에밀리 와비치/
당신은 그림에서 무엇을 원하는가? 이것은 존 발데사리가 1960 년대 중반에 뉴욕 현대 미술관에서 현재 볼 수있는 작품 인 그림(1966-68)을 그렸을 때 고려했던 질문이었습니다. 그것은 베이지색 흑백 캔버스의 형태를 취하고,작품의 이름과 다음과 같은 문장이 담긴 텍스트와 함께,그렇게 균일하게 렌더링 된 텍스트로 인쇄되어 기계에 의해 배치 된 것으로 보인다:”좋은 그림의 모든 부분이 나란히 배치 된 것이 아니라 서로 어떻게 관련되어 있는지 느끼십니까? 예술은 눈을위한 창조물이며 단어로만 암시 될 수 있습니다.”
그림에는 시각적으로 불쾌감을 주는 어떤 것도 포함되어 있지 않지만,그것은 공격이다. 그것은 캔버스의 컨텍스트 내에서 거짓말을하지 고려 시청자 강제 작품,하지만 그 밖에 무슨 거짓말—예술 자체에 대한 무거운 아이디어의 조립. 사진은 충분하지 않습니다,발데 사리는 제안 보인다. 개념은 더 이상 중요하지 않더라도 똑같이 중요합니다.
토요일에 88 세의 나이로 사망한 발데사리는 지난 반세기 동안 가장 영향력 있는 현대미술가 중 한 명으로 회화와 같은 작품들로 가득 찬 작품이 되었다. 개념주의로 알려진 운동의 주요 예술가 중 한 명인 그는 이미지보다 아이디어에 중점을 둔 스타일을 개척했으며,높은 예술로 간주되는 것에 대한 전통적인 개념을 뒤섞은 작품을 만들고 저자에 대한 고정 관념에 의문을 제기했습니다. 사진,텍스트 및 적절한 자료로 작업하면서 그는 수십 년 동안 예술이 할 수 있고해야 할 일을 뒤집어 쓰고 다시 생각했습니다.
캘리포니아 예술가의 작품은 마른 말장난,예술에 대한 예술적인 농담,수세기 동안 미술사에 퍼져 온 고상한 생각의 잽 중 하나였습니다. 그러나 발데사리는 유머가 그의 주요 표현 방식이라고 생각하지 않았다. 그는 2013 년 인터뷰에서 발표 한 대화에서 작가 데이비드 살레(오랜 친구이자 전 학생)에게”나는 웃기려고하지 않는다”고 말했다. “그것은 내가 세상이 조금 터무니 오프 호조 느낌 단지 내가보고의 일종입니다.”
진지한 아이디어를 얻기 위해 시각적 인 헛소리를 사용하는 것은 그의 오랜 전략이었습니다. 1967 년,발데 사리는 그의 가장 기억에 남는 작품 중 하나를 제작,잘못된(1967),하는 작가는 야자수 앞에 서—그의 여섯 피트 일곱 인치 높이의 몸은 심지어 그 잎에 접근 가까이 오지 않는다-카메라에 대한 제기. 발데사리는 사진 매뉴얼이 사람들에게 나무 앞에서 서로 쏘지 말라고 자주 촉구하는 방식을 생각했는데,마치 식물이 머리에서 돋아나는 것처럼 보일 수 있었다. 그러나 발데 사리는 의도적으로 나쁜 이미지를 원했고,그래서 그는 하나를 생산했습니다. 빈 캔버스에 재현 된 이미지 아래에는”잘못되었습니다.”그림 자체에 관해서는,그것은 의도적으로 아마추어적이고 낮은 품질,아픈 눈을위한 광경입니다.
발데사리가 틀렸을 때,사진은 이제 막 예술적 매체로 간주되기 시작했다. 그림이 예술이라고 당시에 사려된것을 이으면,확실하게 이것 보지 않을텐데-높게 정밀하고 청초하게 구성될텐데. 그는 사진을 미술 영역,더 개념적인 영역으로 옮기는 것을 도운 사람들 중 하나였습니다. 그는 살레와의 대화에서”나는 왜 사진과 예술이 별개의 역사를 가지고 있는지 결코 알 수 없었다. 그래서 나는 둘 다 탐구하기로 결정했다.”
사진이 왜 틀렸는지 궁금하다면,그것은 발데사리의 요점이기도 하다. 이것은 내가 더 이상 지루한 예술을 만들지 않을 것이다(1971)에서 가장 잘 엿볼 수있는 감성이었습니다.이 감성에서는 발데 사리가 캐나다의 노바 스코샤 예술 및 디자인 대학에서 학생들을 반복적으로 갤러리의 벽에있는 제목 문구를 긁어 냈습니다. 발데사리 자신은 학생들이 그렇게했던 것처럼 존재하지 않았고,학교 교사의 처벌의 결과처럼 보이는 작품은 저자에 대한 개념을 시험하는 방법이되었습니다. 작가는 작품에서 손을 떼었지만,이상한 논리에 의해 발데사리는 여전히 창조자라고 할 수 있었다.
