Che ti piaccia o no, le foto devono essere post-processate. Non voglio nemmeno entrare nel fatto che è sempre stato così, dal momento che le telecamere analogiche erano nel loro periodo di massimo splendore. Allora, c’era solo un modo diverso di farlo. La linea di fondo è che la post-produzione è una parte fondamentale non escludibile del processo di creazione, che dovrai affrontare se vuoi che le tue immagini si distinguano.
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In questo articolo, ci concentreremo su di post-elaborazione in fotografia di paesaggio, che generalmente ha un particolare flusso di lavoro. Come bonus, alla fine dell’articolo ti mostrerò come generalmente post-elaboro le mie foto, prendendone una dall’inizio e modificandola fino alla fine, in modo che tu possa vedere come farlo da solo, passo dopo passo.
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Cos’è il post Editing in fotografia?
Quando parliamo di post-produzione di un’immagine, ci riferiamo a tutto ciò che accade (alla foto) dopo la fase di scatto.
È un dato di fatto che molte persone, sia fotografi che non fotografi, in realtà si riferiscono alle parole “post editing” come una sorta di magia non sensica che solo i nerd del computer e “falsi fotografi” (è anche una cosa?) utilizzare. Nel frattempo ,i “veri fotografi” ottengono lo scatto direttamente sul campo, senza l’aiuto del software di editing.
Diamo un’occhiata a un esempio del significato “reale” della post-elaborazione. Diciamo che non hai ottenuto l’orizzonte dritto sul campo. Questo avrebbe potuto essere perché si stavano sparando in fretta o da una posizione scomoda. Un semplice clic (letteralmente, è un clic) in Adobe Lightroom ti aiuterà a raddrizzare la foto, che puoi quindi procedere a ritagliare un po ‘ se ci sono oggetti indesiderati ai bordi.
Ora, chiameresti questa magia? Considereresti quella foto “falsa” solo perché è stata raddrizzata e ritagliata? Non credo, vero?
Penso che sia molto importante capire che la post-produzione è un atto naturale che segue una volta catturata un’immagine RAW sul campo; non è qualcosa di facoltativo che puoi scegliere di fare o meno. La ragione di ciò è perché un file RAW sta solo registrando tutti i dati nella scena, senza particolari regolazioni. Puoi leggere di più sui file RAW vs JPEG qui. Se vuoi aumentare il tuo livello di fotografia, dovrai sederti dietro il tuo computer e lavorare sulle tue foto.
In questo articolo, passerò un po ‘ di tempo a smantellare tutti i miti e le leggende che sono là fuori sulla post-produzione, dal momento che le tue foto ne trarranno beneficio solo se impari come farlo correttamente.
C’è però una cosa da dire: c’è una linea sottile e invisibile dove la post-produzione diventa manipolazione digitale e la fotografia diventa arte digitale. Non è possibile scrivere i criteri con cui” giudicare ” ciò che è uno e ciò che è l’altro, poiché ogni caso dovrebbe essere considerato separatamente.
- Vedi anche: Impostazioni della fotocamera consigliate per la fotografia di paesaggio
Perché dobbiamo post-elaborare le nostre immagini?
Prova a fare una torta e salta la parte in cui dovresti cuocerla nel forno. La torta potrebbe andare bene, ma chi lo sa se non è cotta? Se lo lasci crudo, sono sicuro che non avrà un buon sapore.
Lasciare un file RAW non elaborato è come voler cuocere una torta ma dimenticarsi di metterla nel forno. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Prova anche a cucinare gli spaghetti e salta la parte in cui aggiungi la salsa. La pasta potrebbe essere cento volte meglio con la salsa giusta, ma non saprai mai se non ne usi nessuno. Invece, sarà blando e incompiuto.
Permettetemi di scusarmi se gli unici due esempi che ho usato riguardano il cibo ma sapete, io sono italiano e pensiamo sempre al cibo! Penso che tu abbia capito quello che sto cercando di dire. I file RAW che si spara in campo sono spaghetti e post-produzione è la salsa.
