oavsett om du gillar det eller inte, måste foton efterbehandlas. Jag kommer inte ens att komma in i det faktum att det alltid har varit så här, eftersom analoga filmkameror var i deras storhetstid. Då var det bara ett annat sätt att göra det. Slutsatsen är dock att efterproduktionen är en icke-uteslutbar, grundläggande del av skapandeprocessen, som du måste ta itu med om du vill att dina bilder ska sticka ut.
- Upptäck dessa 8 fantastiska Tips för landskapsfotografering med en Smartphone
- lär dig allt om hur du blir en professionell Landskapsfotograf
- kolla in denna 7-dagars Senja Summer Hiking Photo Tour
i den här artikeln kommer vi att fokusera på efterbehandling i landskapsfotografering, som i allmänhet har ett mycket märkligt arbetsflöde. Som en bonus visar jag i slutet av artikeln Hur jag i allmänhet efterbehandlar mina bilder, tar en av dem från början och redigerar den hela vägen till slutet, så att du kan se hur du gör det själv, steg för steg.
- Se även: fotografera vågor på Island / i fält till efterbehandling
Vad är Postredigering i fotografi?
när vi pratar om efterproduktion av en bild hänvisar vi till allt som händer (till fotot) efter fotograferingsfasen.
det är ett faktum att många människor, både fotografer och icke-fotografer, faktiskt hänvisar till orden” postredigering ”som någon form av icke-sensical wizardry som bara datornördar och” falska fotografer ” (är det till och med en sak?) använda. Under tiden får ”riktiga fotografer” skottet direkt i fältet, utan hjälp av redigeringsprogram.
Låt oss ta en titt på ett exempel på den ”riktiga” betydelsen av efterbehandling. Låt oss säga att du inte fick horisonten rakt in i fältet. Det kunde ha varit för att du sköt bråttom eller från en obekväm position. Ett enkelt klick (bokstavligen är det ett klick) i Adobe Lightroom hjälper dig att räta ut fotot, som du sedan kan fortsätta att beskära lite om det finns oönskade objekt i kanterna.
nu, skulle du kalla detta trolldom? Skulle du betrakta det fotot ”falskt” bara för att det har blivit rakt och beskurit? Jag tror inte det, eller hur?
jag tycker att det är väldigt viktigt att du förstår att postproduktion är en naturlig handling som följer när du tar en RAW-bild i fältet; det är inte något valfritt att du kan välja att göra eller inte. Anledningen till det är att en RAW-fil bara spelar in alla data i scenen, utan några speciella justeringar. Du kan läsa mer om RAW vs JPEG-filer här. Om du vill öka din fotograferingsnivå måste du sitta bakom din dator och arbeta med dina bilder.
i den här artikeln kommer jag att spendera lite tid på att demontera alla myter och legender som finns där ute om efterproduktion, eftersom dina foton bara kommer att dra nytta av det om du lär dig hur du gör det ordentligt.
men en sak måste sägas: det finns en tunn, osynlig linje där efterproduktionen blir digital manipulation och fotografering blir digital konst. Det är inte möjligt att skriva ner kriterierna för att ”bedöma” vad som är en och vad som är den andra, eftersom varje fall bör övervägas separat.
- Se även: rekommenderade kamerainställningar för landskapsfotografering
Varför behöver vi efterbehandla våra bilder?
försök att göra en tårta och hoppa över den del där du ska baka den i ugnen. Kakan kan bli bra men vem vet om den inte är kokt? Om du lämnar den rå, är jag ganska säker på att den inte smakar bra.
att lämna en RAW-fil obearbetad är som att vilja baka en tårta men glömma att lägga den i ugnen. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
försök också att laga spagetti och hoppa över den del där du lägger till såsen. Pastan kan vara hundra gånger bättre med rätt sås men du vet aldrig om du inte använder någon. Istället blir det intetsägande och oavslutat.
låt mig be om ursäkt om de enda två exemplen jag har använt handlar om mat men du vet, jag är italiensk och vi tänker alltid på mat! Jag tror att du har ganska mycket förstått vad jag försöker säga här. De RAW-filer som du skjuter i fält är spaghetti och efterproduktion är såsen.
som jag redan har nämnt i introduktionen är efterproduktion en grundläggande del av den kreativa processen. Personligen skulle jag säga att det är åtminstone en bra 40% av det som gör det slutliga fotot bra.
tekniskt sett visar RAW-filen som kommer ut ur våra kameror inte den verkliga scenen; låt mig vara kristallklar om detta, det finns inget sätt att du kommer att kunna rama in den verkliga scenen som den är i det exakta ögonblicket. Du kan komma riktigt nära men du kommer inte att rama verkligheten.
