Beginner’s Guide to Post Processing Landscape Photography

Whether it or not, photos need to be post-processed. Nem sequer vou entrar no facto de que sempre foi assim, já que as câmaras analógicas estavam no auge. Naquela altura, havia uma maneira diferente de o fazer. A conclusão é que a pós-produção é uma parte fundamental e não excluível do processo de criação, com a qual você terá que lidar se quiser que suas imagens se destacem.

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neste artigo, vamos nos concentrar no pós-processamento em fotografia de paisagem, que geralmente tem uma forma muito peculiar de fluxo de trabalho. Como um bônus, no final do artigo eu vou mostrar-lhe como eu geralmente pós-processar minhas fotos, tomando um deles desde o início e editá-lo todo o caminho até o final, para que você possa ver como fazê-lo você mesmo, passo a passo.

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o Que é Pós Edição em Fotografia? Quando falamos de pós-produção de uma imagem, referimo-nos a tudo o que acontece (à foto) após a fase de filmagem.

é um facto que muitas pessoas, tanto fotógrafos como não-fotógrafos, na verdade se referem às palavras “pós edição” como algum tipo de feitiçaria não-sensorial que apenas nerds de computador e “fotógrafos falsos” (isso é mesmo uma coisa?) usar. Enquanto isso, os “fotógrafos reais” fazem a filmagem bem no campo, sem a ajuda de edição de software.

vamos dar uma olhada em um exemplo do significado “real” do pós-processamento. Digamos que não conseguiu acertar o horizonte no terreno. Isto pode ter sido porque estavas a disparar à pressa ou numa posição desconfortável. Um simples clique (literalmente, é um clique) no Adobe Lightroom vai ajudá-lo a endireitar a foto, que você pode, em seguida, continuar a recortar um pouco se houver objetos indesejados nas bordas. Agora, chamarias a isto magia? Considerarias essa foto “falsa” só porque foi endireitada e cortada? Acho que não, certo?

eu acho que é muito importante que você entenda que a pós-produção é um ato natural que se segue depois de capturar uma imagem RAW no campo; não é algo opcional que você pode optar por fazer ou não. A razão para isso é porque um arquivo RAW está apenas gravando todos os dados na cena, sem nenhum ajuste particular. Você pode ler mais sobre arquivos RAW vs JPEG aqui. Se você quiser subir o seu nível de fotografia, então você terá que sentar atrás do seu computador e trabalhar em suas fotos.

neste artigo, vou gastar um pouco de tempo desmontando todos os mitos e lendas que estão lá fora sobre pós-produção, uma vez que suas fotos só se beneficiarão com isso se você aprender a fazê-lo corretamente.No entanto, uma coisa tem de ser dita: há uma linha fina e invisível onde a pós-produção se torna manipulação digital e a fotografia torna-se Arte digital. Não é possível escrever os critérios com os quais” julgar ” o que é um e o que é o outro, como cada caso deve ser considerado separadamente.

• Veja também: Recomendado Configurações da Câmera para Fotografia de Paisagem

Por que Precisamos de Pós-processamento Nossas Imagens?

tente fazer um bolo e pular a parte onde você deve cozinhá-lo no forno. O bolo pode acabar bem, mas quem saberá se não está cozinhado? Se o deixar cru, tenho a certeza que não vai saber bem.

Leaving a RAW file não processed is like wanting to bake a cake but forgetting to put it in the oven. Foto de “Leonardo Papèra”.Tente também cozinhar esparguete e saltar a parte em que adiciona o molho. A massa pode ser cem vezes melhor com o molho certo, mas nunca se sabe se não se usa nenhum. Em vez disso, será branda e inacabada.Deixe-me pedir desculpas se os dois únicos exemplos que eu usei são sobre comida, mas você sabe, eu sou italiano e nós sempre pensamos sobre comida! Acho que já percebeste o que estou a tentar dizer. Os arquivos crus que você filma no campo são esparguete e pós-produção é o molho. Como já mencionei na introdução, a pós-produção é uma parte fundamental do processo criativo. Pessoalmente, diria que é pelo menos um bom 40% do que torna a foto final óptima.

Agora, tecnicamente falando, o ficheiro RAW que sai de nossas câmeras NÃO mostram a real cena; deixe-me ser clara como cristal sobre isso, não há nenhuma maneira que você vai ser capaz de enquadrar a cena real como ele é, em que momento preciso. Podes aproximar-te muito, mas não vais enquadrar a realidade.Deixe-me explicar porquê. Se você decidir atirar no formato RAW, então a saída será uma imagem não processada, sem contrastes e quase nenhuma cor em comparação com o que você está vendo com seus próprios olhos naquele momento. Isso é porque a imagem RAW precisa de pós-produção para ganhar vida. Toda a informação está contida no arquivo, você só tem que trazê-lo para fora com o software de edição.