Come ho già detto nell’introduzione, la post-produzione è una parte fondamentale del processo creativo. Personalmente, direi che è almeno un buon 40% di ciò che rende grande la foto finale.
Ora, tecnicamente parlando, il file RAW che viene dalle nostre telecamere NON è mostrando la scena reale; permettetemi di essere chiaro su questo, non c’è modo sarete in grado di inquadrare la scena reale in quanto è in quel preciso momento. Puoi avvicinarti davvero, ma non inquadrerai la realtà.
Lasciatemi spiegare perché. Se decidi di scattare in formato RAW, l’output sarà un’immagine non elaborata senza contrasti e quasi nessun colore rispetto a quello che stai vedendo con i tuoi occhi in quel momento. Questo perché l’immagine GREZZA ha bisogno di post-produzione per prendere vita. Tutte le informazioni sono contenute nel file, devi solo tirarlo fuori con il software di editing.
Se decidi invece di utilizzare il formato JPEG anziché RAW, non puoi essere orgoglioso di te stesso perché “non stai facendo alcuna post-produzione delle tue foto”. Tecnicamente, non farai alcuna post-elaborazione da solo perché la tua fotocamera farà tutto il lavoro per te.
Nel caso in cui non si fosse a conoscenza, i file JPEG vengono modificati automaticamente dal processore della fotocamera con alcuni parametri molto standard e di base, come “contrasto” o “saturazione”. L’unico momento in cui i JPEG sono utili è quando sei in missione e non puoi perdere tempo a modificare le tue foto o devi inviarle subito alla tua agenzia; in tutti gli altri casi, è sempre preferibile scattare in RAW.
Quindi, permettetemi di riassumere questo: Si può decidere di modificare le immagini che si sta prendendo da soli o lasciare che la fotocamera fare tutto il lavoro per voi e risolvere con il risultato finale. Nel primo caso, avrai il controllo completo sulle regolazioni che farai sulla tua immagine. In quest’ultimo, si può a malapena fare nulla a parte cambiare alcuni cursori nel menu della fotocamera.
Ho davvero bisogno di dirti quale è l’opzione migliore? Ecco, questa è la risposta alla domanda di questo capitolo.
- Vedi anche: Il Miglior Software di Editing Foto e App per 2020
Tipi di Post-Processing
Let’s avventurarsi un po ‘ più all’interno del mondo della post-produzione nella fotografia di paesaggio. In questo capitolo, daremo un’occhiata ai principali rami della post-produzione quando si tratta di paesaggi: esposizioni singole e esposizioni multiple.
È ovvio che le singole esposizioni sono generalmente molto più facili da lavorare, poiché è possibile concentrarsi solo sulle regolazioni dell’immagine come colori e contrasti. Con esposizioni multiple, avrete a che fare con l’immagine stacking, bracketing, mascheramento e selezioni precise.
Esistono due tipi di post-elaborazione: immagini singole e esposizioni multiple. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Per il bene di questo articolo, userò Adobe Camera RAW per la modifica dei file RAW. Ill quindi utilizzare Adobe Photoshop per le regolazioni finali e la modifica selettiva di particolari parti dell’immagine.
- Vedi anche: Ultimate Guide to Luminar di Skylum
Esposizioni singole
Iniziamo con quella più semplice: esposizioni singole. Userò la seguente immagine per guidarti attraverso le regolazioni che generalmente faccio nel 90% delle mie foto. Questo processo ti aiuterà a ottenere risultati migliori nella post-produzione.
Prima e dopo la post-elaborazione. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Regolazioni Raw
Nello screenshot qui sotto, puoi vedere il file RAW prima di toccare qualsiasi cosa, che ti darà un’idea del punto di partenza. Il primo passo è quello di iniziare con le regolazioni di base in Adobe Camera RAW (o Lightroom, se si preferisce).
Guarda sempre prima la temperatura e la tinta. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Le prime cose che dovresti sempre guardare sono la Temperatura e la Tinta. In questo caso, stavo girando con una Nikon D750, che generalmente ha una forte dominanza magenta, anche se questa volta ha sbagliato il bilanciamento automatico del bianco. Era già l’ora blu, con un sacco di tonalità blu-ish nelle zone d’ombra della cornice e un forte cast magenta sulle cime e il cielo. La fotocamera praticamente leggere tutto come rossastro.
