I film più inquietanti di tutti i tempi (sai, una lettura leggera!)

Ci divertiamo a guardare atti di violenza sullo schermo. Dagli imbrogli dei cartoni animati di Looney Tunes ai Vendicatori che battono la merda di Thanos in un blockbuster a quattro quadranti, gli spettatori ricevono un calcio dalle persone che ricevono un calcio. Forse è un atto di catarsi vicaria; forse è perché sappiamo che è tutto falso che ci dà il “permesso” di goderne; forse è perché la posta in gioco reale, sia dentro che fuori dal testo, sembra così bassa. Non sono qui per incriminare persone che amano questo tipo di contenuti — io sono uno di loro. Invece, sono qui per esaminare cosa succede quando i registi girano questo quadrante oltre il punto di rottura.

C’è un sottoinsieme di cinema interessato ad esplorare l’estremo, il profano, il tabù, l’inquietante. Una marca di film che marca lo spettatore, bruciando il loro cervello con immagini indimenticabili e dissezione degli impulsi umani più basici e perversi-impulsi che potrebbero avere qualcosa in comune con la forma più “sanificata” della violenza sullo schermo che troviamo accettabile (ops, credo di essere un po ‘ auto-incriminante!). Alcuni di questi film sono fatti solo per scioccare con vuota provocazione; alcuni hanno qualcosa di genuino da dire al loro centro; tutti ti disturberanno.

Ecco allora i film più inquietanti di tutti i tempi, e una foglia di cinema trasgressivo che vi lascerà scioccati e rannicchiati. Guarda a tuo rischio e pericolo.

E film serbo

Direttore: Srđan Spasojević.

Scrittori: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević.

Onore: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

La schiettezza del titolo di questo film dovrebbe farti capire la schiettezza del suo contenuto. Un film serbo mette nel mirino tutta la Serbia, il suo regista Srđan Spasojević commenta esplicitamente non solo le implicazioni più ampie del vivere in una società e in un governo dilaniati dalla guerra e fascisti, ma le ipocrisie specifiche di questo stesso governo che finanzia film borghesi “sicuri” che cercano di imbiancare le proprie atrocità. Per fare questo punto, Spasojević e il co-sceneggiatore Aleksandar Radivojević hanno creato una trama che ci porta oltre il punto degli inferi. La pornostar in pensione Miloš (Srđan Todorović) ha difficoltà a prendersi cura della sua famiglia. Così, nonostante il suo istinto migliore, accetta di recitare in un film porno artistico di un autore provocatorio (Sergej Trifunović). Ma i metodi e i soggetti del regista consistono nel tranquillizzare Miloš in uno stato di catatonia e costringerlo a fare cose indicibili sulla macchina da presa. E quando dico “indicibile”, non sono iperbolico. Tabù che coinvolgono la violenza sessuale, necrofilia, incesto, e la pedofilia sono lensed con dettaglio impassibile, dando al film un senso immediato di notorietà nel circuito dei festival. Il colpo finale e la decisione presa sono puramente malvagi.

Audizione

Regia: Takashi Miike

Scrittore: Daisuke Tengan

Cast: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike è un oltre il prolifico regista, il cui più noto film come Ichi the Killer e Visitor Q regolarmente immergere lo spettatore in fantasiose visceri e psicologicamente punire tabù. Perché Audition fa il taglio sui suoi molti altri film? In parte, a causa della sua borderline-crudele esca-e-switch. Audition inizia con una premessa e il tono di un dramma romantico luce-Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) è un vedovo solitario che è di recente alla ricerca di un nuovo amore. Sotto il consiglio del suo amico produttore cinematografico (Jun Kunimura), Aoyama inizia letteralmente ad “ascoltare” le donne per essere potenzialmente il suo amore, e subito si innamora di Asami Yamazaki (Eihi Shiina). I due si impegnano sentimenti profondi e malinconici di amore l’uno per l’altro. E poi… la merda diventa strana. Interruttore-flip di Miike si schiaffeggia in faccia, costringendoti a confrontarsi con la premessa intrinsecamente problematico del film, e il sessismo intrinseco cotto in incontri, inseguimenti romantici, e anche l ” industria cinematografica. Quando Asami Yamazaki inizia finalmente a recitare con la sua agenzia, hoo boy, guarda fuori. Immagini di tortura basata sull’ago, smembramento e consumo di un fluido corporeo che sicuramente non dovrebbe essere mangiato si scontrano con un’intensa ossessione psicosessuale in un modo che spinge lo spettatore alla sottomissione. Che è, appunto, l’obiettivo di Yamazaki e Miike.