Se você decidir usar o formato JPEG, em vez de MATÉRIAS, então você não pode ter orgulho de si mesmo, porque “você não está fazendo a pós-produção das fotos”. Tecnicamente, não vais fazer nenhum pós-processamento porque a tua câmara fará todo o trabalho por ti.

In case you were not aware, JPEG files are automatically edited by the processor of your camera with some very standard and basic parameters, such as “contrast” or “saturation”. O único momento em que os JPEGs são úteis é quando você está em missão e você não pode perder tempo editando suas fotos ou você tem que enviá-las para a sua agência imediatamente; em todos os outros casos, filmar em RAW é sempre preferido.

então, deixe-me resumir isto: você pode decidir editar as fotos que você está tirando por si mesmo ou deixar a câmera fazer todo o trabalho para você e resolver com o resultado final. No primeiro caso, você terá controle total sobre os ajustes que você vai fazer em sua imagem. Neste último, você quase não pode fazer nada além de mudar alguns sliders no menu da sua câmera. Preciso mesmo de lhe dizer qual é a melhor opção? Aqui está, essa é a resposta para a questão deste capítulo.

• Veja também: O Melhor Software de Edição de Fotos e Aplicativos para o 2020

Tipos de Pós-Processamento

Vamos aventurar um pouco mais dentro do mundo da pós-produção em fotografia de paisagem. Neste capítulo, vamos dar uma olhada nos principais ramos da pós-produção quando se trata de paisagens: exposições únicas e exposições múltiplas.Escusado será dizer que as exposições individuais são geralmente muito mais fáceis de trabalhar, uma vez que você pode se concentrar apenas em Ajustes de imagem, tais como cores e contrastes. Com múltiplas exposições, você terá que lidar com empilhamento de imagem, bracketing, mascaramento e seleções precisas.

There are two types of post-processing: single images and multiple exposures. Foto de “Leonardo Papèra”.

para o bem deste artigo, vou usar a câmera Adobe RAW para editar os arquivos RAW. Vou então usar Adobe Photoshop para ajustes finais e edição seletiva de partes particulares da imagem.

• See also: Ultimate Guide to Luminar by Skylum

Single Exposures

Let’s start with the easy: single Exposies. Vou usar a seguinte imagem para guiá-lo através dos ajustes que geralmente faço em 90% das minhas fotos. Este processo irá ajudá-lo a alcançar melhores resultados na pós-produção.

Before and after-processing. Foto de “Leonardo Papèra”.Na imagem abaixo, você pode ver o arquivo RAW antes de eu tocar em alguma coisa, o que lhe dará uma idéia do ponto de partida. O primeiro passo é começar com ajustes básicos na câmera Adobe RAW (ou Lightroom, se preferir).

Always look at the Temperature and Tint first. Foto de “Leonardo Papèra”.

as primeiras coisas que você deve sempre olhar são a temperatura e o tom. Neste caso, eu estava filmando com uma Nikon D750, que geralmente tem uma forte dominância magenta, embora desta vez ficou o auto branco equilíbrio errado. Já era a hora azul, com montes de matizes azuis nas áreas sombrias da moldura e um forte elenco de magenta nos picos e no céu. A câmara basicamente lê tudo como avermelhado.

para resolver um problema como este, você só precisa ajustar a temperatura. Movi a barra de temperatura um pouco para tons mais frios e a barra de tinta para magenta. Na imagem abaixo, você pode ver como este ajuste simples já melhorou a imagem, com tons que se encaixam melhor para essa hora do dia. Eu também Alisei a imagem um pouco mais levantando os negros/sombras e baixando os destaques. Esta técnica lhe dará mais flexibilidade quando trabalhar com contrastes mais tarde no Photoshop.

o próximo passo na Adobe Camera RAW é adicionar um pouco de clareza para aumentar os micro-contrastes e dar uma visão geral mais nítida à imagem. Pela quantia, nunca mais de 20, caso contrário você pode ter um olhar granulado e desagradável.