Per risolvere un problema come questo, è sufficiente regolare la temperatura. Ho spostato un po ‘ il cursore della temperatura verso toni più freddi e il cursore della tinta verso il magenta. Nello screenshot qui sotto, puoi vedere come questa semplice regolazione abbia già migliorato l’immagine, con toni che si adattano meglio a quell’ora del giorno. Ho anche appiattito l’immagine un po ‘ di più alzando i neri/ombre e abbassando le luci. Questa tecnica ti darà maggiore flessibilità quando lavori con i contrasti in seguito in Photoshop.
Il passo successivo in Adobe Camera RAW è quello di aggiungere un po ‘ di chiarezza per migliorare micro-contrasti e dare un aspetto più nitido generale per l’immagine. Per l’importo, non andare mai oltre + 20, altrimenti potresti ottenere un aspetto granuloso e sgradevole.
Aggiungere un po ‘ di chiarezza. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Il passo finale è passare alla sezione Correzioni Lente (tra le icone appena sotto i dati EXIF) e controllare i due pulsanti “Rimuovi aberrazione cromatica” e “Abilita correzioni profilo”, proprio come si vede nello screenshot qui sotto. Rimuoverà automaticamente l’aberrazione del colore (se ce n’è) e correggerà i “problemi” dell’obiettivo (distorsione, ad esempio).
Rimuovere aberrazione cromatica e lenti distorsioni. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
- Vedi anche: Come scegliere quale versione di Lightroom acquistare
Regolazioni di Photoshop
Ora è il momento di “passare la palla” al potente Adobe Photoshop. So che molti fotografi vengono intimiditi dalla pletora di funzionalità che questo software contiene. Tuttavia, la verità è che abbiamo bisogno solo di un gruppo di loro per rendere le nostre immagini pop fuori un po ‘ di più.
Uno dei concetti principali che dovresti capire quando lavori con Photoshop è come funzionano i “Livelli”. Immagina la tua immagine di base come un foglio bianco. Ogni livello che crei sarà un nuovo foglio, dove farai cose che influenzeranno quello di base. Quanto l’immagine di base sarà influenzata da quegli altri livelli spetterà a te decidere con strumenti come pennelli, gradienti o opacità del livello.
Questa è una descrizione molto breve e incompleta di ciò che i livelli di Photoshop sono, ma una volta che si ottiene il trapano su come funzionano, sta andando essere più facile di quanto si pensi.
Il livello di regolazione curve. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Iniziamo con la regolazione che vedi nella finestra sopra, quella chiamata “Curve”. Per creare questo livello, basta andare nella barra dei menu in alto. Nella sezione Livello, selezionare ” Nuovo livello di regolazione “e quindi”Curve”.
La curva più classica è la “curva S”. Si chiama così perché ha la forma della lettera ‘S’. Questa tecnica fondamentalmente aggiunge contrasto abbassando la curva nella sezione ombra e sollevandola nella sezione luci. Se vuoi essere sicuro di non perdere alcun dettaglio nell’ombra, assicurati di alzare leggermente il punto più basso della curva.
Il livello di regolazione del bilanciamento del colore. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Il secondo livello che stiamo per creare è un livello di bilanciamento del colore. Lo troverai proprio dove hai trovato la regolazione delle curve-sotto ” Livello “nella barra in alto e poi selezionando” Nuovo livello di regolazione “e quindi”Bilanciamento del colore”.
Con questa regolazione, avrai la possibilità di cambiare i calchi di colore all’interno di aree specifiche dell’immagine. Come puoi vedere nella piccola finestra, vengono selezionati i ” Mezzitoni “ma puoi anche passare a” Luci “o”Ombre”. Ciò che scegli dipenderà dall’area del frame su cui vuoi lavorare.
In questo caso specifico, ho deciso di lavorare solo sui mezzitoni. Ho aggiunto un po ‘di rosso, magenta e giallo mentre tiravo fuori un po’ di ciano, verde e blu.