Låt mig förklara varför. Om du bestämmer dig för att skjuta i RAW-format, kommer utmatningen att vara en obearbetad bild utan kontraster och knappt någon färg jämfört med vad du ser med dina egna ögon i det ögonblicket. Det beror på att den råa bilden behöver efterproduktion för att bli levande. All information finns i filen, du måste bara ta ut den med redigeringsprogram.
om du Istället bestämmer dig för att använda JPEG-formatet istället för RAW, kan du inte vara stolt över dig själv eftersom ”du inte gör någon efterproduktion av dina foton”. Tekniskt kommer du inte att göra någon efterbehandling själv eftersom din kamera kommer att göra allt arbete för dig.
om du inte var medveten redigeras JPEG-filer automatiskt av processorn på din kamera med några mycket vanliga och grundläggande parametrar, till exempel ”kontrast” eller ”mättnad”. Den enda gången när Jpeg är användbara är när du är på uppdrag och du kan inte slösa tid på att redigera dina bilder eller du måste skicka dem till din byrå direkt; i alla andra fall föredras alltid fotografering i RAW.
så låt mig sammanfatta det här: du kan välja att redigera bilderna du tar själv eller låta kameran göra allt arbete för dig och lösa det slutliga resultatet. I det första fallet har du fullständig kontroll över de justeringar du gör på din bild. I det senare kan du knappt göra någonting förutom att ändra några reglage i kamerans meny.
behöver jag verkligen berätta vilken som är det bästa alternativet? Där går du, det är svaret på frågan om detta kapitel.
- Se även: den bästa fotoredigeringsprogramvaran och apparna för 2020
typer av efterbehandling
Låt oss våga lite längre in i efterproduktionens värld i landskapsfotografering. I det här kapitlet tar vi en titt på huvudgrenarna för efterproduktion när det gäller landskap: enstaka exponeringar och multipla exponeringar.
det är självklart att enstaka exponeringar i allmänhet är mycket lättare att arbeta med, eftersom du bara kan fokusera på bildjusteringar som färger och kontraster. Med flera exponeringar måste du hantera bildstapling, bracketing, maskering och exakta val.
det finns två typer av efterbehandling: enstaka bilder och flera exponeringar. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
för den här artikelns skull använder jag Adobe Camera RAW för att redigera RAW-filerna. Jag använder sedan Adobe Photoshop för slutliga justeringar och selektiv redigering av vissa delar av bilden.
- Se även: Ultimate Guide to Luminar av Skylum
enstaka exponeringar
Låt oss börja med den enklare: enstaka exponeringar. Jag använder följande bild för att vägleda dig genom de justeringar som jag vanligtvis gör i 90% av mina bilder. Denna process hjälper dig att uppnå bättre resultat i efterproduktionen.
före och efter efterbehandling. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
Raw-justeringar
i skärmdumpen nedan kan du se RAW-filen innan jag rörde någonting, vilket ger dig en uppfattning om utgångspunkten. Det första steget är att börja med grundläggande justeringar i Adobe Camera RAW (eller Lightroom, om du föredrar).
titta alltid på temperaturen och nyansen först. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
de första sakerna du alltid bör titta på är temperaturen och nyansen. I det här fallet sköt jag med en Nikon D750, som i allmänhet har en stark magenta dominans, men den här gången fick den automatiska vitbalansen fel. Det var redan den blå timmen, med massor av blå-ish nyanser i de skuggiga områdena i ramen och en stark magenta gjuten på topparna och himlen. Kameran läste ganska mycket allt som rödaktigt.
för att åtgärda ett problem som detta behöver du bara justera temperaturen. Jag flyttade temperaturreglaget lite mot kallare toner och Tintreglaget mot magenta. På skärmdumpen nedan kan du se hur denna enkla justering redan har förbättrat bilden, med toner som passar bättre för den tiden på dagen. Jag plattade också bilden lite mer genom att höja svarta/skuggorna och sänka höjdpunkterna. Denna teknik ger dig mer flexibilitet när du arbetar med kontraster senare i Photoshop.
nästa steg i Adobe Camera RAW är att lägga till lite klarhet för att förbättra mikrokontraster och ge bilden ett skarpare övergripande utseende. För beloppet, gå aldrig över + 20, annars kan du få ett kornigt och obehagligt utseende.
