os filmes mais perturbadores de todos os tempos (sabe, alguma leitura leve!)

nós nos deleitamos em ver atos de violência na tela. Dos desenhos animados do Looney Tunes aos Avengers a espancarem Thanos num blockbuster de quatro quadrantes, os espectadores divertem-se com as pessoas a divertirem-se. Talvez seja um ato de catarse vicário; talvez seja porque sabemos que é tudo falso o que nos dá “permissão” para apreciá-lo; talvez seja porque os riscos reais, tanto dentro como fora do texto, parecem tão baixos. Não estou aqui para acusar pessoas que gostam deste tipo de conteúdo — Eu sou um deles. Em vez disso, estou aqui para examinar o que acontece quando os cineastas ligam este botão para além do ponto de ruptura.

há um subconjunto do cinema que está interessado em Explorar o extremo, o profano, o tabu, o perturbador. Uma marca de filme que marca o espectador, costurando seu cérebro com imagens inesquecíveis e dissecção dos impulsos humanos mais base e perversos-impulsos que apenas pode ter algo em comum com a forma mais “Higienizada” de violência de tela que achamos aceitável (whoops, eu acho que estou auto-indiciando um pouco!). Alguns desses filmes são feitos apenas para chocar com provocação vazia; alguns têm algo genuíno a dizer em seu núcleo; todos eles vão perturbá-lo. Aqui, então, estão os filmes mais perturbadores de todos os tempos, e uma folha de cinema transgressivo que vai deixá-lo chocado e encolhido. Observa por tua conta e risco. Filme Sérvio

Director: Srđan Spasojević.

Escritores: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević.

Honra: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

A rudeza do presente título do filme deve você na pista para a rudeza do seu conteúdo. Um Filme sérvio coloca a totalidade da Sérvia, em sua mira, o seu director Srđan Spasojević explicitamente comentando não apenas sobre as implicações mais amplas de vida em uma guerra-rasgado, fascista, simpatizantes da sociedade e do governo, mas em específico hipocrisias deste mesmo o financiamento do governo burguês, “seguro” filmes que tentam esconder as suas próprias atrocidades. Para esclarecer isto, Spasojević e o co-escritor Aleksandar Radivojević elaboraram um plano que nos leva para além do ponto do submundo. Ex-estrela pornô Miloš (Srđan Todorović) está tendo problemas para cuidar de sua família. Então, apesar de seus melhores instintos, ele concorda em estrelar um filme pornô de arte de um autor provocante (Sergej Trifunović). Mas os métodos e assuntos do diretor envolvem tranquilizar Miloš em um estado de catatônia e forçá-lo a fazer coisas indescritíveis em câmera. E quando digo “indescritível”, não estou a ser hiperbólica. Tabus envolvendo violência sexual, necrofilia, incesto e pedofilia são lensed com detalhes não expressivos, dando ao filme um senso instantâneo de notoriedade no circuito do festival. O tiro final e a decisão tomada são puramente maléficos.

Audição

Diretor: Takashi Miike

Escritor: Daisuke Tengan

Elenco: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike é um além-prolífico diretor, cujo mais notório filmes como Ichi the Killer e Visitor Q regularmente mergulhar o espectador em imaginativo vísceras e psicologicamente punir tabus. Porque é que a audição faz o corte sobre os seus muitos outros filmes? Em parte,por causa do seu Isco e troca cruel. A audição começa com uma premissa e tom de um drama romântico leve — Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) é um viúvo solitário que está recentemente à procura de um novo amor. Sob o conselho de seu amigo produtor de cinema (Jun Kunimura), Aoyama começa literalmente a “fazer audições” para que as mulheres possam ser seu amor, e imediatamente se apaixona por Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Os dois prometem sentimentos profundos e melancólicos de amor um pelo outro. E depois… as coisas ficam estranhas. O switch-flip de Miike bate-te na cara, forçando-te a confrontar a premissa inerentemente problemática do filme, e o sexismo inerente ao namoro, perseguições românticas, e até mesmo a indústria cinematográfica. Quando Asami Yamazaki finalmente começa a atuar com sua própria agência, Hoo boy, cuidado. Imagens de tortura baseada em agulhas, desmembramento e comer um fluido corporal que definitivamente não deve ser comido colidem com uma obsessão psicossexual intensa de uma forma que transforma o espectador em submissão. Que é, precisamente, o objectivo do Yamazaki e do Miike.

