niezależnie od tego, czy ci się to podoba, czy nie, Zdjęcia muszą być przetwarzane. Nie będę nawet wdawał się w to, że zawsze tak było, ponieważ analogowe Kamery filmowe były w rozkwicie. Wtedy był inny sposób. Najważniejsze jest jednak to, że postprodukcja jest nieodłączną, podstawową częścią procesu tworzenia, z którym będziesz musiał sobie poradzić, jeśli chcesz, aby Twoje obrazy się wyróżniały.
- Odkryj te 8 niesamowitych wskazówek dotyczących fotografii krajobrazowej za pomocą smartfona
- dowiedz się wszystkiego o tym, jak zostać profesjonalnym fotografem krajobrazu
- sprawdź tę 7-dniową letnią wycieczkę Fotograficzną Senja
w tym artykule skupimy się na przetwarzaniu końcowym w fotografii krajobrazowej, która na ogół ma bardzo osobliwy przepływ pracy. Jako bonus, na końcu artykułu pokażę Ci, jak ogólnie przetwarzam moje zdjęcia, wykonując jedno z nich od początku i edytując je aż do końca, abyś mógł zobaczyć, jak to zrobić sam, krok po kroku.
- Zobacz także: fotografowanie fal na Islandii / w polu Do Post Processing
co to jest edycja Post w fotografii?
kiedy mówimy o postprodukcji obrazu, odnosimy się do wszystkiego, co dzieje się (do zdjęcia) po fazie fotografowania.
faktem jest, że wiele osób, zarówno fotografów, jak i nie-fotografów, odnosi się do słów „edycja postów” jako pewnego rodzaju nieinteligentnej magii, którą tylko komputerowi kujoni i „fałszywi fotografowie” (czy to w ogóle jest rzecz?) użycie. Tymczasem „prawdziwi fotografowie” robią zdjęcia w terenie, bez pomocy oprogramowania do edycji.
przyjrzyjmy się przykładowi „prawdziwego” znaczenia przetwarzania końcowego. Powiedzmy, że nie udało ci się wyprostować horyzontu w polu. Mogło to być spowodowane tym, że strzelałeś w pośpiechu lub z niewygodnej pozycji. Proste kliknięcie (dosłownie jedno kliknięcie) w programie Adobe Lightroom pomoże wyprostować zdjęcie, które można następnie przystąpić do przycięcia, jeśli na krawędziach znajdują się niechciane obiekty.
nazwałbyś to czarodziejstwem? Uznałbyś to zdjęcie za „fałszywe” tylko dlatego, że zostało wyprostowane i przycięte? Nie wydaje mi się, prawda?
myślę, że bardzo ważne jest, abyś zrozumiał, że postprodukcja jest naturalnym aktem, który następuje po uchwyceniu surowego obrazu w terenie; nie jest to coś opcjonalnego, co możesz zrobić, czy nie. Powodem tego jest to, że plik RAW po prostu rejestruje wszystkie dane na scenie, bez żadnych szczególnych korekt. Możesz przeczytać więcej o plikach RAW vs JPEG tutaj. Jeśli chcesz zwiększyć poziom fotografii, musisz usiąść za komputerem i pracować nad zdjęciami.
w tym artykule poświęcę trochę czasu na demontaż wszystkich mitów i legend dotyczących postprodukcji, ponieważ Twoje zdjęcia będą z tego korzystać tylko wtedy, gdy nauczysz się, jak to zrobić poprawnie.
jednak jedno trzeba powiedzieć: jest cienka, niewidoczna linia, w której postprodukcja staje się cyfrową manipulacją, a Fotografia staje się cyfrową sztuką. Nie jest możliwe zapisanie kryteriów „osądzania”, co jest jednym, a co drugim, ponieważ każdy przypadek powinien być rozpatrywany osobno.
