazami i rozwarstwieniem najbardziej podstawowych i przewrotnych ludzkich impulsów-impulsów, które mogą mieć coś wspólnego z bardziej „zdezynfekowaną” formą przemocy na ekranie, którą uważamy za akceptowalną (UPS, chyba trochę sam oskarżam!). Niektóre z tych filmów są robione tylko po to, by szokować pustą prowokacją; niektóre mają coś prawdziwego do powiedzenia w swej istocie; wszystkie z nich będą Ci przeszkadzać.

oto najbardziej niepokojące filmy wszechczasów i arkusz transgresywnego kina, który sprawi, że będziesz zszokowany i skulił się. Spójrz na własne ryzyko.

i serbski film

reżyser: Srjan Spasojević.

Autorzy: Aleksandar Radivojević, Srjan Spasojević.

Honor: Srjan Todorovich, Siergiej Trifunowicz, Elena Gavrilovich, Slobodan Besztic, Katarina Upiorić

bezpośredniość tytułu tego filmu powinna sugerować bezpośredniość jego treści. Serbski Film stawia na celowniku całą Serbię, jego reżyser Srđan Spasojević wyraźnie komentuje nie tylko szersze konsekwencje życia w rozdartym wojną, faszystowskim społeczeństwie i rządzie, ale także specyficzną hipokryzję tego samego rządu finansującego burżuazyjne,” bezpieczne ” filmy, które starają się wybielić własne okrucieństwa. Aby to podkreślić, Spasojević i współautor Aleksandar Radivojević stworzyli fabułę, która przenosi nas poza punkt zaświatów. Emerytowana Gwiazda porno Miloš (Srđan Todorović) ma problemy z opieką nad rodziną. Tak więc, mimo lepszych instynktów, zgadza się zagrać w artystycznym filmie porno prowokacyjnego autora (Sergej Trifunović). Ale metody i tematy reżysera to uspokojenie Miloša w stan katatonii i zmuszenie go do robienia niewypowiedzianych rzeczy przed kamerą. A kiedy mówię „niewypowiedziane”, nie jestem hiperboliczny. Tabu dotyczące przemocy seksualnej, nekrofilii, kazirodztwa i pedofilii są opatrzone niespotykanymi szczegółami, co daje filmowi natychmiastowe poczucie rozgłosu na festiwalowym torze. Ostateczny strzał i podjęta decyzja są czysto złe.

reżyser: Takashi Miike

scenarzysta: Daisuke tengan

Obsada: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike jest nieocenionym reżyserem, którego najbardziej znane filmy, takie jak Ichi the Killer i Visitor Q, regularnie zanurzają widza w wyobraźni i psychicznie karzą tabu. Dlaczego Audition ma przewagę nad wieloma innymi filmami? Po części, ze względu na swoją graniczną-okrutną przynętę i przełącznik. Przesłuchanie zaczyna się od przesłanki i tonu lekkiego dramatu romantycznego — Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) jest samotnym wdowcem, który na nowo szuka nowej miłości. Za radą przyjaciela producenta filmowego (Jun Kunimura), Aoyama zaczyna dosłownie „przesłuchiwać” kobiety, aby mogły być Jego miłością i natychmiast zakochuje się w Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Oboje deklarują głębokie, melancholijne uczucia miłości do siebie. I wtedy… robi się dziwnie. Miike ’ s switch-flip uderza cię w twarz, zmuszając cię do konfrontacji z nieodłącznie problematycznym założeniem filmu i nieodłącznym seksizmem upieczonym w randkach, romantycznych poszukiwaniach, a nawet przemyśle filmowym. Kiedy Asami Yamazaki w końcu zaczyna działać z własną agencją, Hoo boy, uważaj. Obrazy tortur opartych na igle, poćwiartowania i zjedzenia płynu ustrojowego, którego zdecydowanie nie należy jeść, zderzają się z intensywną obsesją psychoseksualną w sposób, który młotem młota doprowadza widza do uległości. Co jest, dokładnie, celem Yamazaki i Miike.