Lägg till lite klarhet. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
det sista steget är att byta till avsnittet Linskorrigeringar (mellan ikonerna strax under EXIF-data) och kontrollera de två knapparna ”ta bort kromatisk Aberration” och ”aktivera Profilkorrigeringar”, precis som du ser på skärmdumpen nedan. Det kommer automatiskt att ta bort färgavvikelse (om det finns någon) och kommer att korrigera linsens ”problem” (distorsion, till exempel).
ta bort kromatisk aberration och linsförvrängningar. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
- Se även: Hur man väljer vilken version av Lightroom som ska köpas
Photoshop-justeringar
det är nu dags att ”skicka bollen” till den mäktiga Adobe Photoshop. Jag vet att många fotografer blir skrämda av den mängd funktioner som denna programvara innehåller. Sanningen är dock att vi bara behöver en massa av dem för att få våra bilder att dyka upp lite mer.
ett av de viktigaste begreppen du bör förstå när du arbetar med Photoshop är hur ”lagren” fungerar. Föreställ dig din basbild som ett vitt ark. Varje lager som du skapar kommer att vara ett nytt ark, där du kommer att göra saker som kommer att påverka basen. Hur mycket basbilden kommer att påverkas av de andra lagren kommer att vara upp till dig att bestämma med verktyg som borstar, gradienter eller lager opacitet.
Detta är en mycket kort och ofullständig beskrivning av vad Photoshop-lager är, men när du har fått borren om hur de fungerar kommer det att bli lättare än du tror.
kurvorna justeringsskiktet. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
låt oss börja med justeringen som du ser i fönstret ovan, den som heter ”kurvor”. För att skapa detta lager, gå bara in i den övre menyraden. Under avsnittet Lager väljer du” Nytt justeringslager ”och sedan”kurvor”.
den mest klassiska kurvan är ”S-kurvan”. Det kallas detta eftersom det är format som bokstaven ’S’. Denna teknik lägger i princip till kontrast genom att sänka kurvan i skuggavsnittet och höja den i avsnittet höjdpunkter. Om du vill vara säker på att du inte förlorar några detaljer i skuggorna, var noga med att höja kurvens lägsta punkt något.
färgbalansjusteringsskiktet. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
det andra lagret som vi ska skapa är ett Färgbalanslager. Du hittar det precis där du hittade Kurvjusteringen – under ”lager” i den övre fältet och sedan genom att välja ”Nytt justeringslager” och sedan ”färgbalans”.
med denna justering får du chansen att ändra färggjutningar inom specifika områden i bilden. Som du kan se i det lilla fönstret väljs ”Midtones” men du kan också växla till ”Highlights” eller ”Shadows”. Vad du väljer beror på vilket område av ramen du vill arbeta med.
i det här specifika fallet bestämde jag mig bara för att arbeta på midtonerna. Jag lade till lite rött, magenta och gult medan jag tog ut lite cyan, grönt och blått.
tryck inte för mycket på reglagen, eftersom du kan göra märkbara förändringar med låga variationer i mängd. Som du kan se gjorde jag justeringar av +3/-2/-2, så det tar nästan ingenting att se en måttlig skillnad.
jag tweaked bara reglagen lite för en stor effekt. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
- Se även: Förstå HSL-reglagen i Lightroom
nu kommer du in i den mest komplexa delen av denna Photoshop-handledning: maskering. Du har en grundläggande förståelse för hur lager fungerar, så nu är det dags att förstå begreppet masker. Enkelt uttryckt ger lagermasker dig möjlighet att dölja (eller avslöja) delar av bilden till den justering du tillämpar.
ser du de vita rektanglarna i nedre högra delen av skärmdumpen, i Lagerfönstret? Det är vita masker som skapas automatiskt när du skapar ett Nytt justeringslager.
i den här bilden skapade jag ett tredje lager för ljusstyrka/Kontrastjusteringar. Jag sänkte både ljusstyrkan och kontrasten i bilden med en ganska stor mängd. Men jag ville inte att hela bilden skulle påverkas av denna justering – jag ville bara förbättra ljuset som kommer från höger genom att mörka lite den vänstra delen av ramen.
för att uppnå detta var jag tvungen att maskera (gömma, i det här fallet) höger sida av bilden till ljusstyrka/kontrastjustering. Som du kan se på skärmdumpen nedan är den högra delen av den vita rektangeln bredvid ljusstyrka/kontrastskiktet svart. Det beror på att jag använde en svart, radiell gradient (som du hittar i den vänstra menyraden) och ”målade” på masken för att dölja det området av bilden från justeringen. På så sätt skulle endast den vänstra delen påverkas.