Add a bit of clarity. Foto de “Leonardo Papèra”.

o passo final é mudar para a secção de correcções de Lentes (entre os ícones logo abaixo dos dados EXIF) e verificar os dois botões “remover a aberração cromática” e “activar as correcções de perfil”, tal como vê na imagem abaixo. Ele irá automaticamente remover a aberração de cor (se houver alguma) e irá corrigir os “problemas” da lente (distorção, por exemplo).

Remove cromatic aberration and lens distortions. Foto de “Leonardo Papèra”.

• See also: How to Choose Which Version of Lightroom to Buy

Photoshop Adjustments

It’s now time to “pass the ball” to the mighty Adobe Photoshop. Sei que muitos fotógrafos se sentem intimidados pela infinidade de funcionalidades que este software contém. No entanto, a verdade é que precisamos apenas de um monte deles para fazer nossas imagens sobressair um pouco mais.Um dos principais conceitos que você deve entender ao trabalhar com o Photoshop é como as “camadas” funcionam. Imagine a sua imagem de base como uma folha branca. Cada camada que você criar será uma nova folha, onde você fará coisas que afetarão a base um. Quanto a imagem de base será afetada por essas outras camadas será até você para decidir com ferramentas como pincéis, gradientes ou opacidade da camada.

esta é uma descrição muito breve e incompleta do que são as camadas Photoshop, mas uma vez que você obtém a broca sobre como elas funcionam, vai ser mais fácil do que você pensa.

the curves adjustment layer. Foto de “Leonardo Papèra”.

vamos começar com o ajuste que você vê na janela acima, o chamado “curvas”. Para criar esta camada, basta ir para a barra de menu superior. Sob a seção camada, selecione ” nova camada de ajuste “e, em seguida,”curvas”.

a curva mais clássica é a”curva S”. Chama-se a isto porque tem a forma da letra “S”. Esta técnica basicamente adiciona contraste baixando a curva na seção de sombra e elevando-a na seção de destaques. Se você quer ter certeza de que você não está perdendo quaisquer detalhes nas sombras, então certifique-se de elevar ligeiramente o ponto mais baixo da curva.

the colour balance adjustment layer. Foto de “Leonardo Papèra”.A segunda camada que vamos criar é uma camada de equilíbrio de cores. Você vai encontrá – lo exatamente onde você encontrou o ajuste de curvas-sob “camada” na barra superior e, em seguida, selecionando “nova camada de ajuste” e, em seguida, “equilíbrio de cores”. Com este ajuste, você terá a chance de mudar os moldes de cor em áreas específicas da imagem. Como você pode ver na pequena janela,” Midtones “são selecionados, mas você também pode mudar para” destaques “ou”sombras”. O que você escolher vai depender de qual área da moldura você quer trabalhar. Neste caso específico, decidi apenas trabalhar nos midtones. Adicionei um pouco de vermelho, magenta e amarelo enquanto tirava um pouco de ciano, verde e azul.

não empurre demasiado nas barras deslizantes, pois pode fazer alterações perceptíveis com baixas variações de quantidade. Como pode ver, eu fiz ajustes por +3/-2/-2 por isso, não é preciso quase nada para ver uma diferença moderada.

I only tweaked the sliders a little bit for a large effect. Foto de “Leonardo Papèra”.

• Ver também: Compreender os Sliders HSL no Lightroom

agora você vai entrar na parte mais complexa deste tutorial Photoshop: mascarar. Você tem uma compreensão básica de como as camadas funcionam, então agora é hora de entender o conceito de máscaras. Simplificando, as máscaras de camada lhe dão a capacidade de esconder (ou revelar) partes da imagem para o ajuste que você aplica.

você vê aqueles retângulos brancos na parte inferior direita da tela, na janela de Camadas? Essas são máscaras brancas, que são criadas automaticamente quando você cria uma nova camada de ajuste.

nesta imagem, criei uma terceira camada para os ajustes de brilho/contraste. Eu baixei tanto o brilho quanto o contraste da imagem em uma quantidade bastante significativa. No entanto, eu não queria que toda a imagem fosse afetada por este ajuste – eu só queria melhorar a luz que vem da direita, escurecendo um pouco a parte esquerda do quadro.

para conseguir isso, eu tive que mascarar (esconder, neste caso) o lado direito da imagem para o ajuste de brilho/contraste. Como pode ver na imagem abaixo, a parte direita do rectângulo branco ao lado da camada de brilho/contraste é preta. Isso porque eu usei um gradiente radial preto (que você vai encontrar na barra de menu esquerda) e “pintado” na máscara para esconder essa área da imagem do ajuste. Desta forma, só a parte esquerda seria afectada.