- Zobacz także: zalecane ustawienia aparatu do fotografii krajobrazowej
dlaczego musimy przetwarzać nasze zdjęcia?
spróbuj zrobić ciasto i pomiń część, w której należy je upiec w piekarniku. Ciasto może okazać się dobre, ale kto będzie wiedział, jeśli nie jest gotowane? Jeśli zostawisz go na surowo, jestem pewien, że nie będzie smakował dobrze.
pozostawienie nieprzetworzonego pliku RAW jest jak chęć upiec ciasto, ale zapominając umieścić go w piekarniku. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
spróbuj też ugotować spaghetti i pominąć część, w której dodajesz SOS. Makaron może być sto razy lepszy z odpowiednim sosem, ale nigdy nie dowiesz się, jeśli nie używasz żadnego. Zamiast tego będzie mdły i niedokończony.
przepraszam, jeśli tylko dwa przykłady, których użyłem, dotyczą jedzenia, ale wiesz, jestem Włochem i zawsze myślimy o jedzeniu! Chyba zrozumiałeś, co próbuję powiedzieć. Pliki RAW, które kręcisz w terenie to spaghetti, a postprodukcja to sos.
jak już wspomniałem we wstępie, postprodukcja jest fundamentalną częścią procesu twórczego. Osobiście powiedziałbym, że to przynajmniej dobre 40% tego, co sprawia, że ostateczne zdjęcie jest świetne.
technicznie rzecz biorąc, plik RAW, który wychodzi z naszych kamer, nie pokazuje prawdziwej sceny; powiem wprost, nie ma mowy, żebyś był w stanie nakreślić prawdziwą scenę tak, jak jest w tym konkretnym momencie. Możesz się zbliżyć, ale nie oprawisz rzeczywistości.
pozwól mi wyjaśnić dlaczego. Jeśli zdecydujesz się na fotografowanie w formacie RAW, wyjście będzie nieprzetworzonym obrazem bez kontrastów i prawie żadnego koloru w porównaniu z tym, co widzisz na własne oczy w tym momencie. To dlatego, że surowy obraz potrzebuje postprodukcji, aby ożywić. Wszystkie informacje są zawarte w pliku, wystarczy je wydobyć za pomocą oprogramowania do edycji.
jeśli zdecydujesz się na użycie formatu JPEG zamiast RAW, nie możesz być dumny z siebie, ponieważ „nie robisz żadnej postprodukcji swoich zdjęć”. Technicznie rzecz biorąc, nie będziesz wykonywać żadnego przetwarzania końcowego samodzielnie, ponieważ aparat wykona całą pracę za Ciebie.
jeśli nie wiesz, pliki JPEG są automatycznie edytowane przez procesor aparatu z niektórymi bardzo standardowymi i podstawowymi parametrami, takimi jak „kontrast” lub „nasycenie”. JPEG są przydatne tylko wtedy, gdy jesteś na zadaniu i nie możesz tracić czasu na edytowanie zdjęć lub musisz od razu wysłać je do swojej agencji; we wszystkich innych przypadkach preferowane jest fotografowanie w formacie RAW.
podsumuję to: możesz zdecydować się na edycję zdjęć, które robisz samodzielnie lub pozwolić aparatowi wykonać całą pracę za Ciebie i rozliczyć się z końcowym wynikiem. W pierwszym przypadku będziesz mieć pełną kontrolę nad dostosowaniami, które wykonasz na swoim obrazie. W tym ostatnim prawie nic nie można zrobić, oprócz zmiany kilku suwaków w menu aparatu.
czy naprawdę muszę ci powiedzieć, która z nich jest najlepsza? Proszę bardzo, to jest odpowiedź na pytanie tego rozdziału.