August Underground Mordum

Registi/Scrittori/Cast: Guastafeste, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Fred Vogel Toetag Foto è un film horror indipendente società di produzione e di studio noto per le low-budget, al limite spingendo opere di estrema cinema. La loro dichiarazione di definizione si presenta sotto forma di una trilogia brutale, aggressivamente nichilista e found-footage di mayhem conosciuta come August Underground. Tutti e tre i film coinvolgono una famiglia trovata di serial killer che viaggiano e sparano filmati l’uno dell’altro instillando miserabili forme di tortura e morte sulle loro sfortunate vittime. Tutti e tre i film sono girati in una qualità frastagliata e bassa, con un’estetica che si sente vicina a un film di tabacco da fiuto letterale come chiunque abbia prodotto in un lungometraggio narrativo. Tutti e tre i film presentano effetti realistici a stomaco pieno e attori impegnati disposti a fare cazzate selvagge l’un l’altro. Ma il secondo capitolo, Mordum di August Underground, potrebbe essere il più abjectly inquietante del lotto. I corpi non sono altro che opportunità anonime per dissezioni morbose e corruzioni, e il team di Toetag è più che disposto a spingerci tutto in faccia, con ogni scena che riesce a superare la precedente nella sua orribile crudeltà. C’è un punto oltre il caos del contenuto sul suo valore nominale? Questa è una domanda che non sono sicuro che Toetag sia interessato a chiedere.

Cannibal Holocaust

Regia: Ruggero Deodato

Scrittore: Gianfranco Clerici

Cast: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

Un noto 1980 film horror che è un testo fondatore del found footage genere, era dritto fino proibito in molti paesi, ha portato il regista Ruggero Deodato essere arrestato e di dover dimostrare in tribunale gli effetti speciali erano contraffatti, aiutato kickstart un’ondata di cannibal sfruttamento del cinema, e influenzato registi nella sua scia (forse più esplicito di Eli Roth con Il Verde dell’Inferno). Cannibal Holocaust racconta, in forma mockumentary, la storia di un gruppo di antropologi che si recano in un villaggio amazzonico per cercare di salvare un gruppo di registi lasciato lì. Quando arrivano, scoprono bobine di filmati con azioni orribili perpetrate dai nativi cannibali, risultando in una narrazione metatestuale annodata che colpisce aggressivamente il saviorismo bianco, il colonialismo, il ruolo di notizie televisive sensazionali nell’esacerbare la violenza e persino il ruolo del membro del pubblico che guarda questo stesso film. Ora, Cannibal Holocaust è interessato solo a fare questi punti con acume intellettuale irreprensibile? Certamente no. Le immagini mostrate, in dettaglio impagabile, sono chiaramente progettate per controversie in tribunale, e in alcune sequenze di vera crudeltà sugli animali, possono camminare una linea in un testo senza scopo per alcuni. Ma non si può negare Cannibal Holocaust ha molto sulla sua mente, ed è disposto a mangiare alcune menti per cercare di fare i suoi molti punti.

