cele mai deranjante filme din toate timpurile (știi, o lectură ușoară!)

ne bucurăm să urmărim acte de violență pe ecran. De la shenaniganii desenelor animate Looney Tunes până la Răzbunătorii care bat rahatul din Thanos într-un blockbuster cu patru cadrane, cinefilii primesc o lovitură din oameni care primesc o lovitură. Poate că este un act de catharsis indirect; poate pentru că știm că totul este fals care ne dă „permisiunea” să ne bucurăm de el; poate pentru că mizele reale, atât în text, cât și în afara acestuia, par atât de scăzute. Nu sunt aici pentru a pune sub acuzare oameni care se bucură de acest tip de conținut — eu sunt unul dintre ei. În schimb, sunt aici să examinez ce se întâmplă când realizatorii de filme întorc acest cadran dincolo de punctul de rupere.

există un subset de cinema care este interesat să exploreze extrema, profanul, tabu-ul, deranjantul. O marcă de film care marchează privitorul, mistuindu-și creierul cu imagini de neuitat și disecție a celor mai elementare și perverse impulsuri umane — impulsuri care ar putea avea ceva în comun cu forma mai „igienizată” a violenței pe ecran pe care o considerăm acceptabilă (Hopa, cred că mă autoindicez puțin!). Unele dintre aceste filme sunt făcute doar pentru a șoca cu provocări goale; unii au ceva autentic de spus în centrul lor; toate acestea vă vor deranja.

Iată, așadar, cele mai tulburătoare filme din toate timpurile și o frunză de cinema transgresiv care te va lăsa șocat și ghemuit. Urmăriți pe propriul risc.

și film sârbesc

Director: Sr Unktican Spasojevi Unktok.

Scriitori: Aleksandar Radivojevi, Sr.

onoare: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan be Centuri, Centuri, Centuri, Centuri, Centuri. Un film sârbesc pune întreaga Serbie în vizorul său, regizorul său Sr Inktiksan Spasojevi Int comentând în mod explicit nu doar implicațiile mai largi ale vieții într-o societate și un guvern sfâșiat de război, cu înclinație fascistă, ci și ipocriziile specifice ale aceluiași guvern care finanțează filme burgheze, „sigure”, care încearcă să-și albească propriile atrocități. Pentru a face acest lucru, Spasojevi și co-scriitorul Aleksandar Radivojevi au creat un complot care ne duce dincolo de punctul lumii interlope. Starul porno pensionar Milo X-X (sr x-x Todorovi X-X-X) are probleme cu îngrijirea familiei sale. Deci, în ciuda instinctelor sale mai bune, el este de acord să joace într-un film porno artistic de la un autor provocator (Sergej Trifunovi Inktok). Dar metodele și subiectele regizorului implică tranchilizarea lui Milo într-o stare de catatonie și forțându-l să facă lucruri de nedescris pe cameră. Și când spun „de nedescris”, nu sunt hiperbolic. Tabuurile care implică violență sexuală, necrofilie, incest și pedofilie sunt marcate cu detalii neclintite, oferind filmului un sentiment instantaneu de notorietate în circuitul festivalului. Lovitura finală și decizia luată sunt pur rele.

