pochodzący z Los Angeles filmowiec Noam Kroll pracuje obecnie nad swoim drugim filmem fabularnym. Prowadzi bloga produkcyjnego na swojej stronie internetowej NoamKroll.com. w tym poście na blogu pisze o skupieniu się na postaciach, aby zbudować lepszy scenariusz. Zajrzyj na blog Krolla tutaj, a jego firma produkcyjna Dom postprodukcyjny Creative Rebellion tutaj
pisanie scenariusza jest aktem balansującym i podczas gdy wszystkie komponenty muszą współpracować w harmonii, jedynym komponentem, który może naprawdę stworzyć lub złamać scenariusz (moim zdaniem), jest postać. Innymi słowy, możesz mieć najpiękniej napisany łuk historii i idealną strukturę do swojego scenariusza, ale jeśli twój główny bohater jest nudny i płaski, Wszystko inne rozpada się na kawałki. I odwrotnie, możesz mieć historię, która wymaga pracy, a ogólne tempo może być wyłączone, ale jeśli twój główny bohater jest przekonujący, twoja publiczność pozostanie zaangażowana w film, niezależnie od niektórych wad, które może mieć. W idealnym świecie chcesz znaleźć równowagę, o której wspomniałem powyżej, gdzie wszystkie komponenty harmonijnie ze sobą współpracują, a jednym pewnym sposobem na rozpoczęcie we właściwym kierunku jest najpierw skupienie się na pisaniu warstwowych znaków o znaczeniu i celu.
oto moje 5 najlepszych wskazówek dotyczących pisania silniejszych postaci do scenariusza:
popularne na Indiewire
#1 – spraw, aby Twoja postać była lubiana na początku
jeśli oczekujesz, że publiczność będzie kibicować Twojej głównej postaci przez następne 90 minut filmu, lepiej zrób coś wcześnie, aby upewnić się, że na to zasłużyłeś. Niektórzy Guru scenopisarstwa (w szczególności Blake Snyder) podkreślają ten punkt przede wszystkim-i nie bez powodu. Bez postaci, za którą można kibicować, Twoja historia nie ma nic do rzeczy. Publiczność musi wcześnie się z kimś identyfikować, a jeśli twoje postacie są na ogół niesympatyczne (nawet jeśli uważasz, że są interesujące), po prostu nie wystarczy, aby utrzymać scenariusz. Często scenarzyści napiszą swoją główną postać w sposób, który byłby bardziej odpowiedni do napisania antagonisty. Mogą mieć kilka zgryźliwych linii dialogu tu lub tam, ale generalnie czują się jak negatywna, służąca sobie siła w wielkim schemacie filmu i często nie mają własnych odkupieńczych cech.
pisanie sympatycznych postaci można wykonać na nieskończoną ilość sposobów. Na przykład pisanie silnego dialogu, który pokazuje, jak dowcipna lub czarująca może być postać, może przejść długą drogę. Lub można je upodobnić poprzez swoje działania, pokazując bezinteresowny akt na początku filmu, aby ustanowić je jako pozytywną siłę. I pamiętaj, że wszystko to można zrobić w kontekście świata, w którym piszesz, i w żadnym wypadku nie musisz malować swoich postaci jako doskonałych ludzi. Jeśli piszesz „rodzinę Soprano”, nadal możesz sprawić, że publiczność będzie kibicować Tony ’ emu Soprano, ponieważ widzisz wartość, jaką kładzie on na swoją rodzinę i wrażliwość, jaką ma jako osoba zmagająca się z depresją. W kontekście innej historii Tony Soprano może być prostym złym facetem bez cech odkupieńczych, ale w rodzinie Soprano jest otoczony przez ludzi, którzy są obiektywnie gorsi od niego, i jako taki może jeszcze wznieść się ponad i pokazać publiczności, że jest postacią najbardziej do nich podobną. Najważniejsze jest to, jak to robisz, czy to poprzez dialog, działania, humor lub w jakikolwiek inny sposób – zdobądź publiczność tak szybko, jak to możliwe.