Eraserhead

Regista / Sceneggiatore: David Lynch

Cast: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

Il film d’esordio di notorious nightmare-agitatore/meteorologo David Lynch, Eraserhead è probabilmente il più vicino che abbia mai sentito di vivere nel surrealismo casuale e rosicchiato di un incubo reale in forma cinematografica. Usando la fotografia in bianco e nero e il sound design inspiegabilmente terrificante, Lynch racconta la storia di Henry Spencer (Jack Nance), un uomo debole e sensibile che vive in una bizzarra società apocalittica post-industrializzata. La vita è capovolta dalla presenza (o dalla minaccia) della domesticità, dell’educazione dei figli, dei rapporti sessuali e persino dell’aldilà. Lynch presenta queste sfide sia con uno stile di pelle-crawling e nessuno stile a tutti; mentre il design di produzione di questo film è impareggiabile nella sua atmosfera, così molte delle immagini inquietanti del film si verificano quasi inavvertitamente, senza alcun commento sulla sua stranezza desolante. Tutto questo culmina nella rivelazione di un bambino il cui volto rimane controverso per i metodi in cui Lynch potrebbe averlo fatto. In qualche modo, Eraserhead fa parlare le cose nel nostro subconscio che non possiamo parlare, parlando a malapena. Cantalo con me: “In cielo tutto va bene…”

Henry: Portrait of a Serial Killer

Regia: John McNaughton

Autori: Richard Fuoco, John McNaughton

Cast: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Se il suddetto agosto Metropolitana è il thrash metal del “found footage serial killer famiglia film horror,”Henry: Ritratto di un serial Killer è la tranquilla improvvisazione jazz. Il film horror del 1986 a basso budget di John McNaughton presenta una performance da protagonista di Michael Rooker nel ruolo del protagonista. Il lavoro di Rooker qui è sorprendente, riuscendo a trovare i crepacci dell’umanità in una persona così cablata da infliggere nient’altro che danni nichilistici e senza senso a coloro che lo circondano, specialmente a coloro che osano mostrare qualcosa di simile all’affetto umano. Per quanto riguarda il found footage di tutto: Henry non è interamente reso utilizzando telecamere in-text. Molte delle scene più tranquille e psicologicamente più ecchimosi del film sono girate in una semplice copertura da 16 mm, i colori di McNaughton si sentono atipicamente profondi e lussuosi per un affare così orribile e a basso budget. Ma i momenti più sorprendentemente brutali della carneficina omicida del film — e, soprattutto, il terrore che porta a tali esplosioni-sono filmati all’interno del testo di Henry e della sua troupe. La casualità della carneficina, l’inevitabilità di tale distruzione sfrenata è ciò che indugia nella mente molto tempo dopo aver visto Henry. È il ritratto di un serial killer, e il ritratto di ciò che può accadere se ci permettiamo di essere disumanizzati e desensibilizzati a un punto in cui l’empatia è impossibile.

Human Centipede 2 (Sequenza Completa)

Regista/Scrittore: Tom Sei

Cast: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Sei Il Centopiedi Umano, pubblicato nel 2009, ha avuto un rauco presupposto che è immediatamente diventato famoso non solo tra gli estremi cinefili, ma attraverso il generale filmscape. E se facessi un “millepiedi umano” attaccando le bocche delle persone ai mozziconi degli altri? Non ti biasimerei se questa premessa ti facesse ridere, e la combinazione di colori stranamente brillante del primo film e le prestazioni carismatiche di Dieter Laser si appoggiano alla natura accessibilmente e neramente comica di tutto ciò. Ma il suo sequel, The Human Centipede 2 (Sequenza completa), prende qualsiasi senso di accessibilità e lo investe con un’auto, schiacciandone il cranio. E sì, questo è, purtroppo, un suggerimento a qualcosa che accade nel film.

Prendendo in prestito un tocco del nuovo incubo di Wes Craven, Human Centipede 2 si concentra su Laurence R. Harvey dando una performance impegnata helluva come un uomo malato-sofferente che è ossessionato —preparati — il film Tom Six The Human Centipede. Questa audace meta-scelta è accresciuta al suo estremo più ovvio come Harvey, che ha ottenuto un gusto per il sangue macabro dopo aver spedito graficamente con la sua madre abusiva, decide di creare il proprio millepiedi umano dalle sue forniture mediche molto, molto dilettantistiche.”Seduto in cima a questo millepiedi? Preparati-Ashlynn Yennie, giocando ” Ashlynn Yennie, stella del Millepiedi umano.”Mentre c’è qualcosa di innegabilmente coinvolgente e inaspettatamente autocritico con Six folding nella sua mitologia su se stesso, lo usa principalmente come trampolino di lancio per raffigurazioni di indicibile crudeltà in bianco e nero disgustosamente grasso. La suddetta sequenza di “schiacciamento del cranio” accade a una persona a cui non vuoi vederlo accadere; il filo spinato è usato in modo sessualmente violento; e una scena che coinvolge il millepiedi umano, um, “mangiare” è al di là di vile. The Human Centipede 2 si sente come il film che tutti si aspettavano che la parte 1 fosse, nel “meglio” o nel peggio.