Painting on a mask. Foto por: “Leonardo Papèra”.

após estes ajustes, voltei à barra de menu superior na secção de camada e selecionei “nova camada de ajuste”. Desta vez, escolhi a “cor seletiva”, que é uma ferramenta incrivelmente útil e poderosa quando se trata de trabalhar em cores. Depois de ter aberto esta camada de ajuste na secção “cores”, poderá seleccionar a cor específica em que deseja trabalhar (vermelhos, amarelos, azuis, verdes, etc.) e alterar a quantidade de ciano, magenta, amarelo e preto.

o que significa isto? Como podem ver na imagem abaixo, decidi trabalhar apenas em tons magenta. Consegui remover um pouco de ciano e adicionar um pouco de magenta e um pouco de amarelo. Eliminar ciano significa adicionar vermelho, já que é a cor complementar de ciano. Adicionar magenta significa remover verde. Da mesma forma, adicionar amarelo significa remover o azul. Todos estes ajustes de cor foram relativos apenas à magenta, então as únicas áreas onde você verá essas mudanças aplicadas São onde o software localiza tons magenta e em nenhum outro lugar.

I won’t lie: it may be confusing at first and it will take a while for you get used to this tool. A única maneira de aprender a trabalhar corretamente com todos esses deslizadores é testando e experimentando-o mil vezes.

Adjusting the magentas only. Foto de “Leonardo Papèra”.

abaixo está uma imagem onde eu decidi trabalhar apenas nos brancos, praticamente aplicando as mesmas variações que eu fiz para os magentas.

Working on the white only. Foto de “Leonardo Papèra”.E é isso! Estas são as ferramentas que você provavelmente usará mais quando trabalhar em Adobe Camera RAW e Photoshop.

como você provavelmente terá notado, os ajustes que fizeram a maior diferença foram as variações muito básicas em bruto da câmera, tais como temperatura de cor e tintura. Você deve começar por dominar essas ferramentas, que são bastante simples de usar. É onde você realmente vai desenvolver o olho para que tipo de ajustes uma imagem está pedindo.

The final result. Foto de “Leonardo Papèra”.

não é sobre as ferramentas em particular, é mais sobre como você usá-las!

• Ver também: Fotografia HDR na Islândia / mistura de exposição para iniciantes

exposições múltiplas

nesta secção, vamos dar uma olhada nos dois tipos mais comuns de exposições múltiplas em Fotografia de paisagem: empilhamento de foco e HDR. Vamos percorrer os passos que você precisa seguir, a fim de chegar ao ponto em que você pode juntar todas as exposições juntos para uma única imagem base para trabalhar. A partir daí, você pode seguir os mesmos passos na seção anterior para pós-processamento de uma única exposição. Esta técnica incrivelmente útil tornou-se bastante popular entre os fotógrafos paisagistas nos últimos anos. O empilhamento de foco ajuda a colocar tudo em foco quando você tem assuntos realmente próximos no primeiro plano de sua imagem, o que de outra forma seria desfocado.

a sequence of four images with different areas of focus. Foto de “Leonardo Papèra”.

como você pode ver nas imagens acima, a sequência clássica de empilhamento de foco começa a partir de obter o fundo em foco e lentamente muda o foco para o primeiro plano. Para mais informações sobre como tirar uma série de imagens focadas, confira nosso guia final para o empilhamento de foco.Vamos supor que você já tirou sua sequência de imagens. Agora vamos analisar como você pode fundir todas essas fotos em uma única imagem com a ajuda de Adobe Photoshop.

Passo 1: Abrir a sequência no Photoshop como camadas

o primeiro passo é abrir todas as camadas em uma única imagem, como você vê na imagem abaixo. Para fazer isso, você pode abrir cada um deles separadamente e então ir para a seção ” camada “do menu →” camada duplicada ” → Selecione sua imagem base. Você também pode selecioná-los no Lightroom e com o clique direito, escolha abri-los “como camadas” no Photoshop (o que é muito mais fácil).

Open the sequence in Photoshop as layers. Foto de “Leonardo Papèra”.

Passo 2: alinhar as imagens

um passo muito fácil mas fundamental é selecionar todas as camadas e sob a seção “Editar”, clique em” alinhar automaticamente as camadas”, para que não haja quaisquer diferenças entre cada camada.

Auto-align the layers. Foto de “Leonardo Papèra”.

Passo 3: Máscara! Não há outra maneira de contornar isto. Vais ter de lidar com a máscara neste momento. Para fazer isso, simplesmente revelar as partes focais de cada camada, até que você alcance uma imagem onde tudo está em foco. A ferramenta de pincel (na barra esquerda) irá ajudá-lo durante a máscara.