mordum sierpniowego podziemia

reżyserzy/scenarzyści/Obsada: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Fred Vogel ’ s Toetag Pictures to niezależna firma produkująca horrory i studio znane z niskobudżetowych, przekraczających granice dzieł kina ekstremalnego. Ich definiująca wypowiedź przybiera formę brutalnej, agresywnie nihilistycznej trylogii chaosu znanej jako August Underground. Wszystkie trzy filmy przedstawiają rodzinę seryjnych morderców podróżujących dookoła i kręcących zdjęcia, na których wzajemnie wpajają nieszczęsne formy tortur i śmierci swoim nieszczęsnym ofiarom. Wszystkie trzy filmy są kręcone w postrzępionej jakości low-fi, co skutkuje estetyką zbliżoną do dosłownego filmu tabakowego, jaką ktokolwiek wyprodukował w narracyjnym filmie fabularnym. Wszystkie trzy filmy zawierają realistyczne efekty, a zaangażowani aktorzy gotowi robić sobie dzikie, dzikie gówno. Ale drugi rozdział, August Underground ’ S Mordum, może być najbardziej obrzydliwie niepokojący. Ciała to nic innego, jak anonimowe okazje do chorobliwych rozbiorów i korupcji, a zespół Toetag jest bardziej niż skłonny wpakować nam to wszystko w twarz, a każda scena przebija poprzednią w swoim przerażającym okrucieństwie. Czy jest jakiś sens poza chaosem treści na jej wartości nominalnej? To pytanie nie jestem pewien, czy jestem zainteresowany pytaniem.

kanibal Holocaust

reżyser: Ruggero Deodato

pisarz: Gianfranco Clerici

Obsada: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

znany horror z 1980 roku, będący fundamentalnym tekstem w gatunku found footage, został zakazany w kilku krajach, w wyniku czego reżyser Ruggero Deodato został aresztowany i musiał udowodnić w sądzie, że efekty specjalne zostały sfałszowane, pomógł rozpocząć falę kina wyzysku kanibali i wpłynął na filmowców (być może najbardziej wyraźnie Eli Roth z Zielonym piekłem). Cannibal Holocaust opowiada, w formie mockumentary, historię grupy antropologów, którzy podróżują do amazońskiej wioski, aby spróbować uratować grupę filmowców tam pozostawionych. Po przybyciu na miejsce odkrywają Bębny materiału filmowego z przerażającymi działaniami kanibalistycznych tubylców, w wyniku których powstaje splątana, metatekstualna narracja, która agresywnie atakuje biały savioryzm, kolonializm, rolę sensacyjnych wiadomości telewizyjnych w zaostrzaniu przemocy, a nawet rolę widowni oglądającej ten właśnie film. Czy Holokaust kanibali interesuje się tymi kwestiami tylko z nienaganną intelektualną bystrością? Na pewno nie. Przedstawione obrazy, w niespotykanych szczegółach, są wyraźnie zaprojektowane, aby wzbudzić kontrowersje, a w niektórych sekwencjach rzeczywistego okrucieństwa wobec zwierząt, mogą dla niektórych wprowadzić linię do bezcelowego tekstu. Ale nie można zaprzeczyć, że holokaust kanibal ma wiele na głowie i jest gotów zjeść kilka umysłów, aby spróbować przedstawić swoje wiele punktów.

Gumka

reżyser / scenarzysta: David Lynch

Obsada: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

debiut notorious nightmare-mieszadło / meteorolog David Lynch, Eraserhead jest prawdopodobnie najbardziej zbliżony do życia w swobodnym, gryzącym surrealizmie prawdziwego koszmaru w kinowej formie. Wykorzystując surową czarno-białą fotografię i niewytłumaczalnie przerażającą oprawę dźwiękową, Lynch opowiada historię Henry ’ ego Spencera (Jack Nance), słabego i wrażliwego człowieka, który żyje w dziwacznym, postindustrialnym, apokaliptycznym społeczeństwie. Jego życie wywraca wszystkie sprawy do góry nogami przez obecność (lub Zagrożenie) udomowienia, wychowania dzieci, stosunków seksualnych, a nawet życia pozagrobowego. Lynch przedstawia te wyzwania zarówno w piekącym stylu, jak i bez stylu; podczas gdy projekt produkcji tego filmu jest niezrównany w swojej atmosferze, tak wiele nawiedzających obrazów pojawia się niemal przypadkowo, Bez komentarza na temat jego ponurej dziwności. Wszystko to kończy się objawieniem dziecka, którego wygląd pozostaje kontrowersyjny dla metod, w których Lynch mógł to zrobić. W jakiś sposób Eraserhead sprawia, że w naszej podświadomości można mówić rzeczy, których nie możemy mówić, ledwo mówiąc w ogóle. Zaśpiewaj ze mną: „w niebie wszystko jest w porządku…”