#2 – Zbuduj realistyczny & szczegółowa charakterystyka
znak odnosi się do istoty tego, kto w Twoim skrypcie naprawdę jest w środku. Jest dobrym czy złym człowiekiem? Wojownik czy mięczak? Charakter jest duchem tej osoby, podczas gdy charakterystyka jest wymiernym wynikiem tego, kim ona jest. Na przykład, załóżmy, że masz kobiecą antagonistkę napędzaną ego z dużą siłą i chipem na ramieniu. Może prowadzić dużego suva do pracy, pić czarną kawę i mieć nerwowy kleszcz. Wszystkie te punkty są szczegółami charakterystyki. Szczegóły nie zmieniają tego, kim jest postać, ale są po prostu realistycznym bi-produktem tego, kim jest ta postać i jak się rozwinęła. Weźmy na przykład postać Dereka Vinyarda w „American History X” (grana przez Edwarda Nortona). Podczas gdy film pokazuje go jako zmienionego człowieka, nadal jest pokryty tatuażami, które są ciągłym przypomnieniem jego mrocznej przeszłości i życia przed więzieniem.
pisanie silnej charakterystyki jest ważne na wielu poziomach. Po pierwsze, realistycznie przedstawiona postać doda dużo realizmu do twojego dzieła. Nie mogę zliczyć, ile razy widziałem tego samego antagonistę generycznego w filmie, który miał zerową oryginalną charakterystykę, co ostatecznie całkowicie zmniejszyło ich znaczenie w filmie. Ale nawet poza dodaniem realizmu postaciom, może również pomóc ci jako pisarzowi opowiedzieć swoją historię bardziej intuicyjnie i dramatycznie. Na przykład, jednym z ćwiczeń, które często używam przed skokiem do scenariusza, jest napisanie kilku stron notatek charakteryzujących każdą postać w scenariuszu. Robię to szybko, prawie jako ćwiczenie wolnego stowarzyszenia i jest to niezwykle pomocne. Wysoce sugeruję zrobienie tego, ponieważ pod koniec ćwiczenia będziesz miał wiele stron notatek, które nie tylko nadadzą szczegółowości i znaczenia twojej postaci, ale także pomogą rozbudzić pomysły na Twoją historię na inne sposoby – a mianowicie poprzez wyjaśnienie wyborów, które Twoja postać może podjąć. Ten ostatni sentyment prowadzi mnie do następnego punktu na naszej liście–
#3 – pozwól, aby Twoja postać podejmowała decyzje za ciebie
chociaż bardzo ważne jest, aby mieć pojęcie o strukturze filmów, zanim zaczniesz pisać, chcesz również pozwolić, aby Historia rozwijała się organicznie i naturalnie, a jedynym sposobem na to jest zapewnienie swoim postaciom trochę oddechu. Zamiast zmuszać swoją postać do działania w łuku i dyktować wszystkie swoje działania, zanim nawet napiszesz „FADE IN”, spróbuj pozwolić swojej postaci podejmować własne decyzje, które posuną Twoją historię do przodu. Jest to coś, co przez długi czas uważałem za ważny element każdego scenariusza, a pomysł zrobienia tego został naprawdę ugruntowany, gdy usłyszałem, jak Vince Gilligan mówił o tym samym podejściu do rozwijania postaci w „Breaking Bad”. Jest to prawdopodobnie jeden z powodów, dla których serial odniósł tak krytyczny sukces i był w stanie otworzyć nowy grunt.