Mask out the unsharp parts and mask in the parts which are in focus. Foto de “Leonardo Papèra”.

o resultado final deve ser parecido com a imagem acima. Todas as máscaras têm algumas partes em branco e algumas em preto, o que significa que algumas partes dessas camadas são visíveis enquanto outras áreas são escondidas. Pode exigir algum tempo para fazer o empilhamento e alcançar um resultado decente, sem halos ou coisas estranhas acontecendo em algum lugar na moldura. Os vossos esforços valerão a pena, pois o resultado será incrível!

• Veja também: Fotografia de Paisagem | Configurações Como Definir o Foco

HDR (Alta Faixa Dinâmica) Imagens

Agora que nós olhamos foco empilhamento, trabalhar com imagens HDR vai ser mais fácil do que um passeio no parque! Nós nem teremos que usar o Photoshop neste caso, já que o Lightroom tem o melhor algoritmo quando se trata de juntar diferentes exposições. Siga estes passos fáceis para alcançar uma única imagem HDR a partir de muitas exposições!

Passo 1: Importar a sequência HDR no Lightroom

depois de ter aberto o Lightroom, no canto inferior esquerdo encontrará “importar”. A partir daí, poderá transferir a sequência HDR para a sua biblioteca Lightroom.

Import the HDR sequence in Lightroom. Foto de “Leonardo Papèra”.

Step 2: Crie a imagem HDR

uma vez que todas as suas tomadas sejam importadas, basta usar o botão direito e selecionar “Photomerge → HDR”, como você pode ver na janela acima.

uma vez carregado no HDR, irá aparecer uma nova janela: certifique-se que verifica a funcionalidade de alinhamento automático e não verifique as opções automáticas (não faz um bom trabalho honestamente). A menos que você tenha se movido um pouco ao tomar a seqüência, não use a função Deghost, como ele vai criar artefatos, procurando por diferenças entre as tomadas.

Create the HDR image. Foto de “Leonardo Papèra”.

quando terminar com as configurações, carregue no botão “Juntar” e pronto! Lightroom irá criar um ficheiro DNG viável, com o qual poderá começar a fazer ajustes de cor e contraste como fez no capítulo de exposições individuais. Sim, é assim tão fácil!

• Veja também: Melhor Guia para a Fotografia HDR

Como Fazer uma Paisagem Imagem Mais Interessante

neste capítulo, vou compartilhar duas técnicas úteis que quase todos os profissionais paisagem fotógrafo está usando, o que vai ajudar você a criar muito mais fotos interessantes. Estes são a técnica Dodge/Burn e o efeito Orton.

you can make a landscape image more interesting with two easy techniques. Foto de “Leonardo Papèra”.

Dodge & Burn

esta poderosa técnica é muito popular entre os fotógrafos paisagistas e consiste em pintar sobre uma camada cinzenta com um pincel, focando nas cores (ou luz) que você quer melhorar. Vamos ver como funciona.

Passo 1: Criar UMA camada cinzenta com 50% de opacidade

depois de ter aberto a sua fotografia no Adobe Photoshop, a próxima coisa que deve fazer é criar uma nova camada cinzenta, onde irá pintar mais tarde. Para criá-lo, vá sob a seção “camada” na barra superior e selecione “nova camada→”.

Create a 50% grey layer. Foto de “Leonardo Papèra”.

neste ponto, a janela acima irá aparecer. Mudar o modo de “Normal” para “luz suave” (como mostrado) e assinalar a caixa “preencher com cor suave-neutra-luz (50% cinza)”.Parabéns, acabou de criar a sua primeira camada de dodge e burn!

Dodge and burn layer. Foto de “Leonardo Papèra”.

agora, como pode ver na caixa de camadas no canto inferior direito da imagem acima, a camada dodge e burn está pronta para ser usada.

Passo 2: Pintura!Usando um pincel quente com 30% de opacidade, pintei no lado esquerdo da moldura, mesmo de onde vem a luz. Usei uma cor muito brilhante para realçar as cores quentes do nascer do sol e a luminância dessa área.

Paint on the layer to dodge and burn. Foto de “Leonardo Papèra”.

pode continuar a pintar noutras partes da imagem, talvez escurecendo um pouco do céu com preto para dar mais drama à fotografia ou escolhendo o branco para iluminar as áreas que deseja realçar. Isto é esquivar e queimar!