Henry: Portret seryjnego mordercy

reżyser: John McNaughton

scenarzyści: Richard Fire, John McNaughton

Obsada: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

jeśli wspomniany sierpniowy Underground jest thrash metalem z horroru „found footage seryjny morderca rodzinny”, Henry: Portret seryjnego mordercy to cicha improwizacja jazzowa. W niskobudżetowym horrorze Johna Mcnaughtona z 1986 roku w roli tytułowej wystąpił Michael Rooker. Praca rookera jest zdumiewająca, udaje mu się znaleźć szczeliny ludzkości w osobie tak okablowanej, że wyrządza nic poza nihilistycznym, bezsensownym uszkodzeniem tym, którzy są wokół niego, zwłaszcza tym, którzy ośmielają się okazywać coś przypominającego ludzkie uczucia. Jeśli chodzi o Znalezione nagrania: Henry nie jest całkowicie renderowany za pomocą kamer tekstowych. Wiele spokojniejszych, bardziej psychologicznie siniaczonych scen nakręconych jest w prostym, surowym pokryciu 16 mm. kolory są nietypowo głębokie i luksusowe jak na tak niskobudżetowy, przerażający romans. Ale najbardziej zaskakująco brutalne momenty morderczej rzezi-i, co ważne, strach prowadzący do wspomnianych wybuchów-są filmowane w tekście przez Henry ’ ego i jego ekipę. Nieuchronność rzezi, nieuchronność takiego bezmyślnego zniszczenia jest tym, co pozostanie w umyśle długo po obejrzeniu Henry ’ ego. To portret seryjnego mordercy, i portret tego, co może się stać, jeśli pozwolimy sobie na odczłowieczenie i odczulenie do punktu, w którym empatia jest niemożliwa.

ludzka Stonoga 2 (pełna sekwencja)

reżyser/scenarzysta: Tom Six

Obsada: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Six The Human Centipede, wydany w 2009 roku, miał hałaśliwe założenie, które natychmiast stało się znane nie tylko wśród ekstremalnych kinofilów, ale przez ogólny krajobraz filmowy. A co jeśli stworzysz „ludzką stonogę”, wiesz, przywiązując ludzkie usta do tyłków innych ludzi? Nie obwiniałbym Cię, gdyby ta przesłanka sprawiała, że chichoczesz, a dziwnie jasna kolorystyka pierwszego filmu i charyzmatyczny występ Dietera lasera skłaniają się w przystępny, czarno-komiczny charakter tego wszystkiego. Ale jego kontynuacja, ludzka Stonoga 2 (pełna sekwencja), nabiera jakiegokolwiek poczucia dostępności i przejeżdża samochodem, miażdżąc jego czaszkę. I tak, to, niestety, aluzja do czegoś, co dzieje się w filmie.

czerpiąc odrobinę nowego koszmaru Wesa Cravena, Human Centipede 2 skupia się na Laurence ’ u R. Harveyu, który daje piekielnie zaangażowany występ jako cierpiący na choroby człowiek, który ma obsesję na punkcie-przygotuj się —filmu Tom Six The Human Centipede. Ten zuchwały meta-wybór wzmaga się do najbardziej oczywistej skrajności, jak Harvey, który dostał posmak makabrycznej krwi po dyspozytorstwie ze swoją obraźliwą matką graficznie, postanawia stworzyć własną ludzką stonogę z własnych bardzo, bardzo amatorskich ” materiałów medycznych.”Siedząc na szczycie tej stonogi? Brace yourself-Ashlynn Yennie, gra ” Ashlynn Yennie, star Of The Human Centipede.”Chociaż jest coś niezaprzeczalnie wciągającego i nieoczekiwanie samokrytycznego z Six folding w jego mitologii na sobie, najczęściej używa tego jako podkładki dla przedstawień niewypowiedzianego okrucieństwa w obrzydliwie tłustej czerni i bieli. Wspomniana Sekwencja ” zgniatania czaszki „przytrafia się osobie, której nie chcesz widzieć, jak to się dzieje; Drut kolczasty jest używany w seksualny sposób; a scena z udziałem ludzkiej stonogi, um,” jedzenie ” jest ponad podłe. Ludzka Stonoga 2 czuje się jak film, którego wszyscy oczekiwali Część 1, na „lepsze” lub na gorsze.