이 작품과 같은 다른 작품들은 형식적인 풍요 로움과 예술적 천재의 특권을 부여함으로써 10 년 전보다 조금 더 대중적이었던 추상 표현주의 작품과 닮지 않았다. 발데사리의 작품들이 만들어진 방식은 이제 거의 중요하지 않았다.
그의 아이디어에 대한 관심 때문에 많은 비평가들은 개념 주의자로 알려진 그룹과 발데 사리를 집중 시켰는데,그들은 또한 예술에 대한 사람들의 기대와 함께 장난감에 뒤샹에서 영감을 얻은 신나게 떠들기를 사용했다. 조셉 코수스는 이 용어의 다양한 의미를 찾기 위해”의자”라는 단어(객체,정의 및 사진)에 대한 조각 작품을 만들었고 로렌스 와이너는 바닥 부분을 아트웍으로 제거하는 지침을 남겼습니다. 물체들은 비물질화되고 있었고,저작권은 거의 의미가 없기 시작했고,예술 작품의 미학은 미끄럽고 무정형이되었습니다.
그러나 발데사리는 뉴욕이 아닌 캘리포니아에 기반을 두고 있었기 때문에,다른 많은 개념주의자들이 일했던 곳에서 그는 외부인으로 여겨졌다. 코 수스는 발데 사리의 예술을”‘개념적’만화로 유명하게 일축했다.”그러나 발데사리는 전 세계의 중간에 무슨 일이 일어나고 있는지 나란히 유지하고,1972 년,발데사리는 르윗 노래라는 비디오,그는”스타 스팽글 배너”및 기타 인기있는 곡의 곡에 아티스트 솔 르윗의”개념 예술에 대한 문장”의 조각을 읊조렸다. 발데사리는 한때 뉴요커 비평가 캘빈 톰킨스에게”개념주의자들은 내가 농담 예술을하고 있다고 생각했고,나는 그들의 것이 지루하다고 생각했다.”
오늘의 주요 추상 예술가들도 발데사리와 에드 루샤와 같은 캘리포니아의 동료들이 만든 작품을 찢어 놓았다. 발데사리는 한때 알의 화가가 개념 미술이”단지 사물을 가리키고 있다”고 말한 것을 들었고,그래서 발데사리는 그것을 문자화하려고 생각했다. 시리즈의 경우”의뢰 그림,”발데 사리는 그가 시간에 기반 캘리포니아 내셔널 시티 주변 사물을 가리키는 친구의 손의 사진을했다,다음 샷 중 하나를 선택하고 자신의 그림을 만들 12 아마추어 예술가를 입대.
이것은 발데사리가 화가로 시작하여 사진(60 년대 초반에도 여전히 금기 사항)을 기반으로 한 기괴한 반구형 작품을 만드는 개인적이고 우상 파괴적 제스처였다. 그러나 발데사리는 1953 년과 1966 년 사이에 화장 프로젝트(1970)라는 개념적 작품을 위해 만든 모든 작품을 불태 웠습니다. 그 시대의 유일한 남은 작품 중에는 하나님 코(1965),하늘에 떠 다니는 육체가없는 코를 특징으로하는”하나님은 알고있다”라는 문구에 대한 시각적 인 말장난. 그것이 존재하는 이유는 그 당시 발데 사리의 여동생의 소유물 이었기 때문입니다.
발데사리는 1931 년 내셔널 시티에서 태어났다. 그는 캘리포니아의 샌디에고 주립 대학에서 미술사를 공부했으며 처음에는 사회 복지사가되고 싶다고 생각했습니다. 1957 년 스튜디오 아트 클래스는 예술가가 될 공부의 가능성에 그를 돌았 다,그러나 그는 예술 경력으로 자신의 사회적 의식을 제곱 할 수 없을 수도 실현과 탈선. 그런 다음 캘리포니아 청소년 기관에서 일하는 동안 그는 예술 및 공예 프로그램을 시작하라는 요청을 받았으며 마음이 바뀌 었습니다. 몇 년 로스 앤젤레스에있는 신성한 오티스 아트 인스티튜트에서 공부 한 후,그는 월터 홉스에 의해 큐레이터 된 패서 디나 미술관에서 마르셀 뒤샹의 랜드 마크 1963 회고전을 보았다,그것은 덜 전통적인 경로를 아래로 그를 보냈다.