agosto de Metro do Mordum

Administração/Escritores/Elenco: desmancha-prazeres, Fred Vogel, Cristie Entretanto, Jerami Cruzeiro, Michael Todd Schneider

Fred Vogel Toetag Imagens é independente filme de terror empresa de produção e estúdio conhecido por de baixo orçamento, limite-empurrando obras de extrema cinema. Sua declaração definidora vem na forma de uma trilogia brutal, agressiva, niilista e encontrada de destruição conhecida como August Underground. Todos os três filmes envolvem uma família encontrada de assassinos em série viajando e filmando imagens um do outro incutindo formas miseráveis de tortura e morte em suas vítimas infelizes. Todos os três filmes são rodados em qualidade jagged, baixa-fi, resultando em uma estética que se sente tão perto de um filme snuff literal como qualquer um produziu em um longa-metragem narrativa. Todos os três filmes apresentam efeitos estomacais ferozes e realistas, e atores comprometidos dispostos a fazer cenas selvagens um com o outro. Mas o segundo capítulo, Mordum do August Underground, pode ser o mais abjectamente perturbador do lote. Os corpos não passam de oportunidades anônimas para dissecações mórbidas e corrupções, e a equipe do Toetag está mais do que disposta a enfiar tudo na nossa cara, com cada cena conseguindo superar a anterior em sua crueldade horrível. Existe um ponto além do caos do conteúdo em seu valor facial? É uma pergunta que não sei se o Toetag está interessado em fazer.

Canibal Holocausto

Diretor: Ruggero Deodato

Escritor: Gianfranco Clerici

Elenco: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

Um notório 1980 filme de terror que é um texto fundamental para encontrar imagens de gênero, foi direto até proibido em vários países, resultou em o diretor Ruggero Deodato ser preso e ter que provar em tribunal os efeitos especiais foram forjadas, ajudou a kickstart, uma onda de canibal exploração do cinema e influenciou cineastas em sua esteira (talvez mais explicitamente Eli Roth com O Inferno Verde). O Holocausto Canibal conta, de forma simulada, a história de um grupo de antropólogos que viajam para uma aldeia amazônica para tentar resgatar um grupo de cineastas deixados lá. Quando eles chegam, eles descobrem rolos de filmes com terríveis ações perpetradas pelos canibais nativos, resultando em um nó, metatextual narrativa que põe agressivamente em branco saviorism, o colonialismo, o papel do sensacional de notícias da televisão no agravamento da violência, e até mesmo o papel de um membro da platéia, assistindo muito esse filme. O Holocausto Canibal só está interessado em fazer estes pontos com perspicácia intelectual e irrepreensível? Claro que não. As imagens mostradas, em detalhes intocáveis, são claramente projetadas para cortejar controvérsias, e em algumas seqüências de crueldade animal real, pode caminhar uma linha em texto sem propósito para alguns. Mas não há como negar que o Holocausto Canibal tem muito em que pensar, e está disposto a comer algumas mentes para tentar fazer os seus muitos pontos.