w szklanej klatce

reżyser/scenarzysta: Agustí Villaronga

Obsada: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

ze wszystkich różnych podgatunków kina wyzysku, Naziszploitacja może być najbardziej chętna do przełamania i wepchnięcia tabu w twarz. Efekty psychoseksualnych nazistowskich horrorów, takich jak Ilsa, She Wolf z SS i Ostatnia Orgia Gestapo, można było zobaczyć na prestiżowych zdjęciach, takich jak nocny portier, a także w nowoczesnych pracach, takich jak zwiastun Grindhouse Roba Zombie wilkołaki z SS i Łowcy Amazonek. W szklanej klatce igła Nazisploitacji przecina ” pustą wartość wstrząsu „i” coś do powiedzenia”, dziwnie, ale skutecznie, wykorzystując do uruchomienia niezwykle nastrojowe filmy.

osobą w tytułowej szklanej klatce jest Klaus (Günter Meisner), były lekarz nazistowski, który torturował, eksperymentował i dopuszczał się przerażających aktów przemocy seksualnej wobec dzieci zarówno w czasie Holokaustu, jak i po nim, gdzie przebywał na wygnaniu w Hiszpanii. W odcinku, w którym jego demony doganiają go, Klaus próbuje popełnić samobójstwo, co skutkuje inkubacją w żelaznym płucu. Pielęgniarka o imieniu Angelo (David Sust) oferuje mu opiekę, ale nie jest zwykłą pielęgniarką. Jest ofiarą Klausa, dorosłego i pragnącego nie tylko zemścić się na nazistowskim doktorze, ale jak najbardziej dosłownie wcielić się w jego tożsamość. Wynikająca z tego narracja jest karą, niepokojącą i psychologicznie fascynującą, skuteczną sekcją utrzymujących się traum i skutków, które występują zarówno dla oprawców, jak i maltretowanych.

wewnątrz

reżyserzy: Julien Maury, Alexandre Bustillo

scenarzysta: Alexandre Bustillo

Obsada: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

spośród wielu gwałcących doświadczeń filmowych z okresu kinematografii 2000, znanych jako nowa Francuska skrajność (męczennicy, kłopoty na co dzień, wysokie napięcie i inne francuskie dzieła kina, które brutalnie oddają wszystko, co transgresywne), żadne nie trzyma się moich kości tak przerażająco jak wnętrze (znane we Francji jako À l ’ intérieur). Fabuła nie jest prosta: Sarah (Béatrice Dalle), niedawna Wdowa, jest w ciąży i samotna. I wtedy kobieta o imieniu, po prostu, „La Femme” (Alysson Paradis), wkracza do jej domu, obsesyjnie myśląc, że dziecko Sary należy do niej. I zdobędzie ją każdą metodą, jaką będzie mogła. Rezultatem jest brutalne, fizyczne, trzewne doświadczenie skrajnej brutalności i samoobrony, agresywnie wirowane z psychologicznymi prowokacjami traumy, uprawnień i macierzyństwa — wszystko z udziałem niesamowicie ciężarnej kobiety. Ostatnie chwile tego napiętego, przerażającego filmu sprawiają, że drżę do dziś.