- Zobacz też: najlepsze programy i aplikacje do edycji zdjęć dla 2020
rodzaje postprodukcji
zagłębimy się nieco dalej w świat postprodukcji w fotografii krajobrazowej. W tym rozdziale przyjrzymy się głównym gałęziom postprodukcji, jeśli chodzi o krajobrazy: ekspozycje pojedyncze i wielokrotne.
jest rzeczą oczywistą, że pojedyncze ekspozycje są na ogół znacznie łatwiejsze do pracy, ponieważ można skupić się tylko na korektach obrazu, takich jak kolory i kontrasty. W przypadku ekspozycji wielokrotnych musisz poradzić sobie z układaniem obrazów, bracketingiem, maskowaniem i precyzyjnymi selekcjami.
istnieją dwa rodzaje przetwarzania końcowego: pojedyncze obrazy i wielokrotne ekspozycje. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
ze względu na ten artykuł użyję Adobe Camera RAW do edycji plików RAW. Następnie użyję Adobe Photoshop do ostatecznych korekt i selektywnej edycji poszczególnych części obrazu.
- Zobacz także: Ultimate Guide to Luminar by Skylum
pojedyncze ekspozycje
zacznijmy od łatwiejszego: pojedynczych ekspozycji. Użyję poniższego obrazu, aby przeprowadzić Cię przez korekty, które zwykle robię w 90% moich zdjęć. Ten proces pomoże Ci osiągnąć lepsze wyniki w postprodukcji.
przed i po obróbce końcowej. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
korekty Raw
na poniższym zrzucie ekranu możesz zobaczyć plik RAW, zanim cokolwiek dotknę, co da ci wyobrażenie o punkcie wyjścia. Pierwszym krokiem jest rozpoczęcie od podstawowych korekt w programie Adobe Camera RAW (lub Lightroom, jeśli wolisz).
zawsze najpierw patrz na temperaturę i odcień. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
pierwsze rzeczy, na które należy zawsze patrzeć, to temperatura i odcień. W tym przypadku Fotografowałem Nikonem D750, który generalnie ma silną dominację w kolorze magenta, choć tym razem źle ustawił Automatyczny balans bieli. Była to już Niebieska godzina, z mnóstwem niebieskich odcieni w cienistych obszarach kadru i silną magentą rzuconą na szczyty i niebo. Aparat odczytuje wszystko jako czerwonawe.
aby rozwiązać taki problem, wystarczy dostosować temperaturę. Przesunąłem suwak temperatury nieco w kierunku zimniejszych tonów, a suwak odcienia w kierunku magenty. Na poniższym zrzucie ekranu możesz zobaczyć, jak ta prosta regulacja już poprawiła obraz, dzięki tonom, które lepiej pasują do tej pory dnia. Spłaszczyłem również obraz nieco bardziej, podnosząc czernie / cienie i obniżając podświetlenia. Ta technika daje większą elastyczność podczas pracy z kontrastami później w Photoshopie.
kolejnym krokiem w programie Adobe Camera RAW jest dodanie wyrazistości, aby poprawić mikro-kontrasty i nadać obrazowi ostrzejszy ogólny wygląd. Za kwotę nigdy nie przekraczaj +20, w przeciwnym razie możesz uzyskać ziarnisty i nieprzyjemny wygląd.
dodaj trochę jasności. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
ostatnim krokiem jest przejście do sekcji korekcji obiektywu (między ikonami tuż pod danymi EXIF) i zaznaczenie dwóch przycisków „Usuń aberrację chromatyczną” i „włącz korekty profilu”, tak jak widać na zrzucie ekranu poniżej. Automatycznie usunie aberracje kolorów (jeśli takie istnieją) i poprawi „problemy” obiektywu (na przykład zniekształcenia).
