Sceneggiatura 101: 5 suggerimenti per scrivere personaggi migliori nella tua sceneggiatura

Il regista di Los Angeles Noam Kroll sta attualmente lavorando al suo secondo lungometraggio. Tiene un blog di produzione sul suo sito web NoamKroll.com. In questo post sul blog, scrive di concentrarsi sui personaggi al fine di costruire una sceneggiatura migliore. Controlla il blog di Kroll qui, e la sua casa di produzione post-produzione casa Creative Rebellion qui

Scrivere una sceneggiatura è un atto di bilanciamento, e mentre tutti i componenti devono lavorare insieme in armonia, l’unico componente che può davvero fare o rompere la sceneggiatura (secondo me) è il personaggio. In altre parole, potresti avere l’arco narrativo più bello scritto e la struttura perfetta per la tua sceneggiatura, ma se il tuo personaggio principale è noioso e piatto, tutto il resto cade a pezzi. Al contrario, potresti avere una storia che ha bisogno di lavoro e il ritmo generale potrebbe essere spento, ma se il tuo personaggio principale è avvincente, il tuo pubblico rimarrà impegnato nel film indipendentemente da alcuni dei difetti che potrebbe avere. In ideal world, vuoi trovare quell’equilibrio che ho menzionato sopra, in cui tutti i componenti lavorano insieme armoniosamente, e un modo sicuro per iniziare nella giusta direzione è quello di concentrarsi prima sulla scrittura di personaggi a strati con significato e scopo.

Ecco i miei migliori consigli 5 per scrivere personaggi più forti nella tua sceneggiatura:

#1 – Rendi il tuo personaggio simpatico all’inizio

Se ti aspetti che il tuo pubblico faccia il tifo per il tuo personaggio principale per i prossimi 90 minuti del film, faresti meglio a fare qualcosa all’inizio per assicurarti di averlo guadagnato. Alcuni guru della sceneggiatura (Blake Snyder in particolare), sottolineano questo punto sopra ogni altra cosa – e per una buona ragione. Senza un personaggio per cui fare il tifo, la tua storia non ha nulla da fare. Il pubblico ha bisogno di identificarsi con qualcuno nella fase iniziale, e se i tuoi personaggi sono generalmente antipatici (anche se potresti pensare che siano interessanti), semplicemente non sarà sufficiente per sostenere una sceneggiatura. Spesso gli sceneggiatori scriveranno il loro personaggio principale in un modo che sarebbe più adatto a scrivere un antagonista. Potrebbero avere alcune linee di dialogo scattanti qua o là,ma generalmente si sentono come una forza negativa e egoista nel grande schema del film e spesso non hanno qualità redentrici.

Scrivere personaggi simpatici può essere fatto in una quantità infinita di modi. Per esempio, semplicemente come la scrittura forte dialogo che mostra come spiritoso o affascinante il personaggio può essere può andare un lungo cammino. Oppure potrebbero essere resi simpatici attraverso le loro azioni, mostrando un atto disinteressato all’inizio del film per stabilirli come una forza positiva. E tieni a mente, tutto questo può essere fatto nel contesto del mondo in cui stai scrivendo, e in nessun modo deve dipingere i tuoi personaggi come persone perfette. Se stai scrivendo “The Sopranos”, puoi ancora fare la radice del pubblico per Tony Soprano, perché vedi il valore che mette sulla sua famiglia e la vulnerabilità che ha come persona alle prese con la depressione. Nel contesto di una storia diversa, Tony Soprano può essere un cattivo ragazzo senza qualità redentrice, ma in the Sopranos è circondato da persone che sono oggettivamente peggiori di lui, e come tale può ancora elevarsi al di sopra e mostrare al pubblico che è il personaggio che è più simile a loro. La linea di fondo è comunque lo si fa, se è attraverso il dialogo, azioni, umorismo o qualsiasi altro mezzo – ottenere il vostro pubblico tifo per il vostro vantaggio il più presto possibile.

#2 – Costruire realistico & caratterizzazione dettagliata

Carattere si riferisce all’essenza di chi chiunque nel vostro script è veramente al suo interno. È lui o lei una persona buona o una persona cattiva? Un combattente o un wimp? Il carattere è lo spirito di quella persona, mentre la caratterizzazione è il risultato quantificabile di chi sono. Ad esempio, diciamo che hai antagonista femminile ego-driven con un lavoro ad alta potenza e chip sulla sua spalla. Lei potrebbe guidare un grande SUV al lavoro, bere caffè nero, e hanno sviluppato un tic nervoso. Tutti questi punti sono dettagli di caratterizzazione. I dettagli non cambiano chi è il personaggio al loro centro, ma sono semplicemente un bi-prodotto realistico di chi è quel personaggio e come si sono sviluppati. Prendiamo ad esempio il personaggio di Derek Vinyard in “American History X” (interpretato da Edward Norton). Mentre il film lo espone ad essere un uomo cambiato, è ancora coperto di tatuaggi che sono un ricordo costante del suo passato oscuro e della vita prima della prigione.