målning på en mask. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
efter dessa justeringar återvände jag till den övre menyraden i Lageravsnittet och valde ”Nytt justeringslager”. Den här gången valde jag ”Selective Colour”, som är ett otroligt användbart och kraftfullt verktyg när det gäller att arbeta med färger.
när du har öppnat detta justeringslager i avsnittet ”färger” kan du välja den specifika färg du vill arbeta med (röda, gula, blåa, gröna, etc.) och ändra mängden cyan, magenta, gul och svart.
vad betyder detta? Tja, som du kan se på skärmdumpen nedan bestämde jag mig bara för att arbeta med magenta toner. Jag kunde ta bort lite cyan och lägga till lite magenta och lite gult. Att ta ut cyan betyder faktiskt att lägga till rött, eftersom det är den komplementära färgen på cyan. Att lägga till magenta betyder faktiskt att ta bort grönt. På samma sätt innebär att man lägger till gult att man tar bort blått. Alla dessa färgjusteringar var endast i förhållande till magenta, så de enda områden där du ser dessa ändringar tillämpas är där programvaran lokaliserar magenta toner och ingen annanstans.
jag ljuger inte: det kan vara förvirrande först och det tar ett tag för dig att vänja dig vid det här verktyget. Det enda sättet att lära sig att fungera ordentligt med alla dessa reglage är att testa och prova det tusen gånger.
justera endast magentas. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
nedan är en skärmdump där jag bestämde mig för att bara arbeta på de vita, i stort sett tillämpa samma variationer som jag gjorde på magentas.
arbetar endast på de vita. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
och det är det! Det här är de verktyg som du sannolikt kommer att använda mest när du arbetar i Adobe Camera RAW och Photoshop.
som du förmodligen kommer att ha märkt var de justeringar som gjorde mest skillnad de mycket grundläggande variationerna i Camera RAW, som färgtemperatur och nyans. Du bör börja med att behärska dessa verktyg, som är ganska enkla att använda. Det är där du verkligen kommer att utveckla ögat för vilken typ av justeringar en bild ber om.
det slutliga resultatet. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
det handlar inte om verktygen i synnerhet, det handlar mer om hur du använder dem!
- Se även: HDR-fotografering på Island / Exponeringsblandning för nybörjare
flera exponeringar
i det här avsnittet tar vi en titt på de två vanligaste typerna av flera exponeringar i landskapsfotografering: fokusstapling och HDR. Vi går igenom stegen som du måste följa för att komma fram till den punkt där du kan slå samman alla exponeringar tillsammans för en enda basbild att arbeta med. Därifrån kan du följa samma steg i föregående avsnitt för att efterbehandla en enda exponering.
fokus stapling
denna otroligt användbar teknik har blivit ganska populär bland landskapsfotografer under de senaste åren. Fokusstapling hjälper till att få allt i fokus när du har riktigt nära motiv i förgrunden av din bild, vilket annars skulle vara suddigt.
en sekvens av fyra bilder med olika fokusområden. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
som du kan se i bilderna ovan börjar den klassiska fokusstaplingssekvensen från att få bakgrunden i fokus och växlar långsamt fokus till förgrunden. För mer information om hur du tar en serie fokusstaplade bilder, kolla in vår ultimata Guide till Fokusstapling.
låt oss anta att du redan har tagit din bildsekvens. Nu ska vi gå igenom hur du kan slå samman alla dessa bilder till en enda bild med hjälp av Adobe Photoshop.
Steg 1: Öppna sekvensen i Photoshop som lager
det första steget är att öppna alla lager i en enda bild, som du ser på skärmdumpen nedan. För att göra detta kan du öppna var och en av dem separat och sedan gå till avsnittet ”Layer” i menyn bisexuell ”Duplicate Layer” välj din basbild. Du kan också välja dem i Lightroom och med högerklick väljer du att öppna dem ”som lager” i Photoshop (vilket är mycket lättare).