Usuń aberrację chromatyczną i zniekształcenia obiektywu. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
- Zobacz także: Jak wybrać wersję Lightrooma do kupienia
korekty Photoshopa
nadszedł czas, aby „przekazać piłkę” potężnemu Adobe Photoshopowi. Wiem, że wielu fotografów zastrasza mnogość funkcji, które zawiera To oprogramowanie. Jednak prawda jest taka, że potrzebujemy tylko kilku z nich, aby nasze obrazy wyskakiwały nieco bardziej.
jednym z głównych pojęć, które powinieneś zrozumieć podczas pracy z programem Photoshop, jest sposób działania „warstw”. Wyobraź sobie obraz podstawowy jako jeden biały arkusz. Każda warstwa, którą utworzysz, będzie nowym arkuszem, w którym zrobisz rzeczy, które wpłyną na podstawową. O tym, jaki wpływ na obraz podstawowy będą miały inne warstwy, decyduje użytkownik za pomocą takich narzędzi, jak pędzle, gradienty lub krycie warstwy.
jest to bardzo krótki i niekompletny opis tego, czym są warstwy Photoshopa, ale gdy już zdobędziesz wiedzę na temat ich działania, będzie to łatwiejsze niż myślisz.
warstwa dopasowania krzywych. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
zacznijmy od dostosowania, które widzisz w powyższym oknie, o nazwie „krzywe”. Aby utworzyć tę warstwę, po prostu przejdź do górnego paska menu. W sekcji warstwa wybierz „Nowa warstwa dopasowania”, a następnie”krzywe”.
najbardziej klasyczną krzywą jest „krzywa S”. Nazywa się to, ponieważ ma kształt litery „S”. Technika ta zasadniczo dodaje kontrast, obniżając krzywą w sekcji cieni i podnosząc ją w sekcji podświetlenia. Jeśli chcesz mieć pewność, że nie tracisz żadnych szczegółów w cieniu, pamiętaj, aby nieznacznie podnieść najniższy punkt krzywej.
warstwa regulacji balansu kolorów. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
druga warstwa, którą zamierzamy utworzyć, to warstwa balansu kolorów. Znajdziesz go dokładnie tam, gdzie znalazłeś dopasowanie krzywych-pod ” warstwą „na górnym pasku, a następnie wybierając” nową warstwę dopasowania”, a następnie”balans kolorów”.
dzięki tej regulacji możesz zmienić rzuty kolorów w określonych obszarach obrazu. Jak widać w małym oknie, zaznaczone są „środkowe”, ale można również przełączyć się na” podświetlenia „lub”cienie”. To, co wybierzesz, zależy od obszaru klatki, nad którym chcesz pracować.
w tym konkretnym przypadku postanowiłem po prostu popracować nad midtones. Dodałem trochę Czerwieni, karmazynu i żółci, jednocześnie wyjmując trochę cyjan, zieleni i niebieskiego.
nie naciskaj zbytnio na suwaki, ponieważ możesz wprowadzać zauważalne zmiany przy niskich wahaniach kwoty. Jak widać, dokonałem poprawek przez +3/-2/-2, więc nie ma prawie nic, aby zobaczyć umiarkowaną różnicę.
tylko trochę podkręciłem suwaki, aby uzyskać duży efekt. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
- Zobacz: Zrozumienie suwaków HSL w Lightroom
teraz przejdziesz do najbardziej złożonej części tego samouczka Photoshopa: maskowanie. Masz podstawową wiedzę na temat działania warstw, więc nadszedł czas, aby zrozumieć koncepcję masek. Mówiąc prościej, maski warstw umożliwiają ukrywanie (lub ujawnianie) części obrazu do zastosowanego dopasowania.
czy widzisz te białe prostokąty w prawej dolnej części zrzutu ekranu, w oknie warstwy? Są to białe maski, które są tworzone automatycznie podczas tworzenia nowej warstwy dopasowania.
na tym obrazie utworzyłem trzecią warstwę do regulacji jasności/kontrastu. Obniżyłem zarówno jasność, jak i kontrast obrazu o dość znaczną ilość. Nie chciałem jednak, aby ta regulacja miała wpływ na cały obraz – chciałem tylko wzmocnić światło dochodzące z prawej strony, przyciemniając nieco lewą część kadru.