• See also: 5 Simple Lightroom Post Processing Tips for Landscape Photography

Orton Effect

Created by Michael Orton, this effect has taken many different names over the past few years. Também foi descrito como um” efeito de conto de fadas”,” visual de sonho”, etc. Basicamente, o efeito Orton envolve adicionar um pouco de borrão à imagem para criar um visual suave e suave, que eu assumo que pode ser chamado de “sonhador”. Siga os próximos passos para alcançar este olhar!

Passo 1: borrão gaussiano

aplicar o borrão gaussiano é um bom 80% do processo. O primeiro (e fundamental!) passo que você deve seguir é criar uma camada duplicada, de modo que o original não será afetado pelo borrão. Você encontrará a opção ” camada duplicada “sob a seção” camada ” na barra superior.

Create a gaussian blur layer. Foto de “Leonardo Papèra”.

depois de ter criado uma camada de cópia, vá sob a seção ” Filtro “(ainda na barra superior) → “borrão” → “borrão gaussiano”.

Apply the gaussian blur. Foto de “Leonardo Papèra”.Agora esta pequena janela irá aparecer. Para escolher o raio, há uma regra geral que diz que você deve usar a mesma quantidade que os megapixels de sua câmera. Por exemplo, esta imagem foi filmada usando uma Nikon D800 que tem 36 megapixels, então eu fui para um raio de borrão gaussiano de 36 pixels.

a regra é imprecisa, então não se preocupe se você não selecionar com precisão a quantidade de megapixel de sua câmera. Quando você terminar clique em OK, e você adicionou o borrão!

Passo 2: Baixa a opacidade e muda o modo de mistura

agora que aplicaste o borrão, provavelmente estás a perguntar-te o que fizeste de errado. Está tudo desfocado.Não entres em pânico! Se assinalar a janela da camada no lado inferior direito, irá ver a barra de “opacidade” onde poderá seleccionar a percentagem de opacidade que deseja dar a essa camada específica. Para o efeito Orton, eu recomendo nunca ir acima de 10-15%.

Lower the opacity and change the blend mode. Foto de “Leonardo Papèra”.Depois de definir a opacidade, é hora de mudar o modo de mistura. Para fazer isso, basta mover ligeiramente o rato para a esquerda (na janela aqui em cima, onde diz “sobrepor”, à direita ao lado da opacidade) e uma longa lista de diferentes modos de mistura irá aparecer. Para dar um pequeno “soco de contraste” à imagem, eu recomendo usar o modo sobreposição. Se você quiser iluminar a moldura, então o modo “tela” também é uma opção válida.

• Ver também: criar efeitos de Starburst na fotografia de Paisagem

fluxo de Trabalho Pós-processamento

como provavelmente já viu, é assim que a minha interface de Photoshop parece. A ordem de todas as minhas janelas melhora muito o meu fluxo de trabalho pós-processamento.

Set up your windows to improve your workflow. Foto de “Leonardo Papèra”.

a janela mais importante são as camadas de longe, seguidas pela seleção de cores e, em seguida, o navegador/histograma. Os ícones ao lado do navegador à esquerda são na verdade atalhos: o primeiro é para ajustes de camadas (altamente recomendado!), enquanto os outros são para a História, As ações e os canais. Eu recomendo que você use o history se você fizer algo errado e quiser retornar sobre seus passos! Enquanto esta ordem de janelas funciona para mim, você pode encontrar uma configuração diferente que funciona para você. No entanto, você decide organizar suas janelas, certifique-se de que ele se encaixa no seu fluxo de trabalho e não o impede de qualquer forma. É melhor ter fácil acesso a todas as ferramentas que você usa regularmente, para que você não se atrase desnecessariamente.

• Ver também: Entrevista com Dany Eid / the Key to Successful Landscape Photography

Conclusion

Let me repeat my last time, before closing the article: post-production is vital to improving your photography level! Consequentemente, você precisa gastar uma boa quantidade de tempo aprendendo como criar corretamente seu fluxo de trabalho e como desenvolver seu estilo pessoal com a experiência.

Post-processing will help you achieve your own style in landscape photography. Foto de “Leonardo Papèra”.

espero que com este artigo lhe tenha dado (pelo menos) uma compreensão dos princípios básicos da pós-produção para que você tenha uma boa idéia de como proceder quando você abrir suas imagens no computador.

sobre o Autor: Leonardo Papèra é um fotógrafo de paisagens e natureza com sede na Itália. Você pode encontrar mais de seu trabalho em seu site ou seguindo-o no Instagram.