Eraserhead

Diretor/Escritor: David Lynch

Elenco: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

the debut feature of notorious nightmare-stirrer / meteorologist David Lynch, Eraserhead is likely the closest i’ve ever felt to living in the casual, rowing surrealism of a real-life nightmare in cinematic form. Usando a fotografia preta e branca stark e inexplicavelmente aterrorizante design de som, Lynch conta a história de Henry Spencer (Jack Nance), um homem frágil e sensível que vive em uma sociedade apocalíptica pós-industrializada bizarra. Sua vida é virada de cabeça para baixo pela presença (ou ameaça) de domesticidade, criação de crianças, relações sexuais, e até mesmo a vida após a morte. Lynch apresenta estes desafios tanto com um estilo searingly skin-crawling e nenhum estilo em tudo; enquanto o projeto de produção deste filme é incomparável em sua atmosfera, muitas das imagens assombrosas do filme ocorrem quase inadvertidamente, Sem comentários sobre a sua estranheza sombria. Tudo isso culmina na revelação de uma criança cuja aparência permanece controversa para os métodos em que Lynch pode tê-la feito. De alguma forma, Eraserhead faz falar as coisas no nosso subconsciente que não conseguimos falar, mal falando. Canta Comigo: “no céu está tudo bem…”

Henry: Retrato de um Serial Killer

Diretor: John McNaughton

Autores: Richard Fogo, John McNaughton

Elenco: Michael Rooker, Tom Toalhas, Tracy Arnold

Se o referido agosto de Metro é o thrash metal do “encontradas imagens de serial killer, família de filme de terror,”Henry: O retrato de um assassino em série é a improvisação calma do jazz. John Mcnaughton’s low budget 1986 horror film features a career-making lead performance from Michael Rooker in the title role. O trabalho de Rooker aqui é surpreendente, conseguindo encontrar as fendas da humanidade numa pessoa tão ligada para infligir nada além de danos niilísticos e sem sentido àqueles que o rodeiam, especialmente aqueles que se atrevem a mostrar algo parecido com o afecto humano. Quanto à filmagem encontrada de tudo: Henry não é totalmente renderizado usando câmeras de texto. Muitas das cenas mais calmas e psicologicamente contusões do filme são filmadas em simples, cobertura stark de 16 mm, Cores de McNaughton se sentindo atipicamente profundo e luxuoso para um caso tão baixo de Orçamento, horrível. Mas os momentos mais brutais do filme de carnificina assassina — e, mais importante, o medo que levou a essas explosões-são filmados dentro do texto por Henry e sua equipe. A casualidade da carnificina, a inevitabilidade de tal destruição é o que vai permanecer na mente muito tempo depois de ver Henry. É um retrato de um assassino em série, e o retrato do que pode acontecer se nos permitirmos ser desumanizados e dessensibilizados a um ponto em que a empatia é impossível.

A Centopéia Humana 2 (Sequência Completa)

Diretor/Escritor: Tom Six

Elenco: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom de Seis A Centopéia Humana, lançado em 2009, teve uma grande premissa de que instantaneamente se tornou notório, não só entre extremos cinéfilos, mas em geral através filmscape. E se fizesses uma “centopeia humana” ligando a boca das pessoas ao rabo das outras pessoas? Não te culparia se essa premissa te fizesse rir, e o esquema de cores estranhamente brilhante do primeiro filme e o desempenho carismático do Laser de Dieter inclina-se para a natureza cómica de tudo. Mas a sua sequela, A Centopeia humana 2 (sequência completa), toma qualquer sentido de acessibilidade e passa-a por cima com um carro, esmagando-lhe o crânio. E sim, isso é, infelizmente, uma dica de algo que acontece no filme. Emprestando um toque do novo pesadelo de Wes Craven, A Centopeia humana 2 centra-se em Laurence R. Harvey dando um desempenho de heluva como um homem doente, que está obcecado com —prepare — se-o filme Tom Six, A Centopeia humana. Esta audaciosa meta-escolha é elevada ao seu extremo mais óbvio como Harvey, que tem um gosto por sangue macabro depois de se despachar com a sua mãe abusiva graficamente, decide criar a sua própria centopeia humana a partir dos seus próprios, muito amadores “suprimentos médicos”.”Sentado no topo desta centopeia? Prepare-se-Ashlynn Yennie, interpretando “Ashlynn Yennie, estrela da centopeia humana.”Embora haja algo inegavelmente envolvente e inesperadamente auto-crítico com seis dobras em sua mitologia sobre si mesmo, ele principalmente usa isso como uma rampa de lançamento para representações de crueldade indescritível em preto e branco. A referida sequência de “esmagamento de crânio” acontece a uma pessoa que você não quer ver acontecer; arame farpado é usado de uma forma sexualmente violenta; e uma cena envolvendo a centopeia humana, um, “comer” é além de vil. A Centopeia humana 2 se sente como o filme que todos esperavam que a parte 1 fosse, para “melhor” ou para pior.