aby to osiągnąć, musiałem zamaskować (ukryć, w tym przypadku) prawą stronę obrazu do regulacji jasności/kontrastu. Jak widać na poniższym zrzucie ekranu, prawa część białego prostokąta obok warstwy jasność / kontrast jest czarna. To dlatego, że użyłem czarnego, promieniowego gradientu (który znajdziesz w lewym pasku menu) i” pomalowanego ” na masce, aby ukryć ten obszar obrazu z dopasowania. W ten sposób wpłynie to tylko na lewą część.
malowanie na masce. Foto by: Leonardo Papèra (Ang.).
po tych dostosowaniach wróciłem do górnego paska menu w sekcji warstwa i wybrałem „nowa warstwa dopasowania”. Tym razem wybrałem „Selective Colour”, który jest niezwykle użytecznym i potężnym narzędziem w pracy nad kolorami.
po otwarciu tej warstwy dopasowania w sekcji „Kolory” będziesz mógł wybrać konkretny kolor, nad którym chcesz pracować (czerwony, żółty, niebieski, zielony itp.) I zmienić ilość Cyjan, magenta, żółty i czarny.
Co to znaczy? Cóż, jak widać na zrzucie ekranu poniżej, postanowiłem pracować tylko nad odcieniami magenty. Udało mi się usunąć trochę cyjanku i dodać trochę magenty i trochę żółtego. Usunięcie cyjanu oznacza dodanie czerwieni, ponieważ jest to uzupełniający kolor cyjanu. Dodanie magenty oznacza usunięcie zieleni. Podobnie, dodanie żółtego oznacza usunięcie niebieskiego. Wszystkie te korekty kolorów były tylko w stosunku do koloru karmazynowego, więc jedyne obszary, w których zostaną zastosowane te zmiany, to obszary, w których oprogramowanie lokalizuje odcienie karmazynowe i nigdzie indziej.
Nie będę kłamać: na początku może to być mylące i trochę potrwa, zanim przyzwyczaisz się do tego narzędzia. Jedynym sposobem, aby nauczyć się poprawnie pracować z tymi wszystkimi suwakami, jest testowanie i próbowanie tysiąc razy.
dostosowanie tylko magentas. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Poniżej znajduje się zrzut ekranu, w którym zdecydowałem się pracować tylko na białych, w zasadzie stosując te same odmiany, które zrobiłem dla magentas.
Praca tylko na białych. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
i tyle! Są to narzędzia, które prawdopodobnie będą najczęściej używane podczas pracy w Adobe Camera RAW i Photoshop.
jak zapewne zauważyliście, największą różnicą były podstawowe różnice w Camera RAW, takie jak temperatura barwowa i odcień. Powinieneś zacząć od opanowania tych narzędzi, które są dość proste w użyciu. To tam naprawdę rozwiniesz oko, jakiego rodzaju korekt żąda obraz.
ostateczny wynik. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
nie chodzi w szczególności o narzędzia, chodzi raczej o to, jak z nich korzystasz!
- Zobacz: Fotografia HDR na Islandii / exposure Blending dla początkujących
Wielokrotna ekspozycja
w tej sekcji przyjrzymy się dwóm najczęstszym rodzajom wielokrotnej ekspozycji w fotografii krajobrazowej: ustawianiu ostrości i HDR. Przejdziemy przez kroki, które musisz wykonać, aby dotrzeć do punktu, w którym możesz połączyć wszystkie ekspozycje, aby pracować nad jednym obrazem bazowym. Następnie możesz wykonać te same kroki w poprzedniej sekcji, aby przetworzyć pojedynczą ekspozycję.
Ustawianie Ostrości
ta niezwykle przydatna technika stała się dość popularna wśród fotografów krajobrazowych w ciągu ostatnich kilku lat. Układanie ostrości pomaga uzyskać ostrość, gdy na pierwszym planie masz naprawdę bliskie obiekty, które w przeciwnym razie byłyby rozmyte.
Sekwencja czterech obrazów o różnych obszarach ostrości. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
jak widać na powyższych obrazach, klasyczna Sekwencja ustawiania ostrości zaczyna się od uzyskania ostrości tła i powoli przełącza ostrość na pierwszy plan. Aby uzyskać więcej informacji o tym, jak wykonać serię zdjęć z ustawianiem ostrości, zapoznaj się z naszym najlepszym przewodnikiem po ustawianiu ostrości.