In una Gabbia di Vetro

Regista/Scrittore: Agustí Villaronga

Cast: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

Di tutti i vari sottogeneri di sfruttamento cinema, Nazisploitation potrebbe essere più desideroso di rompere e spingere il tabù in faccia. L’effetto a catena di spettacoli horror psicosessuali che evocano i nazisti come Ilsa, She Wolf of the SS e l’ultima orgia della Gestapo potrebbe essere visto in immagini di prestigio come The Night Porter e in opere moderne come Rob Zombie’s Grindhouse trailer Werewolf Women of the SS e the Amazon program Hunters. In una gabbia di vetro si infila l’ago della Nazisploitation tra “valore di shock vuoto” e “qualcosa da dire” in modo inquietante ma efficace, usando un film d’atmosfera insolitamente atmosferico per l’avvio.

La persona nella gabbia di vetro titolare è Klaus (Günter Meisner), un ex medico nazista che ha torturato, sperimentato e commesso orribili atti di violenza sessuale ai bambini sia all’interno dell’Olocausto che dopo, dove si è esiliato in Spagna. In un episodio dei suoi demoni che lo raggiungono, Klaus tenta il suicidio e fallisce, con il risultato che viene incubato in un polmone di ferro. Un’infermiera di nome Angelo (David Sust) si offre di prendersi cura di lui, ma non è un’infermiera normale. È una vittima di Klaus, cresciuto e desideroso non solo di ottenere la sua vendetta sul medico nazista, ma di abitare l’identità del medico nazista il più letteralmente possibile. La narrazione risultante è punitiva, inquietante e psicologicamente affascinante, un’efficace dissezione dei traumi e degli effetti persistenti che si verificano sia per gli abusanti che per gli abusati.

All’interno

Registi: Julien Maury, Alexandre Bustillo

Scrittore: Alexandre Bustillo

Cast: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

Tra le tante esperienze cinematografiche violanti prodotte durante il movimento cinematografico degli anni 2000 noto come New French Extremity (Martyrs, Trouble Every Day, High Tension, e altri pezzi di cinema francesi che rendono brutalmente tutte le cose trasgressive), nessuno si attacca alle mie ossa come orribilmente come Inside (conosciuto in Francia come À l’intérieur). La trama è al di là di semplice: Sarah (Béatrice Dalle), una vedova recente, è incinta e sola. E poi una donna di nome, semplicemente, “La Femme” (Alysson Paradis), invade la sua casa, ossessionata dall’idea che il bambino di Sarah le appartenga. E lo prendera ‘ con ogni metodo possibile. Ciò che ne risulta è un’esperienza brutalmente brutta, fisica, viscerale di abietta brutalità e autodifesa, roteata in modo aggressivo con provocazioni psicologiche di trauma, diritto e maternità-il tutto coinvolgendo una donna incredibilmente incinta. Gli ultimi momenti di questo film teso e terrificante mi fanno rabbrividire fino ad oggi.