Em uma Gaiola de Vidro

Diretor/Escritor: Agustí Villaronga

Elenco: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

De todos os vários subgêneros de exploração do cinema, Nazisploitation pode ser o mais ansiosos para quebrar e enfiar tabus em seu rosto. O efeito de onda de filmes de terror psicossexuais como a Ilsa, A Loba das SS e a última Orgia da Gestapo pode ser visto em imagens de prestígio como o porteiro da noite e em obras modernas como o trailer de Rob Zombie da Grindhouse Das Mulheres lobisomens das SS e dos caçadores de programas amazónicos. In a Glass Cage threads the Nazisploitation needle between ” empty shock value “and” something to say ” quasily but effectively, using uncommonly atmospheric filmmaking to boot.

a pessoa na gaiola de vidro titular é Klaus (Günter Meisner), um ex-médico nazista que torturou, experimentou e cometeu terríveis atos de violência sexual para crianças, tanto dentro do Holocausto quanto depois, onde ele se exilou na Espanha. Em um episódio de seus demônios alcançando-o, Klaus tenta suicídio e falha, resultando em seu ser incubado em um pulmão de ferro. Uma enfermeira chamada Angelo (David Sust) se oferece para cuidar dele, mas ele não é uma enfermeira comum. Ele é uma vítima de Klaus, crescido e ansioso não apenas para obter sua vingança contra o médico nazista, mas para habitar a identidade do médico nazista o mais literalmente possível. A narrativa resultante é punitiva, inquietante e psicologicamente fascinante, uma dissecção eficaz dos traumas e efeitos prolongados que ocorrem tanto para os abusadores quanto para os abusados.

Dentro

Diretor: Julien Maury e Alexandre Bustillo

Autor: Alexandre Bustillo

Elenco: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

De muitos violar filme de experiências produzidos durante a década de 2000 cinemática do movimento conhecido como Nova francês Extremidade (Mártires, Problemas Todos os Dias, de Alta Tensão, e mais francês pedaços de cinema que brutalmente processar todas as coisas transgressivo), nenhum manter os meus ossos tão horrivelmente como no Interior (conhecido na França como À l’intérieur). A trama é mais do que simples: Sarah (Béatrice Dalle), uma viúva recente, está grávida e sozinha. E então uma mulher chamada, simplesmente, “La Femme” (Alysson Paradis), invade sua casa, obcecada com a ideia de que o bebê de Sarah pertence a ela. E ela vai obtê-lo por qualquer método que conseguir. O resultado é uma terrível, física, visceral experiência de brutalidade abjecta e autodefesa, agitada agressivamente com provocações psicológicas de trauma, direito e Maternidade-tudo envolvendo uma mulher incrivelmente grávida. Os momentos finais deste filme assustador fazem-me tremer até hoje.