Załóżmy jednak, że masz już zrobione sekwencję zdjęć. Teraz omówimy, jak możesz połączyć wszystkie te zdjęcia w jeden obraz za pomocą programu Adobe Photoshop.
Krok 1: Otwórz sekwencję w programie Photoshop jako warstwy
pierwszym krokiem jest otwarcie wszystkich warstw na jednym obrazie, jak widać na zrzucie ekranu poniżej. Aby to zrobić, możesz otworzyć każdy z nich osobno,a następnie przejść do sekcji „warstwa” w menu → „duplikat warstwy” → wybierz swój obraz bazowy. Można je również wybrać w programie Lightroom i klikając prawym przyciskiem myszy otworzyć je „jako warstwy” w programie Photoshop (co jest znacznie łatwiejsze).
Otwórz sekwencję w programie Photoshop jako warstwy. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Krok 2: Wyrównaj obrazy
bardzo łatwym, ale podstawowym krokiem jest wybranie wszystkich warstw i pod sekcją „Edytuj” kliknij „Auto-Wyrównaj warstwy”, aby nie było żadnych różnic między każdą warstwą.
automatyczne wyrównywanie warstw. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Krok 3: Maska!
nie ma innego sposobu na obejście tego. W tym momencie musisz zająć się maskowaniem. Aby to zrobić, po prostu ujawnij części ostrości każdej warstwy, aż do uzyskania obrazu, w którym wszystko jest w centrum uwagi. Narzędzie Pędzel (w lewym pasku) pomoże Ci podczas maskowania.
maskuj nieostre części i maskuj części, które są w centrum uwagi. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
wynik końcowy powinien wyglądać mniej więcej tak jak na powyższym zrzucie ekranu. Wszystkie maski mają niektóre części w kolorze białym i niektóre części w kolorze czarnym, co oznacza, że niektóre części tych warstw są widoczne, podczas gdy inne obszary są ukryte. Może to wymagać trochę czasu, aby przybić układanie i osiągnąć przyzwoity wynik, bez aureoli lub dziwnych rzeczy dzieje się gdzieś w kadrze. Twoje wysiłki będą tego warte, ponieważ wynik będzie niesamowity!
- Zobacz także: ustawienia fotografii krajobrazowej / Jak ustawić ostrość
obrazy HDR (High Dynamic Range)
teraz, gdy przyjrzeliśmy się układaniu ostrości, praca z obrazami HDR będzie łatwiejsza niż spacer po parku! Nie będziemy nawet musieli używać Photoshopa w tym przypadku, ponieważ Lightroom ma najlepszy algorytm, jeśli chodzi o łączenie różnych ekspozycji razem. Wykonaj te proste kroki, aby uzyskać pojedynczy obraz HDR z wielu ekspozycji!
Krok 1: Importuj sekwencję HDR w programie Lightroom
po otwarciu programu Lightroom w lewym dolnym rogu znajdziesz „Importuj”. Stamtąd będziesz mógł przenieść sekwencję HDR do biblioteki Lightroom.
Importuj sekwencję HDR w programie Lightroom. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Krok 2: Utwórz obraz HDR
po zaimportowaniu wszystkich zdjęć, po prostu kliknij prawym przyciskiem myszy i wybierz „Photomerge → HDR”, jak widać w powyższym oknie.
po kliknięciu HDR pojawi się nowe okno: pamiętaj, aby sprawdzić funkcję automatycznego wyrównywania i odznaczyć ustawienia Automatyczne (szczerze nie robi to wielkiej pracy). O ile nie przesunąłeś się trochę podczas robienia sekwencji, nie używaj funkcji Deghost, ponieważ stworzy ona artefakty, szukając różnic między ujęciami.