Non spingere troppo sui cursori, poiché puoi apportare modifiche evidenti con basse variazioni di quantità. Come puoi vedere, ho apportato modifiche a +3/-2/-2, così prende quasi niente per vedere una differenza moderata.
Ho solo ottimizzato i cursori un po ‘ per un grande effetto. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
- Vedi anche: Comprendere i cursori HSL in Lightroom
Ora entrerai nella parte più complessa di questo tutorial di Photoshop: il mascheramento. Hai una comprensione di base di come funzionano i livelli, quindi ora è il momento di capire il concetto di maschere. In parole povere, le maschere di livello ti danno la possibilità di nascondere (o rivelare) parti dell’immagine alla regolazione che applichi.
Vedi quei rettangoli bianchi nella parte in basso a destra dello screenshot, nella finestra dei livelli? Quelle sono maschere bianche, che vengono create automaticamente quando si crea un nuovo livello di regolazione.
In questa immagine, ho creato un terzo livello per le regolazioni di Luminosità/Contrasto. Ho abbassato sia la luminosità che il contrasto dell’immagine di una quantità piuttosto significativa. Tuttavia, non volevo che l’intera immagine fosse influenzata da questa regolazione – volevo solo migliorare la luce proveniente da destra oscurando un po ‘ la parte sinistra del fotogramma.
Per ottenere ciò, ho dovuto mascherare (nascondere, in questo caso) il lato destro dell’immagine per la regolazione della luminosità/contrasto. Come puoi vedere nello screenshot qui sotto, la parte destra del rettangolo bianco accanto al livello luminosità/contrasto è nera. Questo perché ho usato un gradiente radiale nero (che troverai nella barra dei menu a sinistra) e “dipinto” sulla maschera per nascondere quell’area dell’immagine dalla regolazione. In questo modo, solo la parte sinistra sarebbe interessata.
Pittura su una maschera. Foto di: “Leonardo Papèra”.
Dopo queste regolazioni, sono tornato alla barra dei menu in alto nella sezione Layer e ho selezionato “Nuovo Livello di regolazione”. Questa volta, ho scelto “Selective Colour”, che è uno strumento incredibilmente utile e potente quando si tratta di lavorare sui colori.
Una volta aperto questo livello di regolazione nella sezione “colori”, potrai selezionare il colore specifico su cui vuoi lavorare (rossi, gialli, blu, verdi, ecc.) e modificare la quantità di ciano, magenta, giallo e nero.
Cosa significa questo? Bene, come puoi vedere nello screenshot qui sotto, ho deciso solo di lavorare sui toni magenta. Sono stato in grado di rimuovere un po ‘di ciano e aggiungere un po’ di magenta e un po ‘ di giallo. Togliere il ciano in realtà significa aggiungere il rosso, poiché è il colore complementare del ciano. Aggiungere magenta in realtà significa rimuovere il verde. Allo stesso modo, aggiungere il giallo significa rimuovere il blu. Tutte queste regolazioni del colore erano relative solo al magenta, quindi le uniche aree in cui vedrai applicate queste modifiche sono dove il software individua i toni magenta e da nessun’altra parte.
Non mentirò: all’inizio potrebbe essere fonte di confusione e ci vorrà un po ‘ per abituarti a questo strumento. L’unico modo per imparare a lavorare correttamente con tutti questi cursori è testandolo e provandolo mille volte.
Regolazione solo di magentas. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Di seguito è riportato uno screenshot in cui ho deciso di lavorare solo sui bianchi, praticamente applicando le stesse variazioni che ho fatto ai magenta.
Lavorare solo sui bianchi. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
E il gioco è fatto! Questi sono gli strumenti che probabilmente utilizzerai di più quando lavori in Adobe Camera RAW e Photoshop.
Come probabilmente avrete notato, le regolazioni che hanno fatto la maggior differenza sono state le variazioni di base di Camera RAW, come la temperatura del colore e la tinta. Dovresti iniziare padroneggiando questi strumenti, che sono abbastanza semplici da usare. È qui che svilupperai davvero l’occhio per il tipo di regolazioni che un’immagine sta chiedendo.