öppna sekvensen i Photoshop som lager. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
steg 2: justera bilderna
ett mycket enkelt men grundläggande steg är att välja alla lager och under avsnittet ”Redigera” klickar du på ”Auto-Align Layers”, så det blir inga skillnader mellan varje lager.
justera lagren automatiskt. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
Steg 3: Mask!
det finns inget annat sätt att komma runt detta. Du måste ta itu med maskering vid denna tidpunkt. För att göra detta, avslöja helt enkelt fokusdelarna i varje lager tills du uppnår en bild där allt är i fokus. Borstverktyget (i den vänstra fältet) hjälper dig under maskeringen.
maskera ut de oskarpa delarna och maskera i de delar som är i fokus. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
slutresultatet ska se ut som i skärmdumpen ovan. Alla masker har vissa delar i vitt och vissa delar i svart, vilket innebär att vissa delar av dessa lager är synliga medan andra områden är dolda. Det kan kräva ganska lång tid att spika staplingen och uppnå ett anständigt resultat, utan halor eller konstiga saker som händer någonstans i ramen. Dina ansträngningar kommer att vara värt det men som resultatet kommer att bli otroligt!
- Se även: Landskapsfotograferingsinställningar / hur man ställer in fokus
HDR (High Dynamic Range) bilder
nu när vi har tittat på fokusstapling blir det lättare att arbeta med HDR-bilder än en promenad i parken! Vi behöver inte ens använda Photoshop i det här fallet, eftersom Lightroom har den bästa algoritmen när det gäller att slå samman olika exponeringar tillsammans. Följ dessa enkla steg för att uppnå en enda HDR-bild av många exponeringar!
Steg 1: Importera HDR-sekvensen i Lightroom
när du har öppnat Lightroom hittar du ”importera”i det nedre vänstra hörnet. Därifrån kan du överföra HDR-sekvensen till ditt Lightroom-bibliotek.
importera HDR-sekvensen i Lightroom. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
steg 2: Skapa HDR-bilden
när du har importerat alla dina bilder, Använd bara högerklicket och välj ”Photomerge Securities HDR”, som du kan se i fönstret ovan.
när du har klickat på HDR visas ett nytt fönster: var noga med att kontrollera Auto Align-funktionen och avmarkera Autoinställningarna (det gör inte ett bra jobb ärligt). Om du inte har flyttat lite när du tar sekvensen, använd inte Deghost-funktionen, eftersom det kommer att skapa artefakter genom att leta efter skillnader mellan skotten.
Skapa HDR-bilden. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
när du är klar med inställningarna klickar du på knappen ”Merge” och det är det! Lightroom skapar en fungerande DNG-fil, med vilken du kan börja göra färg-och kontrastjusteringar som du gjorde i kapitlet enstaka exponeringar. Ja, det är så enkelt!
- Se även: Ultimate Guide to HDR Photography
hur man gör en landskapsbild mer intressant
i det här kapitlet kommer jag att dela två användbara tekniker som nästan alla professionella landskapsfotografer använder, vilket hjälper dig att skapa mycket mer intressanta bilder. Dessa är Dodge / Burn-tekniken och Orton-effekten.
du kan göra en landskapsbild mer intressant med två enkla tekniker. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
Dodge & Burn
denna kraftfulla teknik är verkligen populär bland landskapsfotografer och består av att måla över ett grått lager med en pensel, med fokus på de färger (eller ljus) som du vill förbättra. Låt oss ta en titt på hur det fungerar.
Steg 1: Skapa ett grått lager med 50% opacitet
när du har öppnat ditt foto i Adobe Photoshop är nästa sak du bör göra att skapa ett nytt grått lager, där du ska måla senare. För att skapa den, gå under avsnittet ”Layer” i det övre fältet och välj ”Nytt lager av kakor”.
skapa ett 50% grått lager. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
vid denna punkt visas fönstret ovan. Ändra läget från” Normal ”till” Soft Light ”(som visas) och markera rutan” fyll med Soft-Light-neutral färg (50% grå)”.
Grattis, du har just skapat ditt första dodge and burn layer!
Dodge och bränna lager. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
nu, som du kan se från lagerrutan längst ner till höger på bilden ovan, är dodge and burn-lagret klart att användas.
Steg 2: Måla!
med en varm borste med 30% opacitet har jag målat i vänster sida av ramen, precis där ljuset kommer ifrån. Jag använde en mycket ljus färg för att förbättra soluppgångens varma färger och luminansen i det området.
måla på lagret för att undvika och bränna. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
du kan fortsätta måla i andra delar av bilden, kanske genom att mörka lite av himlen med svart för att ge mer drama till fotot eller välja vitt för att ljusa områden som du vill betona. Detta dodging och brinnande!