Utwórz obraz HDR. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
po zakończeniu ustawień kliknij przycisk „Scal” i to wszystko! Program Lightroom utworzy funkcjonalny plik DNG, za pomocą którego można rozpocząć dostosowywanie kolorów i kontrastu, tak jak w rozdziale pojedyncze ekspozycje. Tak, to takie proste!
-
: Ultimate Guide to HDR Photography
jak zrobić zdjęcie krajobrazu bardziej interesujące
w tym rozdziale podzielę się dwoma przydatnymi technikami, z których korzysta prawie każdy profesjonalny fotograf krajobrazu, które pomogą Ci stworzyć znacznie bardziej interesujące zdjęcia. Są to technika Dodge / Burn i efekt Ortona.
możesz uczynić obraz krajobrazu bardziej interesującym za pomocą dwóch łatwych technik. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Dodge & Burn
ta potężna technika jest bardzo popularna wśród fotografów krajobrazu i polega na malowaniu szarą warstwą pędzlem, koncentrując się na kolorach (lub świetle), które chcesz poprawić. Zobaczmy, jak to działa.
Krok 1: Utwórz szarą warstwę o kryciu 50%
po otwarciu zdjęcia w programie Adobe Photoshop następną rzeczą, którą powinieneś zrobić, jest utworzenie nowej szarej warstwy, na której będziesz później malować. Aby go utworzyć, przejdź do sekcji „warstwa” na górnym pasku i wybierz „Nowa → warstwa”.
Utwórz 50% szarej warstwy. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
w tym momencie pojawi się okno powyżej. Zmień tryb z „Normalny” na „miękkie światło” (jak pokazano) i zaznacz pole ” wypełnij neutralnym kolorem miękkiego światła (50% szarości)”.
Gratulacje, właśnie stworzyłeś swoją pierwszą warstwę dodge i burn!
Dodge and burn layer. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
teraz, jak widać w polu warstwy w prawym dolnym rogu powyższego obrazu, warstwa dodge i burn jest gotowa do użycia.
Krok 2: Maluj!
używając ciepłego pędzla o 30% nieprzezroczystości, namalowałem po lewej stronie ramy, dokładnie tam, skąd dochodzi światło. Użyłem bardzo jasnego koloru, aby podkreślić ciepłe kolory wschodu słońca i luminancję tego obszaru.
farba na warstwie, aby uniknąć i spalić. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
możesz kontynuować malowanie w innych częściach obrazu, może zaciemniając trochę nieba czernią, aby nadać zdjęciu więcej dramatyzmu lub wybierając Biel, aby rozjaśnić obszary, które chcesz podkreślić. To jest unikanie i palenie!
- Zobacz także: 5 prostych porad Lightroom Post Processing dla fotografii krajobrazowej
efekt Ortona
stworzony przez Michaela Ortona, efekt ten przybrał wiele różnych nazw w ciągu ostatnich kilku lat. Opisywany jest również jako” efekt bajkowy”,” marzycielski wygląd ” itp. Zasadniczo efekt Ortona polega na dodaniu odrobiny rozmycia do obrazu, aby stworzyć miękki, gładki wygląd, który zakładam, że można nazwać „marzycielskim”. Wykonaj kolejne kroki, aby osiągnąć ten wygląd!
Krok 1: rozmycie Gaussa
zastosowanie rozmycia Gaussa jest dobrym 80% procesu. Pierwszy (i fundamentalny!) krok, który należy wykonać, to utworzenie zduplikowanej warstwy, aby rozmycie nie miało wpływu na oryginalną warstwę. Opcja ” Duplikuj warstwę „znajduje się pod sekcją” warstwa ” na górnym pasku.
utwórz warstwę rozmycia Gaussa. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
po utworzeniu warstwy kopiującej przejdź do sekcji „Filtr” (nadal na górnym pasku) → „Rozmycie” → „Rozmycie Gaussa”.