Il risultato finale. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Non si tratta degli strumenti in particolare, si tratta più di come li usi!
- Vedi anche: Fotografia HDR in Islanda / Miscelazione dell’esposizione per principianti
Esposizioni multiple
In questa sezione, daremo un’occhiata ai due tipi più comuni di esposizioni multiple nella fotografia di paesaggio: focus stacking e HDR. Passeremo attraverso i passaggi che è necessario seguire per arrivare al punto in cui è possibile unire tutte le esposizioni insieme per una singola immagine di base su cui lavorare. Da ciò, è possibile seguire gli stessi passaggi nella sezione precedente per post-elaborare una singola esposizione.
Focus Stacking
Questa tecnica incredibilmente utile è diventata molto popolare tra i fotografi di paesaggio negli ultimi anni. Messa a fuoco stacking aiuta a ottenere tutto a fuoco quando si hanno soggetti molto vicini in primo piano della vostra immagine, che altrimenti sarebbe sfocata.
Una sequenza di quattro immagini con diverse aree di messa a fuoco. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Come si può vedere nelle immagini qui sopra, la classica sequenza di messa a fuoco stacking inizia da ottenere lo sfondo a fuoco e passa lentamente la messa a fuoco in primo piano. Per ulteriori informazioni su come scattare una serie di immagini focus-stacked, consulta la nostra Guida definitiva per mettere a fuoco Stacking.
Supponiamo però che tu abbia già preso la tua sequenza di immagini. Ora andremo attraverso come è possibile unire tutti questi scatti in una singola immagine con l’aiuto di Adobe Photoshop.
Fase 1: Apri la sequenza in Photoshop come Livelli
Il primo passo è aprire tutti i livelli in una singola immagine, come vedi nello screenshot qui sotto. Per fare ciò, puoi aprire ciascuno di essi separatamente e poi andare alla sezione “Livello” del menu → “Duplica livello” → seleziona l’immagine di base. Puoi anche selezionarli in Lightroom e con il tasto destro del mouse, scegliere di aprirli “Come livelli” in Photoshop (che è molto più semplice).
Apri la sequenza in Photoshop come livelli. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Passo 2: Allinea le immagini
Un passo molto semplice ma fondamentale è selezionare tutti i livelli e nella sezione “Modifica”, fare clic su “Allineamento automatico livelli”, quindi non ci saranno differenze tra ogni livello.
Auto-allineare i livelli. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Passo 3: Maschera!
Non c’è altro modo per aggirare questo. Avrete a che fare con mascheramento, a questo punto. Per fare ciò, è sufficiente rivelare le parti di messa a fuoco di ogni livello, fino a ottenere un’immagine in cui tutto è a fuoco. Lo strumento pennello (nella barra di sinistra) ti aiuterà durante il mascheramento.
Maschera le parti di contrasto e maschera nelle parti che sono a fuoco. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Il risultato finale dovrebbe essere simile allo screenshot qui sopra. Tutte le maschere hanno alcune parti in bianco e alcune parti in nero, il che significa che alcune parti di questi strati sono visibili mentre altre aree sono nascoste. Può richiedere un po ‘ di tempo per inchiodare l’impilamento e ottenere un risultato decente, senza aloni o cose strane in corso da qualche parte nel telaio. I vostri sforzi saranno valsa la pena però come il risultato sarà incredibile!
- Vedi anche: la Fotografia di Paesaggio Impostazioni | Come Impostare la messa a Fuoco
HDR (High Dynamic Range) Immagini
Ora che abbiamo visto al focus stacking, lavorare con le immagini HDR sarà più facile che una passeggiata nel parco! Non dovremo nemmeno usare Photoshop in questo caso, dal momento che Lightroom ha il miglior algoritmo quando si tratta di unire diverse esposizioni insieme. Segui questi semplici passaggi per ottenere una singola immagine HDR da molte esposizioni!
Passo 1: Importa la sequenza HDR in Lightroom
Dopo aver aperto Lightroom, nell’angolo in basso a sinistra troverai “Importa”. Da lì, sarai in grado di trasferire la sequenza HDR nella tua libreria Lightroom.