reżyser / scenarzysta: Gaspar Noé

Obsada: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

mówiąc o nowej francuskiej skrajności, enfant terrible Gaspar Noé, autor innych niepokojących prac, takich jak i Stand Alone I Climax, odcisnął swoje piętno zarówno na tym współczesnym ruchu, jak i na bardziej wszechobecnym podgatunku „gwałtu i zemsty” z 2002 roku z obrzydliwie dokładnym Irréversible. W tradycyjnych pracach wyzyskowych w tej formie, jak ostatni dom po lewej stronie, Pluję na twój grób, czy Thriller-okrutny Obraz, poznajemy bohaterkę, jesteśmy przerażeni podłym wykorzystywaniem seksualnym, przez które przechodzi, i jesteśmy usprawiedliwiani, gdy dokonuje gwałtownej zemsty na swoich męskich oprawcach. Noé, dosłownie, odwraca scenariusz, przedstawiając tę narrację w odwrotnej kolejności. Film zaczyna się od swobodnej kakofonii dźwięku, koloru, wirującej pracy kamery i straszliwej rzezi, ponieważ „zemsta” jest zaszczepiona komuś, o kim nie mamy żadnego kontekstu (zwłaszcza popełnionego nie przez kobietę, która odzyskuje inicjację, ale przez mężczyznę przepełnionego wściekłością). To brutalny kawałek przemocy bez kontekstu na początek filmu — a następna scena obejmuje bolesne, niemal niezauważalne długie ujęcie głównej postaci Moniki Bellucci, która została zgwałcona graficznie, zanim została pobita w śpiączkę. Ponownie, Noé przedstawia nam typowe rytmy thrillera gwałtu i zemsty, ale odwracając ich kolejność, zmusza nas do zbadania arbitralnej natury przemocy i pustki zemsty, lub bycia pieprzonym dupkiem, który zrobił bezwartościowy film, w zależności od Twojego ujęcia. Reszta Irréversible „miłosiernie” pokazuje chwile miłości, rozwoju postaci i człowieczeństwa dotyczące Bellucciego, ale wszystko to ma ponurą, obrzydliwą bladość, podświadome przypomnienie, że akty zła są rzeczywiście nieodwracalne, bez względu na powód.

człowiek gryzie psa

reżyserzy: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

scenarzyści: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Obsada: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

ze wszystkich wielu niepokojących filmów, które widziałem w swoim życiu, tylko jeden miał moc, aby zmusić mnie do przewijania sceny z powodu mojego osobistego dyskomfortu. Film ten to „Człowiek pogryzł psa”, znany w ojczystym Belgii jako ” c 'est arrivé près de chez vous” (skrót od frazy „It could happen to you”). Czarno-biały mockumentary (kolejny fundamentalny horror found-footage) już od samego tytułu opowiada o tym, jak konsumujemy i deifikujemy akty przemocy oraz o ich „zabawnym” poczuciu strachu, zwłaszcza w mediach informacyjnych. Grupa dziennikarzy śledzi mężczyznę o imieniu Ben (Benoît Poelvoorde, niesłychanie błyskotliwy). Jest czarujący, zabawny i tak się składa, że jest płodnym, sadystycznym seryjnym mordercą. Dziennikarze dążą do filmowania jego i jego coraz bardziej brutalnych zbrodni z poczuciem obiektywności. Ale po cichu, podstępnie, dziwnie, dziennikarze nie mogą pomóc, ale aktywnie uczestniczyć w jego zbrodniach, oskarżając nie tylko media informacyjne na całym świecie, ale nawet nas za chęć oglądania i śmiechu (tak, śmiech, film jest często czarno zabawny) przy takim filmie. Wszystko to kończy się sceną rzezi i jej następstw, która jest pokazywana tak swobodnie, tak graficznie i tak bez wyrzutów sumienia, że chciałbym móc ją przewijać do przodu w moim mózgu.

Melancholie der Engel

reżyser: Marian Dova

scenarzyści: Marian Dova, Carsten Frank

Obsada: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

znany niemiecki filmowiec Marian Dova stworzył wiele dzieł bezlitosnego obrzydzenia (nie Googluj tego, co zdarza się w raku, dla własnego dobra). Ale w 2009 roku Melancholie der Engel (Melancholia Anioła) mógł po prostu zrobić swoje „arcydzieło”. W ciągu dwóch i pół godziny Melancholie der Engel ma na głowie wiele filozoficznych rozważań, które na ogół prowadzą do absurdalnego nihilizmu praktykowanego przez Katze (Carsten Frank), który uważa, że zbliża się do końca życia. Tak więc, starając się przesunąć granice egzystencji tak daleko, jak tylko może, zanim ona przypadkowo się wymknie, on i grupa, um, „przyjaciół” angażują się w coraz bardziej przerażające, graficzne, pozornie niesymulowane akty deprawacji. Te akty ludzkiej degradacji, sfilmowane w brzydko wyglądającym cyfrowym wideo, są filtrowane przez wszelkiego rodzaju ” wielkie idee „obejmujące filozofie Dova i katolickie ideały winy i odkupienia, ale trudno jest odejść od tego filmu z inną myślą niż” dlaczego?”O co, jak sądzę, chodzi. Jeśli życzysz sobie, aby przed trylogią Richarda Linklatera były sceny z udziałem gówna, Melancholie der Engel może być dla ciebie.