Auditie

regizor: Takashi Miike

scriitor: Daisuke Tengan

distribuție: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike este un regizor dincolo de prolific, ale cărui filme cele mai notorii precum Ichi ucigașul și vizitatorul Q înmoaie în mod regulat privitorul în viscere imaginative și tabuuri pedepsitoare psihologic. De ce Audition face tăierea peste multe alte filme ale sale? În parte, din cauza limitei sale-momeală crudă și comutator. Audiția începe cu premisa și tonul unei drame romantice ușoare — Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) este un văduv singuratic care caută recent o nouă dragoste. Sub sfatul prietenului său producător de film (Jun Kunimura), Aoyama începe literalmente să „audieze” femeile pentru a fi potențial dragostea lui și se îndrăgostește imediat de Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Cei doi promit sentimente profunde, melancolice de dragoste unul pentru celălalt. Și apoi… rahatul devine ciudat. Miike ‘ s switch-flip te lovește în față, forțându-te să te confrunți cu premisa inerent problematică a filmului și cu sexismul inerent copt în întâlniri, activități romantice și chiar industria cinematografică. Când Asami Yamazaki începe în cele din urmă să acționeze cu propria agenție, hoo boy, ferește-te. Imaginile torturii pe bază de ac, dezmembrarea și consumul unui fluid corporal care cu siguranță nu ar trebui mâncat se ciocnesc cu obsesia psihosexuală intensă într-un mod care lovește privitorul în supunere. Care este, exact, scopul lui Yamazaki și Miike.

mordum August Underground

regizori/scriitori/distribuție: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Toetag Pictures de Fred Vogel este o companie independentă de producție de filme de groază și un studio cunoscut pentru lucrările cu buget redus, care împing granițele cinematografiei extreme. Declarația lor definitorie vine sub forma unei trilogii brutale, agresive, nihiliste, a filmului mayhem, cunoscută sub numele de august Underground. Toate cele trei filme implică o familie găsită de ucigași în serie care călătoresc și filmează imagini unul cu celălalt, insuflând forme mizerabile de tortură și moarte victimelor lor nefericite. Toate cele trei filme sunt filmate într-o calitate zimțată, scăzută, rezultând o estetică care se simte la fel de aproape de un film de tabac literal ca oricine a produs într-un lungmetraj narativ. Toate cele trei filme prezintă efecte realiste de stomac și actori dedicați dispuși să-și facă reciproc rahaturi sălbatice. Dar al doilea capitol, mordum August Underground, ar putea fi cel mai abjectly deranjant al lotului. Corpurile nu sunt altceva decât oportunități anonime pentru disecții și corupții morbide, iar echipa Toetag este mai mult decât dispusă să ne împingă totul în față, fiecare scenă reușind să o depășească pe cea anterioară în cruzimea sa oribilă. Există un punct dincolo de haosul conținutului pe valoarea sa nominală? Aceasta este o întrebare pe care nu sunt sigur că Toetag este interesat să o pună.

Holocaustul canibal

regizor: Ruggero Deodato

scenarist: Gianfranco Clerici

distribuție: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

un film de groază notoriu din 1980, care este un text fundamental în genul found footage, a fost interzis direct în mai multe țări, a dus la arestarea regizorului Ruggero Deodato și a trebuit să demonstreze în instanță efectele speciale au fost falsificate, a ajutat la lansarea unui val de cinema de exploatare canibală și a influențat cineaștii în urma sa (poate cel mai Explicit Eli Roth cu infernul Verde). Holocaustul canibal spune, într-o formă mockumentară, povestea unui grup de antropologi care călătoresc într-un sat Amazonian pentru a încerca să salveze un grup de cineaști rămași acolo. Când ajung, descoperă Mulinete de filmări cu acțiuni oribile comise de nativii canibali, rezultând o narațiune înnodată, metatextuală, care lovește agresiv salvatorismul alb, colonialismul, rolul știrilor senzaționale de televiziune în exacerbarea violenței și chiar rolul membrului publicului care urmărește chiar acest film. Acum, Holocaustul canibal este interesat doar de a face aceste puncte cu o pătrundere intelectuală de neimputat? Cu siguranță nu. Imaginile prezentate, în detaliu, sunt clar concepute pentru a contesta controversele și, în unele secvențe de cruzime reală a animalelor, pot merge o linie în text fără scop pentru unii. Dar nu se poate nega că holocaustul canibal are multe în minte și este dispus să mănânce câteva minți pentru a încerca să-și facă multe puncte.