Irréversible

Regista / Sceneggiatore: Gaspar Noé

Cast: Monica Bellucci, Vincent Cassel ,Albert Dupontel

Parlando di New French Extremity, enfant terrible Gaspar Noé, autore di altri lavori inquietanti come I Stand Alone e Climax, ha lasciato il segno sia su quel movimento contemporaneo che sul sottogenere di sfruttamento più pervasivo di “rape and revenge” con Irréversible disgustosamente completo del 2002. Nelle opere tradizionali di sfruttamento in quello stampo, come The Last House on the Left, I Spit on Your Grave, o Thriller-A Cruel Picture, conosciamo una protagonista femminile, siamo inorriditi dal vile abuso sessuale che subisce e vengono rivendicati quando ottiene la sua vendetta violenta sui suoi abusatori maschi. Noé, letteralmente, ribalta la sceneggiatura, presentando questa narrazione in ordine inverso. Il film inizia con una cacofonia a ruota libera di suono, colore, vorticoso lavoro di macchina da presa e abietta carneficina, mentre il pezzo di “vendetta” viene instillato su qualcuno di cui non abbiamo alcun contesto (in particolare commesso non da una donna che ritrova l’empowerment, ma da un uomo pieno di rabbia). È una brutale fetta di violenza contestuale con cui iniziare un film — e la scena successiva comporta una lunga presa angosciante e quasi inguardabile del personaggio principale di Monica Bellucci che viene violentata graficamente, prima di essere picchiato in coma. Ancora una volta, Noé ci presenta i ritmi tipici di un thriller di stupro e vendetta, ma invertendo il loro ordine, ci sta costringendo a esaminare la natura arbitraria della violenza e il vuoto della vendetta, o essere un fottuto stronzo che ha fatto un film inutile, a seconda della tua presa. Il resto di Irréversible mostra “misericordiosamente” momenti di amore, sviluppo del personaggio e umanità riguardo a Bellucci, ma tutto ha un pallore cupo e nauseante, un promemoria subconscio che gli atti del male sono davvero irreversibili, indipendentemente dalla ragione.

Uomo Morde Cane

Amministrazione: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Scrittori: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Cast: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

tutte le numerose e inquietanti film che ho visto in vita mia, solo uno ha avuto il potere di farmi avanti veloce attraverso una scena a causa di un mio personale disagio. Quel film è Man Bites Dog, conosciuto nel suo paese natale del Belgio come C’est arrivé près de chez vous (un introito sulla frase “Potrebbe accadere a voi”). Dal suo titolo in giù, il mockumentary in bianco e nero (un altro film horror di found-footage fondamentale) ha i suoi occhi su come consumiamo e divinizziamo gli atti di violenza e il loro “divertimento” senso di paura, specialmente nei media. Un gruppo di giornalisti segue un uomo di nome Ben (Benoît Poelvoorde, inquietantemente brillante). È affascinante, divertente e sembra essere un serial killer prolifico e sadico. I giornalisti mirano a filmare lui e i suoi crimini sempre più violenti con un senso di rimozione oggettiva. Ma silenziosamente, subdolamente, terribilmente, i giornalisti non possono fare a meno di partecipare attivamente ai suoi crimini, accusando non solo i media di tutto il mondo, ma anche noi per aver voluto guardare e ridere (sì, ridere, il film è spesso neramente divertente) in un film come questo. Tutto ciò culmina con una scena intermedia di carneficina e le sue conseguenze che viene mostrata così casualmente, così graficamente, e così senza rimorso, che vorrei poterlo avanzare velocemente nel mio cervello.

Melancholie der Engel

Regia: Mariano Dova

Autori: Mariano Dova, Carsten Frank

Cast: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann Peter Martell Margarethe von Stern

Noto regista tedesco Mariano Dova ha realizzato numerose opere di implacabile disgusto (non Google cosa succede nel Carcinoma, per il tuo bene). Ma in Melancholie der Engel (Melancholia dell’angelo) del 2009, potrebbe aver fatto il suo, um, “capolavoro”. Con una durata di due ore e mezza, Melancholie der Engel ha un sacco di riflessioni filosofiche sulla sua mente, generalmente portando a una forma di nichilismo assurdo come praticata da Katze (Carsten Frank), che crede di essere vicino alla fine della sua vita. Così, nel tentativo di spingere i limiti dell’esistenza il più lontano possibile prima che si esaurisca casualmente, lui e un gruppo di, um, “amici” si impegnano in atti di depravazione sempre più orrendi, grafici, apparentemente non simulati. Questi atti di degrado umano, filmati in video digitali dall’aspetto intrinsecamente brutto, sono filtrati attraverso tutti i tipi di “grandi idee” che coinvolgono le filosofie di Dova e gli ideali cattolici di colpa e redenzione, ma è difficile allontanarsi da questo film con un pensiero diverso da “perché?”Che, suppongo, è il punto. Se volessi che la trilogia precedente di Richard Linklater avesse scene che coinvolgevano merda, Melancholie der Engel potrebbe essere per te.