irritante

Director / escritor: Gaspar Noé

Cast: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

Língua de francês Novo Extremidade, enfant terrible Gaspar Noé, o autor trás perturbador outros trabalhos, como eu estou Sozinho e Clímax, colocar sua marca tanto que o movimento contemporâneo e o mais penetrante de exploração subgênero de “estupro e vingança” com o de 2002 disgustingly completa Irréversible. Em trabalhos de exploração tradicional nesse molde, como a última casa à esquerda, Eu cuspo em seu túmulo, ou Thriller – uma imagem Cruel, ficamos a conhecer uma protagonista feminina, ficam horrorizados com o vil abuso sexual que ela passa, e são vingados quando ela obtém sua vingança violenta sobre seus abusadores masculinos. Noé, literalmente, muda o roteiro, apresentando esta narrativa em ordem inversa. O filme começa com uma cacofonia livre de som, cor, rodopiar camerawork, e uma carnificina abjecta, como o pedaço de “vingança” é incutido em alguém que não temos contexto (notavelmente comprometido não por uma mulher re-encontrando empoderamento, mas por um homem cheio de raiva). É uma brutal fatia de contextless violência para iniciar um filme com — e a próxima cena envolve uma agonia, quase-em-indisponível tempo de tomar a Monica Bellucci é o personagem principal sendo estuprada graficamente, antes de serem espancados em coma. Mais uma vez, a Noé está a apresentar-nos as batidas típicas de um thriller de violação e vingança, mas ao inverter a ordem deles, ou nos obriga a examinar a natureza arbitrária da violência e do vazio da vingança, ou a ser um idiota de merda que fez um filme sem valor, dependendo da sua opinião. O resto do Irréversible mostra “misericordiosamente” momentos de amor, desenvolvimento de caráter e humanidade em relação a Bellucci, mas tudo tem uma palidez, uma palidez doentia, um lembrete subconsciente de que os atos do mal são realmente irreversíveis, não importa a razão.

Homem Morde Cão

Administração: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Autores: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Elenco: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De todos os perturbadores filmes que eu já vi na minha vida, apenas um teve o poder de me fazer avançar através de uma cena por causa do meu próprio desconforto. Esse filme é o homem morde cães, conhecido em seu país natal belga como c’est arrivé près de chez vous (uma tomada sobre a frase “poderia acontecer com você”). A partir de seu título em baixo, o mockumentário preto-e-branco (outro filme de terror fundacional) tem suas vistas sobre como consumimos e deificamos atos de violência e seu senso “divertido” de medo, especialmente na mídia de notícias. Um grupo de jornalistas segue um homem chamado Ben (Benoît Poelvoorde, inquietantemente brilhante). Ele é charmoso, engraçado, e acontece ser um prolífico, sádico assassino em série. Os jornalistas pretendem filmá-lo e aos seus crimes cada vez mais violentos, com um sentido de remoção objectiva. Mas silenciosamente, sorrateiramente, estranhamente, os jornalistas não podem deixar de participar ativamente de seus crimes, indiciando não apenas os meios de comunicação de notícias em todo o mundo, mas até mesmo nós por querer assistir e rir (sim, rir, o filme é muitas vezes muito engraçado) em um filme como este. Tudo isso culmina com uma cena de carnificina no ponto médio e suas consequências que são mostradas tão casualmente, tão graficamente, e tão sem remorso, que eu gostaria de poder avançar rapidamente no meu cérebro.

Melancholie der Engel

Diretor: Mariana Dova

Autores: Mariana Dova, Carsten Frank

Elenco: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann Peter Martell, Margarethe von Stern

Notório cineasta alemão Marian Dova fez inúmeras obras de implacável nojo (não Google o que acontece no Carcinoma, para o seu próprio bem). Mas em 2009, Melancholie der Engel (melancolia do anjo), Ele pode ter feito sua obra-prima. Em uma punitiva duração de duas horas e meia, Melancholie der Engel tem um monte de reflexões filosóficas em sua mente, geralmente levando a uma forma absurda de niilismo como praticado por Katze (Carsten Frank), que acredita que ele está se aproximando do fim de sua vida. Assim, em um esforço para empurrar os limites da existência até onde ele pode antes que ela casualmente se esgote, ele e um grupo de, um, “amigos” se envolvem em atos cada vez mais horrendos, gráficos, aparentemente não dissimulados de depravação. Esta atos de degradação do ser humano, filmado em inerentemente feio olhando de vídeo digital, são filtradas através de todos os tipos de “grandes ideias”, envolvendo Dova filosofias e Católica ideais de culpa e redenção, mas é difícil pé deste filme com qualquer pensamento diferente “por quê?”O que, suponho, é o objectivo. Se desejasses o do Richard Linklater antes da trilogia ter cenas que envolvem comer merda, A Melancholie der Engel pode ser para ti.