Eraserhead

regizor / scenarist: David Lynch

distribuție: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

caracteristica de debut a notorious nightmare-agitator/meteorolog David Lynch, Eraserhead este probabil cel mai aproape l-am simțit vreodată să trăiesc în suprarealismul casual, roadere de un coșmar din viața reală în formă cinematografică. Folosind fotografia Alb-negru și designul de sunet inexplicabil terifiant, Lynch spune povestea lui Henry Spencer (Jack Nance), un om slab și sensibil care trăiește într-o societate apocaliptică bizară, postindustrializată. Viața este întoarsă cu susul în jos prin prezența (sau amenințarea) domesticității, creșterii copiilor, actului sexual și chiar a vieții de apoi. Lynch prezintă aceste provocări atât cu un stil plin de piele, cât și fără stil; în timp ce designul de producție al acestui film este inegalabil în atmosfera sa, atât de multe dintre imaginile bântuitoare ale filmului apar aproape din greșeală, fără niciun comentariu asupra ciudățeniei sale sumbre. Toate acestea culminează cu revelația unui copil a cărui viziune rămâne controversată pentru metodele în care Lynch ar fi putut să o facă. Cumva, Eraserhead face vorbite lucrurile din subconștientul nostru nu putem vorbi, de abia vorbind deloc. Cântă – l cu mine: „în cer totul este bine…”

Henry: Portretul unui criminal în serie

regizor: John McNaughton

scriitori: Richard Fire, John McNaughton

Distribuție: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

dacă August Underground menționat mai sus este metalul thrash al „filmului de groază al familiei ucigașului în serie”, Henry: Portretul unui criminal în serie este improvizația liniștită de jazz. John Mcnaughtonfilmul de groază cu buget redus din 1986 prezintă o performanță principală în carieră de la Michael Rooker în rolul principal. Munca lui Rooker aici este uimitoare, reușind să găsească crevasele umanității într-o persoană atât de conectată să nu provoace decât daune nihiliste, fără sens, celor din jurul său, în special celor care îndrăznesc să arate ceva asemănător afecțiunii umane. În ceea ce privește filmările găsite: Henry nu este redat în întregime folosind camere în text. Multe dintre scenele mai liniștite și mai învinețite psihologic ale filmului sunt filmate într-o acoperire simplă, puternică de 16 mm, culorile lui McNaughton simțindu-se atipic adânci și luxoase pentru o afacere atât de oribilă, cu buget redus. Dar cele mai uimitoare momente brutale ale filmului de Masacru ucigaș — și, mai important, groaza care a dus la izbucnirile menționate — sunt filmate în text de Henry și echipajul său. Accidentalitatea carnagiului, inevitabilitatea unei astfel de distrugeri este ceea ce va rămâne în minte mult timp după ce îl va vedea pe Henry. Este un portret al unui criminal în serie și portretul a ceea ce se poate întâmpla dacă ne permitem să fim dezumanizați și desensibilizați până la un punct în care empatia este imposibilă.

centipedul uman 2 (secvență completă)

regizor/scenarist: Tom Six

distribuție: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Six ‘ s The Human Centipede, lansat în 2009, a avut o premisă răgușită care a devenit instantaneu notorie nu doar printre cinefilii extreme, ci și prin peisajul general al filmului. Ce se întâmplă dacă ai face un „centiped uman” prin, știi, atașarea gurile oamenilor la fundurile altor oameni? Nu te-aș învinovăți dacă această premisă te face să chicotești, iar schema de culori ciudat de strălucitoare a primului film și performanța carismatică de la Dieter Laser se înclină în natura comică accesibilă și neagră a tuturor. Dar continuarea sa, Human Centipede 2 (secvență completă), ia orice sentiment de accesibilitate și o trece cu o mașină, zdrobindu-i craniul. Și da, acesta este, din păcate, un indiciu la ceva ce se întâmplă în film.