Uomini dietro il Sole

Direttore: T. F. Mou

Scrittori: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Cast: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

Le atrocità della guerra, reso in dettaglio miserabile. Men Behind the Sun, del cineasta cinese T. F. Mou, descrive gli orribili esperimenti perpetrati ai prigionieri cinesi e siberiani dai comandanti militari imperiali giapponesi durante la seconda guerra mondiale con effetti speciali disgustosamente grotteschi. Al di là degli evidenti disturbi viscerali del film, ci sono anche ramificazioni psicologiche, sia all’interno che all’esterno del testo. Men Behind the Sun vuole esplorare i veri traumi e il dolore della vita reale, vuole rappresentare i limiti del patriottismo e la scala mobile del nazionalismo, vuole comunicare il messaggio necessario che la guerra è, e sarà sempre, l’inferno. Ma vuole anche essere un film horror di sfruttamento con effetti gore busta-spingendo. Può avere entrambi i modi? Lo merita? Se ci riesce, vale ancora il nostro tempo? Ci sono altri modi più appetibili per digerire ed elaborare gli orrori inflitti agli esseri umani da altri esseri umani sotto le spoglie della guerra? O sono messaggi smussati come questo davvero, veramente l’unico modo in cui può attaccare al nostro cervello?

Nekromantik

Direttore: Jörg Buttgereit

Scrittori: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Cast: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Quick indovinare: Cosa pensi Nekromantik è di circa, in base al suo titolo, auno? Ding ding ding, esatto, fam! Si tratta veramente, sinceramente e sfacciatamente di scopare un cadavere – e il regista Jörg Buttgereit è veramente, sinceramente e sfacciatamente interessato a mostrare tutto. Il film segue una coppia, Rob e Betty (Daktari Lorenz e Beatrice Manowski), che sono avidamente e morbosamente interessati tra le intersezioni di amore, sesso e morte. Rob lavora per un’azienda che ripulisce cadaveri dai luoghi degli incidenti e, beh, gli piace tenere souvenir e trofei per lui e la sua ragazza con cui giocare. Alla fine, questo si intensifica nel furto completo di un cadavere pieno, che si intensifica in una curiosa situazione thruple che coinvolge l’uso più ickiest di un tubo d’acciaio che abbia mai visto al cinema. Nekromantik, per coloro i cui sensi dell “umorismo sono disposti a fare il grande passo, in realtà miniere una discreta quantità di commedia nera dalla sua premessa quasi imprintable, giocando battiti di amore romantico e la gelosia esasperante con l” impegno ironico e l ” appello outsider. Ma non impedisce al film di rovinare le più vili raffigurazioni della carne umana, e i suoi momenti finali sono allo stesso tempo sorprendenti e stranamente poetici.

Salò, o le 120 Giornate di Sodoma

Regia: Pier Paolo Pasolini

Autori: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Cast: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

Il nonno di disturbare il cinema, un impressionante pezzo di orrore che ha, nonostante (a causa di?) il suo contenuto estremo, ha guadagnato quel raro pezzo di prestigio cinema canonizzazione. Esatto, amici: È possibile acquistare Salò, o i 120 giorni di Sodoma in un elegante pacchetto blu-ray Criterion Collection, con le sue raffigurazioni aggressivamente grafiche del fascismo corrotto e dell’impulso animale impazzito in dettagli esigenti e esasperanti. Ultimo film di Pier Paolo Pasolini prima del suo omicidio, Salò si ispira in egual misura a I 120 giorni di Sodoma del marchese de Sade, un’opera influente sui limiti e i punti di rottura del degrado umano e della sessualità (da qui deriva la parola “sadismo”!), e gli orrori reali inflitti da un governo italiano fascista durante la seconda guerra mondiale. Innumerevoli giovani sono torturati, mutilati, costretti a compiere atti indicibili l’uno contro l’altro e uccisi in modi che sembrano esistere solo per soddisfare i capricci sempre più luridi dei loro oppressori. Salò è un orologio brutale, uno che non sono sicuro che qualcuno possa “raccomandare”, ma è vitale. È un film che mette a nudo il sottile confine tra l’umanità e il male sotto gli auspici di strutture di potere gerarchiche, un film che mostra quanto profonda possa essere la crudeltà. Non è l’ideale da guardare mentre si mangia.