Importa la sequenza HDR in Lightroom. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Passo 2: Crea l’immagine HDR
Una volta importati tutti i tuoi scatti, basta usare il tasto destro del mouse e selezionare “Photomerge → HDR”, come puoi vedere nella finestra sopra.
Una volta cliccato su HDR, apparirà una nuova finestra: assicurati di controllare la funzione di allineamento automatico e deseleziona le impostazioni automatiche (non fa un ottimo lavoro onestamente). A meno che tu non abbia spostato un po ‘ quando prendi la sequenza, non usare la funzione Deghost, in quanto creerà artefatti cercando differenze tra i colpi.
Crea l’immagine HDR. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Quando hai finito con le impostazioni, fai clic sul pulsante “Unisci” e il gioco è fatto! Lightroom creerà un file DNG realizzabile, con il quale potrai iniziare a regolare il colore e il contrasto come hai fatto nel capitolo Esposizioni singole. Sì, è così facile!
- Vedi anche: Ultimate Guide to HDR Photography
Come rendere più interessante un’immagine paesaggistica
In questo capitolo condividerò due tecniche utili che quasi tutti i fotografi paesaggisti professionisti stanno utilizzando, che ti aiuteranno a creare foto molto più interessanti. Queste sono la tecnica Dodge / Burn e l’effetto Orton.
Puoi rendere un’immagine di paesaggio più interessante con due semplici tecniche. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Dodge &Burn
Questa potente tecnica è molto popolare tra i fotografi di paesaggio e consiste nel dipingere su uno strato grigio con un pennello, concentrandosi sui colori (o sulla luce) che si desidera migliorare. Diamo un’occhiata a come funziona.
Passo 1: Crea un livello grigio con opacità del 50%
Una volta aperta la tua foto in Adobe Photoshop, la prossima cosa che dovresti fare è creare un nuovo livello grigio, dove dipingerai in seguito. Per crearlo, vai sotto la sezione” Livello ” nella barra in alto e seleziona “Nuovo → Livello”.
Crea uno strato grigio al 50%. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
A questo punto, verrà visualizzata la finestra sopra. Cambiare la modalità da ” Normale “a” Luce soffusa “(come mostrato) e selezionare la casella” Riempi con luce soffusa-colore neutro (50% grigio)”.
Congratulazioni, hai appena creato il tuo primo livello schiva e brucia!
Dodge e bruciare strato. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Ora, come puoi vedere dalla casella livello nell’angolo in basso a destra dell’immagine sopra, il livello Schiva e brucia è pronto per essere utilizzato.
Fase 2: Vernice!
Usando un pennello caldo con il 30% di opacità, ho dipinto sul lato sinistro della cornice, proprio da dove proviene la luce. Ho usato un colore molto luminoso per esaltare i colori caldi del sorgere del sole e la luminanza di quella zona.
Dipingi sullo strato per schivare e bruciare. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Puoi continuare a dipingere in altre parti dell’immagine, magari oscurando un po ‘ di cielo con il nero per dare più drammaticità alla foto o scegliendo il bianco per schiarire le aree che vuoi enfatizzare. Questo è schivare e bruciare!
- Vedi anche: 5 Simple Lightroom Post Processing Tips for Landscape Photography
Orton Effect
Creato da Michael Orton, questo effetto ha assunto molti nomi diversi negli ultimi anni. È stato anche descritto come un “effetto fiabesco”, “sguardo sognante”, ecc. Fondamentalmente, l’effetto Orton comporta l’aggiunta di un po ‘ di sfocatura all’immagine per creare un aspetto morbido e liscio, che presumo possa essere chiamato “sognante”. Seguire i prossimi passi per ottenere questo look!
Passo 1: Sfocatura gaussiana
Applicare la sfocatura gaussiana è un buon 80% del processo. Il primo (e fondamentale!) il passo che dovresti seguire è creare un livello duplicato, in modo che quello originale non sia influenzato dalla sfocatura. Troverai l’opzione” Duplica livello “sotto la sezione” Livello ” nella barra in alto.