împrumutând o notă din Noul coșmar al lui Wes Craven, Human Centipede 2 se concentrează pe Laurence R. Harvey oferind o performanță comisă helluva ca un om care suferă de maladie, care este obsedat de-pregătește —te — filmul Tom Six The Human Centipede. Această meta-alegere îndrăzneață este sporită până la cea mai evidentă extremă, deoarece Harvey, care a gustat sângele macabru după ce a expediat grafic cu mama sa abuzivă, decide să-și creeze propriul centiped uman din propriile sale „consumabile medicale” foarte, foarte Amatoare.”Stând în vârful acestui centiped? Pregătește-te-Ashlynn Yennie, jucând „Ashlynn Yennie, Steaua centipedului uman.”În timp ce există ceva incontestabil angajarea și neașteptat de autocritic cu șase pliere în mitologia sa pe sine, el folosește cea mai mare parte acest lucru ca o rampă de lansare pentru reprezentări de cruzime de nedescris în alb-negru dezgustător de gras. Secvența de „zdrobire a craniului” menționată mai sus se întâmplă unei persoane cu care nu doriți să vedeți că se întâmplă; sârma ghimpată este folosită într-un mod violent sexual; și o scenă care implică centipedul uman, um, „mâncarea” este dincolo de josnic. Centipedul uman 2 se simte ca filmul pe care toată lumea îl aștepta partea 1 să fie, pentru „mai bine” sau pentru mai rău.

într-o cușcă de sticlă

regizor/scenarist: Agust inkt Villaronga

distribuție: G inkt Meisner, Marisa Paredes, David Sust

dintre toate subgenurile cinematografiei de exploatare, Nazisploitation ar putea fi cel mai dornic să rupă și să-ți împingă tabuurile în față. Efectul de undă al spectacolelor de groază psihosexuale naziste-evocatoare precum Ilsa, She Wolf of the SS și ultima Orgie a Gestapo-ului a putut fi văzut în imagini de prestigiu precum The Night Porter și în lucrări moderne precum Rob Zombie ‘ s Grindhouse Trailer Werewolf Women of the SS și programul Amazon Hunters. Într-o cușcă de sticlă filete acul Nazisploitation între „valoare de șoc gol” și „ceva de spus” queasily dar eficient, folosind filmmaking neobișnuit atmosferice pentru a porni.

persoana din cușca de sticlă titulară este Klaus (G. N. Meisner), un fost medic nazist care a torturat, a experimentat și a comis acte oribile de violență sexuală copiilor atât în Holocaust, cât și după, unde s-a exilat în Spania. Într-un episod în care demonii săi îl prind din urmă, Klaus încearcă să se sinucidă și eșuează, ducând la incubarea sa într-un plămân de fier. O asistentă pe nume Angelo (David Sust) se oferă să aibă grijă de el, dar nu este o asistentă obișnuită. El este o victimă a lui Klaus, crescut și dornic nu doar să se răzbune pe medicul nazist, ci să locuiască identitatea medicului nazist cât mai literal posibil. Narațiunea rezultată este pedepsitoare, neliniștitoare și fascinantă psihologic, o disecție eficientă a traumelor și efectelor persistente care apar atât pentru abuzatori, cât și pentru cei abuzați.

inauntru

regizori: Julien Maury, Alexandre Bustillo

scenarist: Alexandre Bustillo

distribuție: B: Alysson Paradis

dintre numeroasele experiențe cinematografice violatoare produse în timpul mișcării cinematografice din anii 2000, cunoscută sub numele de New French Extremity (Martiri, probleme în fiecare zi, tensiune ridicată și mai multe piese cinematografice franceze care fac brutal toate lucrurile transgresive), niciuna nu se lipește de oasele mele la fel de oribil ca în interior (cunoscut în Franța sub numele de XV l ‘ int oustrieur). Intriga este dincolo de simplu: Sarah (B Inktokatrice Dalle), o văduvă recentă, este însărcinată și singură. Și apoi o femeie numită, pur și simplu,” La Femme ” (Alysson Paradis), îi invadează casa, obsedată de ideea că bebelușul lui Sarah îi aparține. Și o va obține prin orice metodă poate. Ceea ce rezultă este o experiență viciously urât, fizic, visceral de brutalitate abjectă și de auto-apărare, învârtit agresiv cu provocări psihologice de traume, dreptul, și maternitatea — toate implicând o femeie incredibil de gravidă. Momentele finale ale acestui film tainic și terifiant mă fac să mă cutremur până în ziua de azi.