Homens atrás do sol

Director: T. F. Mou

escritores: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Cast: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

the atrocities of war, rendered in miserable detail. Homens por trás do sol, do cineasta Chinês T. F. Mou, detalha as terríveis experiências perpetradas aos prisioneiros chineses e siberianos pelos comandantes militares imperiais japoneses durante a Segunda Guerra Mundial com efeitos especiais doentiamente grotescos. Para além dos óbvios distúrbios viscerais do filme, existem ramificações psicológicas também, tanto dentro como fora do texto. Os homens por trás do sol querem explorar traumas genuínos e dor na vida real, querem descrever os limites do patriotismo e a escala deslizante do nacionalismo, querem comunicar a mensagem necessária de que a guerra é, e sempre será, o inferno. Mas também quer ser um filme de terror explorador com efeitos gore. Pode ser para os dois lados? Merece? Se tiver sucesso, ainda vale a pena o nosso tempo? Existem outras formas mais palatáveis de digerir e processar os horrores infligidos aos seres humanos por outros seres humanos sob o pretexto da guerra? Ou será que mensagens contundentes como esta são realmente, verdadeiramente, a única maneira de se colarem aos nossos cérebros?

Nekromantik

Diretor: Jörg Buttgereit

Autores: Jörg Buttgereit, Franz de Rodenkirchen

Elenco: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Rápida adivinhar: o Que você acha Nekromantik é de cerca de, baseado em seu título aum? Ding ding ding, correcto, mano! É verdadeiramente, sinceramente, e descaradamente sobre foder um cadáver — e o diretor Jörg Buttgereit está verdadeiramente, sinceramente, e descaradamente interessado em Mostrar tudo. O filme segue um casal, Rob e Betty (Daktari Lorenz e Beatrice Manowski), que estão ansiosamente e morbidamente interessados entre as interseções de amor, sexo e morte. Rob trabalha para uma empresa que limpa cadáveres de locais de acidentes, e, bem, ele gosta de guardar lembranças e troféus para ele e sua namorada brincarem. Eventualmente, isto aumenta para o roubo total de um cadáver, o que se eleva a uma curiosa situação tríplice envolvendo o uso mais nojento de um cano de aço que já vi no cinema. Nekromantik, para aqueles cujos sentidos de humor estão dispostos a tomar o mergulho, na verdade Mina uma quantidade decente de comédia negra a partir de sua premissa quase imprintável, jogando batidas de amor romântico e ciúme enlouquecendo com o compromisso wry e apelo outsider. Mas isso não impede o filme de brincar nas mais vil representações da carne humana, e seus momentos finais são surpreendentes e estranhamente poéticos.

Salò, ou os 120 Dias de Sodoma

Diretor: Pier Paolo Pasolini

Autores: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Elenco: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

O avô de perturbação de cinema, um chocante pedaço de horror que, apesar de (devido?) seu conteúdo extremo, ganhou essa rara canonização do cinema prestígio. Isso mesmo, amigos.: Você pode comprar Salò, ou os 120 dias de Sodoma em uma coleção de critério chique Blu-ray pacote, com suas representações agressivamente gráficas do fascismo corrupto e impulso animal correr amok em detalhes exigentes, enfurecedores. O último filme de Pier Paolo Pasolini antes de seu assassinato, Salò é inspirado em igual medida pelo Marquês de Sade os 120 dias de Sodoma, um trabalho influente sobre os limites e pontos de ruptura da degradação humana e sexualidade (é de onde a palavra “Sadismo” vem!), e os horrores da vida real infligidos por um governo fascista italiano durante a Segunda Guerra Mundial. Incontáveis jovens são torturados, mutilados, forçados a realizar atos indescritíveis uns contra os outros, e mortos de maneiras que parecem existir apenas para satisfazer os caprichos cada vez mais enfadonhos de seus opressores. Salò é um relógio brutal, um que não sei se alguém pode “recomendar”, mas é vital. É um filme que desperta a fina borda entre a humanidade e o mal sob os auspícios de estruturas hierárquicas de poder, um filme que mostra como a crueldade profunda pode correr. Não é ideal observar enquanto se come.