Crea un livello di sfocatura gaussiana. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Dopo aver creato un livello di copia, vai sotto la sezione” Filtro “(ancora nella barra in alto) → “Sfocatura” → “Sfocatura gaussiana”.
Applica la sfocatura gaussiana. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Ora apparirà questa piccola finestra. Per scegliere il Raggio, c’è una regola generale che dice che dovresti usare la stessa quantità dei megapixel della tua fotocamera. Ad esempio, questa immagine è stata scattata usando una Nikon D800 che ha 36 megapixel, quindi ho optato per un raggio di sfocatura gaussiana di 36 pixel.
La regola è imprecisa, quindi non preoccuparti se non selezioni con precisione la quantità di megapixel della tua fotocamera. Quando hai finito clicca su OK, e hai aggiunto la sfocatura!
Passo 2: Abbassa l’opacità e cambia la modalità di fusione
Ora che hai applicato la sfocatura, probabilmente ti starai chiedendo cosa diavolo hai sbagliato. Tutto è sfocato.
Niente panico! Se controlli la finestra del livello in basso a destra, vedrai il cursore “Opacità” in cui puoi selezionare la percentuale di opacità che vuoi dare a quel livello specifico. Per l’effetto Orton, consiglio di non superare mai il 10-15%.
Abbassare l’opacità e modificare la modalità di fusione. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Dopo aver impostato l’opacità, è il momento di cambiare la modalità di fusione. Per fare ciò, sposta leggermente il mouse verso sinistra (nella finestra qui sopra, dove si dice “Overlay”, proprio accanto all’Opacità) e apparirà una lunga lista di diverse modalità di fusione. Per dare un piccolo “pugno di contrasto” all’immagine, consiglio di utilizzare la modalità Overlay. Se si desidera illuminare la cornice, anche la modalità “Schermo” è un’opzione valida.
- Vedi anche: Creazione di effetti Starburst nella tua fotografia di paesaggio
Flusso di lavoro di post-elaborazione
Come probabilmente hai visto ormai, questo è come appare la mia interfaccia di Photoshop. L’ordine di tutte le mie finestre migliora notevolmente il mio flusso di lavoro di post-elaborazione.
Configura Windows per migliorare il flusso di lavoro. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
La finestra più importante sono i Livelli di gran lunga, seguiti dalla selezione del colore e quindi dal Navigatore / Istogramma. Le icone accanto al Navigatore a sinistra sono in realtà scorciatoie: il primo è per le regolazioni livelli (altamente raccomandato!), mentre gli altri sono per la storia, le azioni e i canali. Ti consiglio vivamente di utilizzare la cronologia se fai qualcosa di sbagliato e vuoi tornare indietro sui tuoi passi!
Mentre questo ordine di Windows funziona per me, potresti trovare un set-up diverso che funzioni per te. Tuttavia si decide di organizzare le finestre, assicurarsi che si adatta al flusso di lavoro e non ostacolare in alcun modo. È meglio avere un facile accesso a tutti gli strumenti che usi regolarmente, in modo da non rallentarti inutilmente.
- Vedi anche: Intervista a Dany Eid / The Key to Successful Landscape Photography
Conclusione
Lasciatemi ripetere un’ultima volta, prima di chiudere l’articolo: la post-produzione è fondamentale per migliorare il vostro livello di fotografia! Di conseguenza, è necessario dedicare una buona quantità di tempo a imparare come creare correttamente il flusso di lavoro e come sviluppare il proprio stile personale con l’esperienza.
Post-elaborazione vi aiuterà a raggiungere il proprio stile nella fotografia di paesaggio. Foto di: ‘Leonardo Papèra’.
Spero che con questo articolo ti abbia dato (almeno) una comprensione delle basi stesse della post-produzione in modo da avere una buona idea di come procedere quando apri le tue immagini al computer.
Informazioni sull’autore: Leonardo Papèra è un fotografo di paesaggi e natura con sede in Italia. Puoi trovare più del suo lavoro sul suo sito web o seguendolo su Instagram.