pisząc jakąkolwiek scenę, nieustannie pytaj się, jak twoja postać zareaguje na okoliczności, w których się znajduje. Nie myśl o tym, co zrobiłaby inna postać w innym filmie, ani o tym, co byś zrobił w tym scenariuszu, bo skończysz z najbardziej ogólną, nudną główną postacią, jaką możesz napisać. Jeśli odrobiłeś pracę domową i zastosowałeś się do mojej sugestii w tip # 2, powinieneś już naprawdę dobrze znać swoją postać i łatwo oceniać, co zrobią dalej. Wiesz, jakie buty kupuje, fakt, że nie palił od trzech lat, ale wciąż się denerwuje, gdy czuje papierosa, i że co noc zasypia przed telewizorem. Wiecie też, dlaczego taki jest – rozumiecie jego wychowanie i to, że był prześladowany w szkole. Jeśli wiesz to wszystko, to naturalnie masz głębsze zrozumienie tego, co on zrobi w danej sytuacji i jak zareaguje na dane wydarzenie. Więc idź do swoich scen i historii z otwartym umysłem, zwłaszcza we wczesnych projektach. Jeśli twój scenariusz ma być dobry, będzie musiał przejść przez wiele, wiele szkiców, bez względu na to, jak dobrym jesteś pisarzem. Więc nie daj się zbytnio zawiesić na posiadanie doskonałego łuku postaci w pierwszej wersji. Pozwól mu rozwinąć się w naturalny sposób, a w późniejszych projektach możesz wrócić i jeszcze raz podświetlić łuk, gdy twoja postać pokaże Ci, czym naprawdę jest.
#4 – daj swojej postaci przekonujący dialog
poruszyłem to trochę na górze artykułu, ale naprawdę zasługuje na własną sekcję. Twoja postać musi mieć fascynujący, interesujący i oryginalny dialog. I to nie dotyczy tylko głównego bohatera, odnosi się do każdej ostatniej postaci w skrypcie. Silny dialog powie widzom dokładnie, kim jest ta postać, w momentach, w których wypowiadają pierwsze linie na ekranie. Wiemy, skąd pochodzą na podstawie ich akcentu, tego, jak są wykształceni, czy są introwertyczni czy ekstrawertyczni, i wiele więcej. Za pomocą dialogu można przekazać ogromną ilość informacji, nawet nie mówiąc nic konkretnego. Dobrze napisana scena dialogu, która składa się z czegoś tak prostego, jak postać kupująca Artykuły spożywcze, może powiedzieć Ci świat o tej postaci i ostatecznie dodać znaczenia do tego, co mówią, szczególnie przy użyciu podtekstu – innego tematu, który chciałbym zgłębić w jego własnym poście.
dziwne w filmach narracyjnych jest to, że chociaż są one całkowicie fikcyjne, my jako widzowie nadal chcemy, aby były jak najbardziej realne. Nawet w filmie fantasy, musimy być w stanie odnosić się do bohaterów i zrozumieć, kim są na surowym, trzewnym poziomie, a dialog jest narzędziem do osiągnięcia tego. Ale pamiętaj, że przekonujący dialog niekoniecznie musi oznaczać dużo dialogu. Możesz mieć postać, która mówi bardzo mało, co z kolei mówi o nich wiele bez użycia słów. Możesz mieć jedną postać, której mowa jest wypełniona slangiem, a drugą, która brzmi jak kaznodzieja. Posiadanie postaci, które mówią własnymi głosami, jest niezwykle ważne i upewnij się, że żadna z twoich postaci nie brzmi jak ta sama osoba. Dużym problemem, który mają niektórzy scenarzyści, jest to, że piszą wszystkie dialogi swoich postaci w ten sam sposób. Idealnie, chcesz być w stanie zakryć imiona swoich postaci w skrypcie, i nadal wiedzieć, kto mówi na podstawie tego, co mówią i sposób, w jaki to mówią. Tarantino jest prawdopodobnie jednym z mistrzów dialogu, a każdy z jego filmów może być źródłem inspiracji dla pisarzy, którzy chcą rozróżnić głosy swoich różnych postaci.