발데사리가 캘리포니아 미술계를 뒤흔든 동시에,그는 미국 미술사에서 가장 중요한 교육자 중 한 사람이 되려고 했다. 발데사리는 1970 년대에 빠르게 급진적인 예술 제작의 온상이 된 산타 클라리타의 캘리포니아 예술 연구소(짧게 칼라츠라고 함)에서 처음으로 가르친 학교 중 하나였습니다.발데사리는 그림 수업을 가르치라는 요청을 받았습니다.그는 신속하게 반대하기로 결정했고 대신”포스트 스튜디오 아트”라는 과정을 감독하기로 결정했습니다.”(정확히 그 이름이 의미하는 것은 의도적으로 광범위하고 다소 비밀 스러웠습니다.)그의 첫 번째 학생 중에는 살레,바바라 블룸,제임스 웰링,및 잭 골드 스타 인,모두 저명한 경력을 쌓았습니다. 그는 1986 년까지 칼라트에서,그리고 2008 년까지 로스 앤젤레스 캘리포니아 대학에서 가르쳤다.
발데사리의 광범위한 실험의 영향은 과소평가할 수 없다-1980 년대에 등장한 가장 중요한 미국 예술가들은 발데사리의 예술을 사진과 텍스트를 사용할 수 있는 것으로 보는 것이었다. 그는 그림 생성,신디 셔먼,골드 스타 인,로버트 롱고 같은 예술가들의 느슨한 컨소시엄으로 알려진 운동에 박차를 가하는 데 도움을 주었고,가치가없는 이미지로 가득 찬 것으로 세상을 보았습니다. 뉴요커 프로필에서 발데사리는 셔먼이”당신 없이는 할 수 없었어요.”
그러나 모든 사람이 발데사리의 예술에 감격 한 것은 아닙니다. 불 브랜드 평론가 힐튼 크레이머,1990 년 발데사리 회고전을 쓰면서 개념주의 운동을”뜨거운 공기가 풍부하다.”다른 사람들은 유머에 대한 발데 사리의 경향에 감탄했습니다-뉴욕 타임즈 평론가 로버타 스미스는 한때 그가”당신을 두 번보고 세 번 생각하게 만듭니다.”
1980 년대에 발데사리는 자신의 예술을 새로운 방향으로 계속 밀어붙였으며,종종 그날의 지배적인 예술 제작 영화 형태 중 하나를 언급하였다. 그는 정욕과 폭력을 결합한 초현실적 인 내러티브에서 막연하지만 몸짓으로 보이는 영화 스틸에서 충당 된 이미지를 결합한 작품을 만들기 시작했습니다. 이 사진에 그는 나중에 얼굴을 가리는 원형 색상 견본을 추가하기 시작했습니다.이 견본은 시청자가 영화에서 촬영 한 장면을 볼 때 처음에는 자주 응시합니다. 여기서 다시,발데 사리는 우스꽝스럽게 팔과 다리 등의 보조 요소에 포인트를 넣어,우리가 보는 방법을 재정렬한다. (발데 사리는 때때로 신체 부위에 대한 그의 관심을 자신의 욕심에 기인했다.)2009 년 로스 앤젤레스 카운티 미술관 갈라에서 제작 된 존 발데 사리의 간략한 역사라는 단편 영화에서 작가는 그가”사람들의 얼굴 위에 점을 두는 사람”으로 가장 잘 기억 될 것이라고 추측했습니다.”
수십 년 동안 그의 예술 대부분은 고의적으로 괴짜 정맥에서 계속되었습니다. 그림 이모티콘과 가짜 시나리오를 중심으로 구축 된 전체 시리즈와 사용자가 17 세기 네덜란드 정물화 그림을 혼란스럽게하고 재정렬 할 수있는 앱이있었습니다. 인간 두뇌의 625 파운드 구호와 그림에 몇 가지 놀라운 진출을 포함 하는 설치 했다.
그의 경력의 이후 수십 년 동안,그는 너무,시장의 성공을 달성하기 시작했다—그는 국제적인 존재와 가장 존경하는 기업 중 하나입니다 마리안 굿맨 갤러리와 표현을 가지고,그의 작품은 마침내 경매에서 수백만 판매하기 시작했다. 2009 년 런던 테이트 모던에서 출발하여 바르셀로나 현대미술관,라크마 미술관,뉴욕 메트로폴리탄 미술관에 갔던 여행 회고전과 결합되었다. (1990 년 로스 앤젤레스 현대 미술관에서 열린 설문 조사 이후 가장 중요한 발데사리 쇼 중 하나였습니다. 그는 또한 2009 년 베니스 비엔날레에서 평생 공적을 위해 황금 사자를 받았다.
발데사리는 자신의 아이디어를 어디서 얻었는지 자주 물었고,미술사 자체를 자주 인용했다. 그는 미술사의 모든 시대의 예술을 찬미했으며 심지어 그의 개를 고야와 지오토라고 명명했습니다. 2016 년 뉴욕 타임즈 인터뷰에서 그는 발데사리 박사라고 불릴 수 있는 역사가가 된 대체 생활에 대해 환상을 가지고”나는 예술이 예술에서 온다고 믿는다.”