Men Behind the Sun

reżyser: T. F. Mou

pisarze: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Obsada: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

okrucieństwa wojny, oddane w nędznych szczegółach. Men Behind the Sun, chiński filmowiec T. F. Mou, opisuje przerażające eksperymenty przeprowadzane na chińskich i syberyjskich jeńcach przez cesarskich Japońskich dowódców wojskowych podczas II wojny światowej z obrzydliwie groteskowymi efektami specjalnymi. Poza oczywistymi wewnętrznymi zakłóceniami filmu, pojawiają się również psychologiczne konsekwencje, zarówno wewnątrz, jak i poza tekstem. Ludzie za słońcem chcą zgłębiać prawdziwe traumy i prawdziwy ból, chcą ukazać granice patriotyzmu i przesuwającą się skalę nacjonalizmu, chcą przekazać niezbędny komunikat, że wojna jest i zawsze będzie piekłem. Ale chce też być wyzyskiwanym horrorem z efektami gore. Czy może mieć to w obie strony? Zasługuje na to? Jeśli to się powiedzie, czy nadal jest warte naszego czasu? Czy istnieją inne, bardziej smaczne sposoby na trawienie i przetwarzanie okropności zadawanych ludziom przez innych ludzi pod pozorem wojny? Czy też takie tępe wiadomości są naprawdę, naprawdę jedynym sposobem, aby przylgnąć do naszych mózgów?

Nekromantik

reżyser: Jörg Buttgereit

scenarzyści: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Obsada: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

szybkie zgadywanie: jak myślisz, o czym jest Nekromantik, bazując na tytule aone? Ding ding ding, zgadza się! To jest naprawdę, szczerze i bezczelnie o rżnięciu zwłok-a reżyser Jörg Buttgereit jest naprawdę, szczerze i bezczelnie zainteresowany pokazaniem tego wszystkiego. Film opowiada o parze, robie i Betty (Daktari Lorenz i Beatrice Manowski), którzy są chętnie i chorobliwie zainteresowani między skrzyżowaniami miłości, seksu i śmierci. Rob pracuje dla firmy, która czyści ciała z miejsc wypadków, i lubi trzymać pamiątki i trofea dla siebie i swojej dziewczyny do zabawy. W końcu to przerodzi się w pełną kradzież zwłok, co przerodzi się w ciekawą sytuację z udziałem najzwyklejszego użycia stalowej rury, jaką kiedykolwiek widziałem w kinie. Nekromantik, dla tych, których zmysły humoru są skłonne do zanurzenia się, w rzeczywistości wydobywa przyzwoitą ilość czarnej komedii z jej prawie nie do wydrukowania założenia, grając rytmy romantycznej miłości i szalonej zazdrości z krzykliwym zaangażowaniem i urokiem outsidera. Ale nie powstrzymuje to Filmu przed najokrutniejszymi przedstawieniami ludzkiego ciała, a momenty jego zakończenia są zdumiewające i dziwnie poetyckie.

Salò, czyli 120 dni Sodomy

reżyser: Pier Paolo Pasolini

scenarzyści: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Obsada: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

pradziadka niepokojącego Kina, szokującego horroru, który mimo (z powodu?) jego ekstremalna treść, przyniosła temu rzadkiemu dziełu prestiżową kanonizację kina. Tak jest, przyjaciele.: Możesz kupić Salò, czyli 120 dni Sodomy w eleganckim pakiecie Blu-ray Criterion Collection, z agresywnymi graficznymi przedstawieniami skorumpowanego faszyzmu i zwierzęcym impulsem w wymagających, irytujących szczegółach. Ostatni film Pier Paolo Pasoliniego przed morderstwem salò inspirowany jest w równym stopniu 120 dniami Sodomy Markiza de Sade, wpływowym dziełem na temat granic i punktów przełomowych ludzkiej degradacji i seksualności (stąd pochodzi słowo „sadyzm”!), oraz prawdziwe horrory zadane przez faszystowski rząd włoski podczas II Wojny Światowej. Niezliczeni młodzi ludzie są torturowani, okaleczani, zmuszani do dokonywania niewyobrażalnych czynów przeciwko sobie i zabijani w sposób, który wydaje się istnieć tylko po to, aby zaspokoić coraz bardziej ponure zachcianki swoich oprawców. Salò to brutalny zegarek, który nie jestem pewien, czy ktoś może „polecić”, ale jest bardzo ważny. To film, który obnaża cienką krawędź między ludzkością a złem pod auspicjami hierarchicznych struktur władzy, film, który pokazuje, jak głębokie okrucieństwo może przebiegać. Nie jest idealny do oglądania podczas jedzenia.