IRR

regizor / scenarist: Gaspar no.

distribuție: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

vorbind despre noua extremitate Franceză, enfant terrible Gaspar nr. În lucrările tradiționale de exploatare din acea matriță, cum ar fi ultima casă din stânga, I Spit on Your Grave sau Thriller – o imagine crudă, cunoaștem o protagonistă feminină, suntem îngroziți de abuzul sexual josnic prin care trece și sunt justificați atunci când se răzbună violent pe agresorii ei de sex masculin. Nici un articol, literalmente, nu răstoarnă scenariul, prezentând această narațiune în ordine inversă. Filmul începe cu o cacofonie liberă de sunet, culoare, cameră rotitoare și măcel abject, deoarece piesa de „răzbunare” este insuflată cuiva despre care nu avem niciun context (în special comisă nu de o femeie care regăsește împuternicirea, ci de un bărbat plin de furie). Este o felie brutală de violență fără context pentru a începe un film — iar următoarea scenă implică o lungă perioadă de timp agonizantă, aproape de neatins, a personajului principal al Monicai Bellucci fiind violat Grafic, înainte de a fi bătut într-o comă. Din nou, nici un produs nu ne prezintă bătăile tipice ale unui thriller de viol și răzbunare, dar inversând ordinea lor, el ne obligă fie să examinăm natura arbitrară a violenței și a goliciunii răzbunării, fie să fim un nenorocit care a făcut un film fără valoare, în funcție de părerea ta. Restul IRR-ului nu arată” îndurare ” momente de dragoste, dezvoltare a caracterului și umanitate în ceea ce privește Bellucci, dar totul are o paloare sumbră, dezgustătoare, un memento subconștient că actele răului sunt într-adevăr ireversibile, indiferent de motiv.

Om Mușcă un Câine

Administratie: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Scriitori: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Distributie: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De toate multe tulburătoare filme am văzut în viața mea, doar unul a avut puterea de a mă face pe repede-înainte, printr-o scenă din cauza mea personală disconfort. Filmul Este Man Bites Dog, cunoscut în țara sa natală din Belgia sub numele de c ‘ est arriv XV PR de chez vous (o abordare a expresiei „ți s-ar putea întâmpla”). De la titlul său în jos, mockumentary alb-negru (un alt film de groază foundational found-footage) are viziunea sa asupra modului în care consumăm și îndumnezeim actele de violență și sentimentul lor „distractiv” de frică, în special în mass-media. Un grup de jurnaliști urmează un bărbat pe nume Ben (Beno Poelvoorde, neliniștitor de genial). E fermecător, amuzant, și se întâmplă să fie un criminal în serie prolific, sadic. Jurnaliștii își propun să-l filmeze pe el și crimele sale din ce în ce mai violente, cu un sentiment de eliminare obiectivă. Dar în liniște, pe furiș, pe furiș, jurnaliștii nu se pot abține să nu participe activ la crimele sale, acuzând nu doar mass-media din întreaga lume, ci chiar și pe noi pentru că dorim să urmărim și să râdem (da, râdem, filmul este adesea negru amuzant) la un film ca acesta. Toate acestea culminează cu o scenă de mijloc a măcelului și urmările sale, care este arătată atât de întâmplător, atât de grafic și atât de fără remușcări, încât aș vrea să o pot derula rapid în creierul meu.