#5 – myśl jak aktor i daj swojej postaci punkt widzenia
aktorzy zawsze mówią o znalezieniu swojego punktu widzenia. Potrzebują motywacji do sceny. Muszą wiedzieć, gdzie postać była w momencie, zanim weszli do pokoju, który otwiera scenę. Muszą wiedzieć, co ich postać naprawdę myśli i czuje, kiedy biją wokół krzaka i pozwalają na podtekst sceny rozegrać. Dla niektórych scenarzystów te konstrukcje mogą wydawać się sztucznymi narzędziami, których aktorzy potrzebują, aby uzyskać właściwą przestrzeń głowy, ale uważam, że my jako scenarzyści naprawdę musimy myśleć w ten sposób. Jeśli spodziewasz się, że twój główny aktor będzie w stanie skutecznie grać postać, musisz napisać postać, która pozwoli aktorowi użyć swoich narzędzi, aby wykorzystać scenę. Ale co ważniejsze, zrób to ze względu na własny scenariusz i zapewnienie, że otrzymasz najlepszy produkt końcowy. Postać z mocnym punktem widzenia poprowadzi historię do przodu, dając widzom linię do naśladowania w każdej scenie i każdym akcie w filmie. Musimy wiedzieć, skąd pochodzą i czego chcą, aby dbać na tyle, aby śledzić ich historię. Spójrz na postać taką jak Forrest Gump z oczywistym punktem widzenia, który dyktuje jego działania, dodaje realizmu temu, co robi,i popycha historię do przodu od aktu do aktu.
tyle screenów, które przeczytałem, jest pod tym względem poważnie brakujących. Od samego początku jest oczywiste, że pisarz nie przywiązywał wystarczającej uwagi do zrozumienia punktu widzenia postaci i uczynienia go wystarczająco jasnym, aby publiczność mogła się do niego przyzwyczaić. Najczęstszym objawem tego problemu są sceny, które rozwijają się w sposób całkowicie pozbawiony ostrości. Czytałem kilka scen, które mogłyby być genialne, gdyby zostały wycięte na stronę lub dwie, ale pisarz nie rozumiał punktu widzenia postaci iw rezultacie skończyło się na zagraconej 5-stronicowej scenie, która biegła w kółko. Jednym ze sposobów, aby sprawdzić, czy jesteś na dobrej drodze, jest sprawdzenie, czy możesz napisać dowolną scenę na jednej stronie, jeśli musisz. Oczywiście są sceny, które wymagają wielu stron dialogu, ale zanim zaczniesz działać jako epicka scena 8-stronicowa, upewnij się, że jest również na stronach 1-2, ponieważ jeśli nie ma kierunku i ostrości, nawet gdy jest skondensowana do tej długości, to będzie miała poważne problemy, gdy ekstrapolowana będzie znacznie dłuższa.
co jeszcze możemy zrobić?
te pięć końcówek to tak naprawdę tylko czubek lodowego Bergu. Kluczowe znaczenie dla sukcesu filmu ma posiadanie silnych postaci, które są sympatyczne, realistyczne i mają wyraźną motywację i cel w historii, ale tworzenie takich postaci wymaga wielu prób i błędów. Nie ma na to formuły, ale używając naprawdę podstawowych ćwiczeń, takich jak pisanie 2-3 stronicowej historii każdej postaci, będziesz na drodze do stworzenia oryginalnej postaci. A gdy już masz Kości tej postaci na miejscu, nie bój się pozwolić, aby postać ewoluowała, rosła, a nawet dyktowała, w niektórych przypadkach, gdzie historia się potoczy.
poza tymi 5 wskazówkami istnieje nieskończona ilość rzeczy, które możesz zrobić, aby napisać lepsze postacie, czy to od odrabiania lekcji i oglądania filmów z postaciami, po podsłuchiwanie w lokalnej restauracji, aby nawiązać dialog. Ale niezależnie od tego, które metody działają dla Ciebie, upewnij się, że zwracasz wystarczającą uwagę na swoje postacie, zwłaszcza na wczesnych etapach opracowywania scenariusza.
a jeśli jeszcze tego nie przeczytałeś, koniecznie sprawdź mój poprzedni artykuł na temat znaczenia historii.