- Se även: 5 enkla Lightroom-Efterbehandlingstips för landskapsfotografering
Orton-effekt
skapad av Michael Orton har denna effekt tagit många olika namn under de senaste åren. Det har också beskrivits som en” sagoeffekt”,” drömmande look”, etc. I grund och botten innebär Orton-effekten att lägga lite oskärpa på bilden för att skapa ett mjukt, smidigt utseende, vilket jag antar kan kallas ”drömmande”. Följ nästa steg för att uppnå detta utseende!
Steg 1: Gaussisk oskärpa
att tillämpa Gaussisk oskärpa är en bra 80% av processen. Den första (och grundläggande!) steg du bör följa är att skapa ett duplikatlager, så att den ursprungliga inte påverkas av suddigheten. Du hittar alternativet ”Duplicate Layer ”under avsnittet” Layer ” i det övre fältet.
skapa ett gaussiskt suddighetslager. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
när du har skapat ett kopieringslager, gå under avsnittet ” Filter ”(fortfarande i det övre fältet)” oskärpa ””Gaussisk oskärpa”.
applicera gaussian blur. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
nu kommer det här lilla fönstret att visas. För att välja radie finns det en allmän regel som säger att du ska använda samma mängd som kamerans megapixlar. Till exempel togs den här bilden med en Nikon D800 som har 36 megapixlar, så jag gick för en gaussisk suddighetsradie på 36 pixlar.
regeln är skissartad, så oroa dig inte om du inte exakt väljer megapixelmängden på din kamera. När du är klar klickar du på OK, och du har lagt till oskärpa!
steg 2: Sänk opaciteten och ändra blandningsläget
nu när du har tillämpat suddigheten undrar du förmodligen vad du har gjort fel. Allt är suddigt.
inte panik! Om du kontrollerar lagerfönstret längst ner till höger ser du reglaget ”opacitet” där du kan välja den procentandel av opacitet du vill ge till det specifika lagret. För Orton-effekten rekommenderar jag att du aldrig går över 10-15%.
Sänk opaciteten och ändra blandningsläget. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
när du har ställt in opaciteten är det dags att ändra blandningsläget. För att göra det, flytta bara musen något åt vänster (i fönstret här uppe, där det står ”överlägg”, bredvid opacitet) och en lång lista med olika blandningslägen visas. För att ge en liten ”punch of contrast” till bilden rekommenderar jag att du använder Överlagringsläget. Om du vill lysa upp ramen är ”Skärm” – läget också ett giltigt alternativ.
- Se även: skapa Starburst-effekter i din landskapsfotografering
arbetsflöde efter bearbetning
som du säkert har sett nu, så ser mitt Photoshop-gränssnitt ut. Ordningen på alla mina fönster förbättrar mitt arbetsflöde efter bearbetning.
Ställ in dina fönster för att förbättra ditt arbetsflöde. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
det viktigaste fönstret är lagren ett överlägset, följt av färgvalet och sedan navigatorn/histogrammet. Ikonerna bredvid navigatorn till vänster är faktiskt genvägar: den första är för justeringslager (rekommenderas starkt!), medan de andra är för historien, handlingarna och kanalerna. Jag rekommenderar starkt att du använder historiken om du gör något fel och vill återvända över dina steg!
medan den här ordningen av windows fungerar för mig kan du hitta en annan inställning som fungerar för dig. Men du bestämmer dig för att ordna dina fönster, se till att det passar ditt arbetsflöde och inte hindrar dig på något sätt. Det är bäst att ha enkel åtkomst till alla verktyg som du använder regelbundet, så att du inte saktar ner dig onödigt.
- Se även: Intervju med Dany Eid / nyckeln till framgångsrik landskapsfotografering
slutsats
Låt mig upprepa mig en sista gång innan du stänger artikeln: postproduktion är avgörande för att förbättra din fotograferingsnivå! Följaktligen måste du spendera en bra tid på att lära dig hur du skapar ditt arbetsflöde korrekt och hur du utvecklar din personliga stil med upplevelsen.
efterbehandling hjälper dig att uppnå din egen stil i landskapsfotografering. Foto av: ’Leonardo Papiborira’.
jag hoppas med denna artikel har gett dig (åtminstone) en förståelse för grunderna i efterproduktion så att du kommer att ha en god uppfattning om hur man ska gå när du öppnar upp dina bilder på datorn.
om författaren: Leonardo Papuzirra är en landskaps-och naturfotograf baserad i Italien. Du kan hitta mer av hans arbete på hans webbplats eller genom att följa honom på Instagram.