Il Snowtown Murders

Regia: Justin Kürzel

Scrittori: Shaun Grant, Justin Kürzel

Cast: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

Il Snowtown Murders, basato su una serie di vita reale di uccisioni in Adelaide, in Australia, è uno straziante slow burn, un’occhiata sotto il decrepito microscopio di disfunzionale piccola città-comunità, un incrocio tra Harmony Korine e Michael Haneke, un feroce esordio per il regista Justin Kürzel. Determinato per liberare la sua comunità di esplicita minaccia di pedofili e omosessuali, che egli è più che disposto a tossicamente confondere, John Bunting (un terrificante Daniel Henshall) recluta un gruppo di inferiore-classe di persone, tra cui vittima di violenza sessuale Jamie Vlassakis (straziante Lucas Pittaway), per trovare, tortura e omicidio di coloro che lo meritano. La cornice di Kurzel è allo stesso tempo impertinente e inquietante, usando sia il potere della carneficina esplicita che il terrore implicito per spingere costantemente un cacciavite nelle viscere dello spettatore. Psicologicamente, Snowtown non lascia mai nessuno fuori dai guai-non i veri pedofili uccisi, non gli spettatori che potrebbero trovare quell’azione in qualche modo vendicativa, non Jamie che cade sotto l’influenza di questa nuova figura allettante, e certamente non John Bunting se stesso. È triste, cupo, cupo, un film che esplora il più vile e vile della natura umana in modi che ti faranno entrare in empatia e poi ti faranno avere bisogno di una doccia.

Tetsuo: L’uomo di ferro

Regista / Scrittore: Shinya Tsukamoto

Cast: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Se trovi Black Mirror inquietante, non hai ancora visto nulla. Tetsuo: L’uomo di ferro è un cazzo di orologio duro. È un incubo sperimentale in bianco e nero in dialogo con classici di culto simili come il già citato Eraserhead o Begotten. È meno interessato a una narrativa fantascientifica appetibile di quanto non lo sia in un’esplorazione impassibile dell’umore. E il “mood”, per gentile concessione del noto regista di culto giapponese Shinya Tsukamoto, è”desolante”. Tetsuo è tecnicamente un film cyberpunk. Cyberpunk fiction è interessato alla fusione di esseri umani con miglioramenti cibernetici. E Tetsuo: The Iron Man prende quell’impulso e lo catapulta ai suoi estremi cristallizzati, spogliando tutte le altre parti per il puro scopo di “man plus metal.”L ‘”uomo” di questa equazione, interpretato con ossessione ipnotica dal regista del film, vede i pezzi di metallo come oggetti feticci violenti che meritano il più possibile la nostra lode e fusione — la sua prima azione nel film è quella di tagliarsi la gamba e infilarci dentro un pezzo di metallo. Ma quando un salaryman (la parola giapponese per “colletti bianchi”) interpretato da Tomorowo Taguchi inizia letteralmente a germogliare il metallo come il culmine dei suoi sogni violenti e delle sue fantasie sfocate dalla realtà, i due si affrontano in modo inesorabilmente nichilista.

Tetsuo: L’uomo di Ferro è pieno zeppo di immagini sconvolgenti, in particolare quando l’uomo di Ferro titolare e la sua fidanzata completamente umana (Kei Fujiwara) tentano di copulare anche se è, sai, un uomo di Ferro. Ma non è shock per l’amore di shock — Tsukamoto ha molto in mente, e ogni aspetto del suo sogno di febbre, dagli effetti di trucco fatti a mano fino alla fotocamera smeary 16mm, parla al servizio della sua ultima affermazione di tesi: la fusione della tecnologia e della razza umana ci distruggerà totalmente tutti.

Felice a guardare, tutti! 🙂

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