Zastosuj rozmycie Gaussa. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
teraz pojawi się to małe okno. Aby wybrać promień, istnieje ogólna zasada, która mówi, że należy użyć tej samej ilości, co megapiksele aparatu. Na przykład Ten obraz został nakręcony przy użyciu Nikona D800, który ma megapiksele 36, więc poszedłem na Gaussa promień rozmycia 36 pikseli.
zasada jest pobieżna, więc nie martw się, jeśli nie wybierzesz dokładnie megapikselowej ilości swojego aparatu. Po zakończeniu kliknij OK, i dodałeś rozmycie!
Krok 2: Zmniejsz krycie i zmień tryb mieszania
teraz, gdy zastosowałeś rozmycie, prawdopodobnie zastanawiasz się, co do cholery zrobiłeś źle. Wszystko jest zamazane.
nie panikuj! Jeśli zaznaczysz okno warstwy w prawym dolnym rogu, zobaczysz suwak „krycie”, w którym możesz wybrać procent krycia, który chcesz nadać danej warstwie. Dla efektu Ortona polecam nie przekraczanie 10-15%.
zmniejsz krycie i zmień tryb mieszania. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
Po ustawieniu krycia nadszedł czas na zmianę trybu mieszania. Aby to zrobić, wystarczy lekko przesunąć mysz w lewo (w oknie tutaj, gdzie jest napisane „Nakładka”, tuż obok krycia) i pojawi się długa lista różnych trybów mieszania. Aby dać małe „uderzenie kontrastu” obrazowi, polecam użycie trybu Nakładki. Jeśli chcesz rozjaśnić ramkę, tryb „ekran” jest również ważną opcją.
- Zobacz także: tworzenie efektów Starburst w fotografii krajobrazowej
przepływ pracy po przetwarzaniu
jak już pewnie widzieliście, tak wygląda mój interfejs Photoshopa. Kolejność wszystkich moich okien znacznie poprawia mój przepływ pracy po przetwarzaniu.
Skonfiguruj swoje okna, aby poprawić przepływ pracy. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
najważniejszym oknem jest zdecydowanie jedna warstwa, po której następuje wybór koloru, a następnie Nawigator / Histogram. Ikony obok Nawigatora po lewej stronie są w rzeczywistości skrótami: pierwszy z nich służy do dopasowywania warstw (wysoce zalecane!), podczas gdy pozostałe dotyczą historii, działań i kanałów. Gorąco polecam korzystanie z historii, jeśli robisz coś złego i chcesz wrócić po swoich krokach!
chociaż ta kolejność windows działa dla mnie, możesz znaleźć inną konfigurację, która działa dla Ciebie. Niezależnie od tego, czy zdecydujesz się zorganizować swój system windows, upewnij się, że pasuje do twojego przepływu pracy i nie przeszkadza ci w żaden sposób. Najlepiej mieć łatwy dostęp do wszystkich narzędzi, których regularnie używasz, aby nie zwolnić się niepotrzebnie.
- Zobacz: Wywiad z Dany Eid / klucz do udanej fotografii krajobrazowej
podsumowanie
pozwól, że powtórzę po raz ostatni, zanim zamknę artykuł: postprodukcja jest niezbędna do poprawy poziomu fotografii! W związku z tym musisz poświęcić dużo czasu na naukę, jak prawidłowo tworzyć przepływ pracy i jak rozwijać swój osobisty styl dzięki doświadczeniu.
Post-processing pomoże Ci osiągnąć własny styl w fotografii krajobrazowej. Zdjęcie: 'Leonardo Papèra’.
mam nadzieję, że ten artykuł dał ci (przynajmniej) zrozumienie samych podstaw postprodukcji, dzięki czemu będziesz miał dobry pomysł, jak postępować, gdy otworzysz swoje zdjęcia na komputerze.
o autorze: Leonardo Papèra jest fotografem krajobrazu i przyrody z siedzibą we Włoszech. Więcej jego prac można znaleźć na jego stronie internetowej lub obserwując go na Instagramie.