Scrivere una forte caratterizzazione è importante su tanti livelli. Prima di tutto, un personaggio realisticamente raffigurato aggiungerà un sacco di realismo al tuo pezzo. Non riesco a contare quante volte ho visto lo stesso antagonista generico in un film che ha avuto zero caratterizzazione originale, che alla fine ha completamente diminuito la loro importanza nel film. Ma anche al di fuori di aggiungere realismo ai personaggi, può anche aiutarti come scrittore a raccontare la tua storia in modo più intuitivo e drammatico. Ad esempio, uno degli esercizi che userò spesso prima di saltare in una sceneggiatura, è scrivere alcune pagine di note di caratterizzazione su ogni personaggio della sceneggiatura. Lo faccio rapidamente, quasi come un esercizio di libera associazione, ed è immensamente utile. Consiglio vivamente di farlo, poiché alla fine dell’esercizio, avrai più pagine di note che non solo daranno dettagli e significato al tuo personaggio, ma aiuteranno anche a suscitare idee per la tua storia in altri modi, vale a dire chiarendo le scelte che il tuo personaggio potrebbe fare. Quest’ultimo sentimento mi porta al punto successivo sulla nostra lista–

#3 – Lasciate che il vostro personaggio a prendere le decisioni per voi

anche se è molto importante avere un’idea dei tuoi film della struttura, prima di fare qualsiasi scrittura, vuoi anche per consentire la storia di svolgersi in modo biologico e naturale, e l’unico modo per farlo è quello di dare ai vostri personaggi, alcuni di spazio per respirare. Piuttosto che forzare il tuo personaggio in un arco e dettare tutte le loro azioni prima ancora di scrivere “FADE IN”, cerca di lasciare che il tuo personaggio prenda le proprie decisioni che sposteranno la tua storia in avanti. Questo è qualcosa che ho creduto per molto tempo di essere una componente importante per qualsiasi script, e l’idea di farlo è stata davvero solidificata quando ho sentito Vince Gilligan parlare dell’utilizzo di questo approccio allo sviluppo di personaggi in “Breaking Bad”. Questo è probabilmente uno dei motivi per cui lo spettacolo ha avuto così tanto successo di critica ed è stato in grado di rompere un nuovo terreno.

Mentre scrivi una determinata scena, chiediti continuamente come reagirebbe il tuo personaggio alle circostanze in cui si trova. Non pensare a cosa farebbe un altro personaggio in un altro film, o cosa faresti in quello scenario, o finirai con il personaggio principale più generico e noioso che potresti scrivere. Se hai fatto i compiti e seguito il mio suggerimento in punta #2, si dovrebbe già conoscere il tuo personaggio molto bene e hanno un tempo facile giudicare quello che faranno dopo. Sai che tipo di scarpe compra, il fatto che non fuma da tre anni ma si agita ancora quando sente odore di sigaretta, e che si addormenta alla TV ogni sera. Sai anche perché è così-capisci il tipo di educazione che ha avuto e il fatto che è stato vittima di bullismo a scuola. Se sai tutto questo, allora hai naturalmente una comprensione più profonda di ciò che farà in una data situazione e di come reagirà a qualsiasi dato evento. Quindi vai nelle tue scene e nella tua storia con una mente aperta, specialmente nelle prime bozze. Se la tua sceneggiatura sarà buona, avrà bisogno di passare attraverso molte, molte bozze, non importa quanto sei bravo a scrivere. Quindi non essere troppo appeso ad avere un arco di caratteri perfetto nella prima versione. Lascia che si svolga in modo naturale, e nelle bozze successive puoi tornare indietro ed evidenziare l’arco di più una volta che il tuo personaggio ti ha mostrato di cosa si tratta veramente.

#4 – Dai al tuo personaggio un dialogo avvincente

Ho toccato questo un po ‘ nella parte superiore dell’articolo, ma merita davvero la sua sezione. Sei personaggio ha bisogno di avere convincente, interessante, e il dialogo originale. E questo non si applica solo al tuo personaggio principale, si applica a ogni ultimo carattere nello script. Un forte dialogo dirà al pubblico esattamente chi è questo personaggio in pochi istanti da loro che parlano le loro prime battute sullo schermo. Sappiamo da dove vengono in base al loro accento, quanto sono istruiti, se sono introversi o estroversi, e molto altro ancora. Un’immensa quantità di informazioni può essere trasmessa con il dialogo, senza nemmeno dire nulla di specifico. Una scena di dialogo ben scritta che è composta da qualcosa di semplice come un personaggio che compra generi alimentari potrebbe dirti un mondo su quel personaggio e alla fine aggiungere importanza a ciò che stanno dicendo, in particolare quando si impiega l’uso del sottotesto – un altro argomento mi piacerebbe esplorare ulteriormente nel suo post.