O Snowtown Assassinatos

Diretor: Justin Kurzel

Autores: Shaun Conceder, Justin Kurzel

Elenco: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

O Snowtown Assassinatos, baseado em uma vida real de uma série de assassinatos em Adelaide, na Austrália, é uma excruciante queima lenta, um olhar sob o decrépito microscópio de pensamentos disfuncionais pequenas comunidades da cidade, um cruzamento entre Harmony Korine e Michael Haneke, um feroz estreia recurso para o diretor Justin Kurzel. Determinados a livrar sua comunidade a explícita ameaça de pedófilos e homossexuais, que ele é mais do que dispostos a toxically fundem, John Bunting (uma aterrorizante Daniel Henshall) recruta um grupo de classe inferior pessoas, incluindo as vítimas de violência sexual Jamie Vlassakis (um triste Lucas Pittaway), para encontrar, tortura, assassinato e a quem o merece. A moldura de Kurzel é ao mesmo tempo indescritível e perturbadoramente elegante, usando tanto o poder da carnificina explícita e do terror implícito para enfiar constantemente uma chave de fendas nas entranhas do espectador. Psicologicamente, Snowtown nunca deixa ninguém escapar — não os pedófilos que estão a ser assassinados, nem os telespectadores que podem achar essa acção de alguma forma vingativa, nem o Jamie a cair sob a influência desta nova figura tentadora, e muito menos o John Bunting. É cruel, cruel, cruel, um filme que explora a mais base e vil da natureza humana de formas que te farão sentir empática, e depois fazer-te precisar de um duche.

Tetsuo: O Homem de Ferro

Diretor/Escritor: Shinya Tsukamoto

Elenco: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

se você achar o espelho negro perturbador, você ainda não viu nada. O homem de ferro é um relógio duro. É um pesadelo experimental, preto e branco, em diálogo com clássicos cult semelhantes como o já mencionado Eraserhead ou engendrado. Está menos interessado numa narrativa de ficção científica palatável do que numa exploração de humor. E o” humor”, cortesia do famoso cineasta japonês Shinya Tsukamoto, é”sombrio”. Tetsuo é tecnicamente um filme cyberpunk. A ficção cibernética está interessada na mistura de seres humanos com melhorias cibernéticas. E Tetsuo: o homem de ferro pega esse impulso e catapulta-o para seus extremos cristalizados, removendo todas as outras partes para o simples propósito de “homem mais metal”.”O “homem” da equação, jogado com hipnótica obsessão pelo diretor do filme, vistas pedaços de metal como violento fetiche objetos que merecem tão cheio de nosso louvor e de fusão, quanto possível, a sua primeira ação no filme é cortar, abrir sua própria perna e enfiar um pedaço de metal para ele. Mas quando um salaryman (a palavra japonesa para “trabalhador de colarinho branco”) interpretado por Tomorowo Taguchi começa literalmente a germinar o metal como o culminar de seus sonhos violentos e fantasias obscuras da realidade, os dois se enfrentam de forma implacavelmente niilista. Tetsuo: o homem de ferro é repleto de imagens perturbadoras, particularmente quando o homem de ferro titular e sua namorada totalmente humana (Kei Fujiwara) tentam copular apesar de ele ser, sabe, um homem de ferro. Mas não é choque por causa do Choque — Tsukamoto tem muito em sua mente, e cada faceta de seu sonho de febre, desde os efeitos de maquiagem grimly feitos à mão para a câmera smeary 16mm, fala em serviço de sua tese final afirmação: a fusão da tecnologia e da raça humana vai destruir totalmente todos nós. Happy watching, everybody! 🙂

para mais leitura, confira nossa lista dos filmes da Disney mais assustadores já feitos.