morderstwa w Snowtown

reżyser: Justin Kurzel

scenarzyści: Shaun Grant, Justin Kurzel

Obsada: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

morderstwa w Snowtown, oparte na serii morderstw z prawdziwego życia w Adelaide w Australii, to potworne powolne oparzenie, spojrzenie pod zgrzybiałym mikroskopem dysfunkcyjnych małych, małych morderstw.-Wspólnoty miejskie, skrzyżowanie Harmony Korine i Michaela Haneke, debiut reżyserski Justina Kurzela. Zdeterminowany, aby uwolnić swoją społeczność od wyraźnego zagrożenia ze strony pedofilów i homoseksualistów, które jest bardziej niż skłonny do zatruwania, John Bunting (przerażający Daniel Henshall) rekrutuje grupę ludzi z niższej klasy, w tym ofiarę przemocy seksualnej Jamie Vlassakis (łamiący serce Lucas Pittaway), aby znaleźć, torturować i zamordować tych, którzy na to zasługują. Kadr Kurzela jest nietuzinkowy i niepokojąco stylowy, wykorzystując zarówno siłę jawnej rzezi, jak i ukrytego terroru, aby nieustannie wbijać śrubokręt w wnętrzności widza. Psychologicznie Snowtown nigdy nikogo nie wypuszcza z haka – ani mordowanych pedofilów, ani widzów, którzy mogą uznać tę akcję za mściwą, ani Jamie ’ ego za poddającego się tej nowej kuszącej postaci, a już na pewno nie samego Johna Buntinga. To ponure, ponure, ponure rzeczy, film, który bada najbardziej nikczemną i podłą ludzką naturę w sposób, który sprawi, że poczujesz empatię, a potem będziesz potrzebował prysznica.

Tetsuo: Iron Man

reżyser / scenarzysta: Shinya Tsukamoto

Obsada: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

jeśli uważasz, że czarne lustro przeszkadza, jeszcze nic nie widziałeś. Iron Man to twardy zegarek. To eksperymentalny, czarno-biały koszmar w dialogu z podobnymi kultowymi klasykami jak wspomniany Eraserhead czy Begotten. Mniej interesuje go smakowita narracja sci-fi, niż niespotykana eksploracja nastroju. A „nastrój”, dzięki uprzejmości znanego japońskiego kultowego filmowca Shinyi Tsukamoto, jest „ponury”. Tetsuo jest technicznie filmem cyberpunkowym. Cyberpunk fiction interesuje się mieszaniem ludzi z ulepszeniami cybernetycznymi. I Tetsuo: Iron Man bierze ten impuls i katapultuje go do swoich skrystalizowanych skrajności, rozbierając wszystkie inne części dla samego celu ” człowieka plus metalu.””Człowiek” tego równania, grany z hipnotyczną obsesją reżysera filmu, postrzega kawałki metalu jako brutalne fetysze, które zasługują na jak największą pochwałę i fuzję — jego pierwszą akcją w filmie jest rozcięcie własnej nogi i wepchnięcie w nią kawałka metalu. Kiedy jednak salaryman (po japońsku „pracownik umysłowy”) Tomorowo Taguchi zaczyna dosłownie kiełkować metal jako kulminacja jego gwałtownych snów i fantazji rozmywających rzeczywistość, obaj zmierzają się w nieubłaganie nihilistyczny sposób.

Tetsuo: Iron Man jest pełen niepokojących obrazów, szczególnie gdy tytułowy Iron Man i jego w pełni ludzka dziewczyna (Kei Fujiwara) próbują kopulować, mimo że jest, no wiesz, Iron Manem. Ale to nie jest szok dla szoku — Tsukamoto ma wiele na głowie, a każdy aspekt jego gorączkowego snu, od ponurych ręcznie robionych efektów makijażu po smeary aparat 16 mm, przemawia w służbie jego ostatecznej tezy: połączenie technologii i rasy ludzkiej całkowicie zniszczy nas wszystkich.

miłego oglądania! 🙂

aby dowiedzieć się więcej, sprawdź naszą listę najstraszniejszych filmów Disneya, jakie kiedykolwiek powstały.