La cosa strana dei film narrativi è che anche se sono completamente romanzati, noi come pubblico vogliamo ancora che si sentano il più reali possibile. Anche in un film fantasy, dobbiamo essere in grado di relazionarci con i personaggi e capire chi sono a livello grezzo e viscerale, e il dialogo è il veicolo per raggiungere questo obiettivo. Ma tenete a mente che il dialogo convincente non significa necessariamente avere un sacco di dialogo. Potresti avere un personaggio che dice molto poco, che a sua volta dice molto su di loro senza l’uso di parole. Si può avere un personaggio che è il discorso è pieno di gergo e un altro che suona come un predicatore. Avere personaggi che parlano con le proprie voci è tremendamente importante e assicurati che nessuno dei tuoi personaggi suoni come la stessa persona. Un grosso problema che alcuni sceneggiatori hanno è che scrivono tutti i loro personaggi dialogano allo stesso modo. Idealmente, vuoi essere in grado di coprire i nomi dei tuoi personaggi sullo script e sapere ancora chi sta parlando in base a ciò che stanno dicendo e al modo in cui lo stanno dicendo. Tarantino è probabilmente uno dei maestri del dialogo, e qualsiasi dei suoi film può essere una fonte di ispirazione per gli scrittori che cercano di differenziare le voci dei loro vari personaggi.

#5 – Pensa come un attore e dai al tuo personaggio un punto di vista

Gli attori parlano sempre di trovare il loro punto di vista. Hanno bisogno di motivazione per la scena. Hanno bisogno di sapere dove il personaggio era il momento prima di entrare nella stanza che apre la scena. Hanno bisogno di sapere che cosa il loro personaggio è davvero pensare e sentire quando stanno battendo intorno al cespuglio e consentendo il sottotesto della scena per giocare fuori. Per alcuni scrittori, questi costrutti possono sembrare strumenti ingannevoli che gli attori hanno bisogno di ottenere nel giusto spazio di testa, ma direi che noi come sceneggiatori abbiamo davvero bisogno di pensare in questo modo. Se ti aspetti che il tuo attore principale sia in grado di interpretare un personaggio in modo efficace, devi scrivere un personaggio che consenta all’attore di utilizzare i suoi strumenti per attingere alla scena. Ma ancora più importante, farlo per il bene della propria sceneggiatura e garantire che si ottiene il miglior prodotto finale. Un personaggio con un punto di vista forte guiderà la storia in avanti dando al pubblico una linea attraverso da seguire in ogni scena e ogni atto del film. Dobbiamo sapere da dove vengono e cosa vogliono per preoccuparci abbastanza per seguire la loro storia. Guarda un personaggio come Forrest Gump con un punto di vista ovvio che detta le sue azioni, aggiunge realismo a ciò che fa e spinge la storia in avanti dall’atto all’atto come risultato.

Così tante sceneggiature che ho letto sono gravemente carenti in questo senso. È ovvio fin dall’inizio che lo scrittore non ha prestato sufficiente attenzione alla comprensione del punto di vista dei personaggi e lo ha reso abbastanza chiaro per il pubblico. Il sintomo più comune di questo problema sono le scene che si sviluppano in un modo che manca completamente di messa a fuoco. Ho letto alcune scene che avrebbero potuto essere brillanti se fossero state ridotte a una pagina o due, ma lo scrittore non ha capito il punto di vista dei personaggi e di conseguenza ha finito per essere una scena di 5 pagine ingombra che girava in tondo. Un modo per dire se sei sulla strada giusta è vedere se potresti scrivere o meno una determinata scena in una pagina se dovessi. Certamente ci sono scene che richiedono molte pagine di dialogo, ma prima di farlo funzionare come una scena epica di 8 pagine, assicurati che sia anche nelle pagine 1 – 2, perché se manca la direzione e la messa a fuoco anche se condensata a quella lunghezza, avrà problemi importanti quando estrapolata per essere molto più lunga.

Che altro possiamo fare?
Queste cinque punte sono in realtà solo la punta del ghiaccio berg. È fondamentale per il successo di un film avere personaggi forti fino in fondo, che siano simpatici, realistici e abbiano una motivazione e uno scopo distinti nella storia, ma lo sviluppo di personaggi come questo richiede molti tentativi ed errori. Non esiste una formula per questo, ma utilizzando alcuni esercizi davvero di base come scrivere un retroscena di 2-3 pagine su ogni personaggio, sarai sulla buona strada per creare un personaggio originale. E una volta che hai le ossa di quel personaggio, non aver paura di lasciare che il personaggio si evolva, cresca e persino dettare in alcuni casi dove andrà la storia.

Al di fuori di questi 5 suggerimenti ci sono una quantità infinita di cose che puoi fare per scrivere personaggi migliori, sia che si tratti di fare i compiti e guardare film guidati dai personaggi, di origliare al tuo ristorante locale per riprendere alcuni dialoghi. Ma indipendentemente da quali metodi funzionano per te, assicurati di prestare sufficiente attenzione ai tuoi personaggi, specialmente nelle prime fasi di sviluppo della tua sceneggiatura.

E se non l’hai già letto, assicurati di controllare il mio precedente articolo Sull’importanza della storia.