Melancholie der Engel

regizor: Marian Dova

scriitori: Marian Dova, Carsten Frank

distribuție: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

cunoscutul regizor german Marian Dova a făcut numeroase lucrări de dezgust neobosit (nu căutați pe Google Ce se întâmplă în carcinom, pentru binele tău). Dar în 2009 Melancholie der Engel (melancolia îngerului), el ar fi putut să-și facă „capodopera”. La o durată pedepsitoare de două ore și jumătate, Melancholie der Engel are o mulțime de meditații filosofice în mintea sa, ducând în general la o formă de nihilism absurd, așa cum este practicat de Katze (Carsten Frank), care crede că se apropie de sfârșitul vieții sale. Astfel, într-un efort de a împinge limitele existenței în măsura în care poate, înainte ca aceasta să se desprindă, el și un grup de „prieteni” se angajează în acte de depravare din ce în ce mai oribile, grafice, aparent nesimulate. Aceste acte de degradare umană, filmate într-un videoclip digital cu aspect inerent urât, sunt filtrate prin tot felul de „idei mari” care implică filozofiile lui Dova și idealurile Catolice de vinovăție și răscumpărare, dar este greu să te îndepărtezi de acest film cu orice alt gând decât „de ce?”Care, presupun, este punctul. Dacă ți-ai fi dorit ca trilogia lui Richard Linklater să aibă scene care implică consumul de rahat, Melancholie der Engel ar putea fi pentru tine.

oamenii din spatele Soarelui

Director: T. F. Mou

scriitori: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Cast: Gang Wang, Hsu Gou, Cravată lung Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, a alerga Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

atrocitățile de război, prestate în detaliu mizerabil. Men Behind the Sun, de la regizorul chinez T. F. Mou, detaliază experimentele oribile comise prizonierilor chinezi și siberieni de comandanții militari japonezi imperiali în timpul celui de-al doilea război mondial, cu efecte speciale dezgustător de grotești. Dincolo de tulburările viscerale evidente ale filmului, există și ramificații psihologice, atât în interiorul, cât și în afara textului. Men Behind the Sun vrea să exploreze traumele autentice și durerea din viața reală, vrea să descrie limitele patriotismului și scara alunecoasă a naționalismului, vrea să comunice mesajul necesar că războiul este și va fi întotdeauna iadul. Dar, de asemenea, vrea să fie un film de groază exploatator, cu efecte gore care împing plicul. Poate avea ambele sensuri? Merită? Dacă reușește, merită încă timpul nostru? Există și alte modalități mai plăcute de a digera și procesa ororile provocate oamenilor de alți oameni sub pretextul războiului? Sau sunt mesaje contondente ca acesta într-adevăr, cu adevărat singurul mod în care se poate lipi de creierul nostru?

Nekromantik

Director: J Oktocrg Buttgereit

scriitori: J Oktocrg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

distribuție: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

ghicire rapidă: despre ce credeți că este vorba despre Nekromantik, pe baza titlului său aone? Ding ding ding, corect, fam! Este cu adevărat, sincer și fără îndoială despre nenorocirea unui cadavru-iar regizorul J Otrivrg Buttgereit este cu adevărat, sincer și fără îndoială interesat să arate totul. Filmul urmărește un cuplu, Rob și Betty (Daktari Lorenz și Beatrice Manowski), care sunt interesați cu nerăbdare și morbid între intersecțiile iubirii, sexului și morții. Rob lucrează pentru o companie care curăță cadavrele de la locurile de accidente, și, ei bine, îi place să păstreze suveniruri și trofee pentru el și prietena lui să se joace cu. În cele din urmă, acest lucru se intensifică în furtul complet al unui cadavru complet, care se intensifică într-o situație ciudată, care implică cea mai ciudată utilizare a unei țevi de oțel pe care am văzut-o vreodată în cinematografie. Nekromantik, pentru cei ale căror simțuri ale umorului sunt dispuși să ia un pas hotărâtor, minează de fapt o cantitate decentă de comedie neagră de la premisa sa aproape neimprimabilă, jucând bătăi de dragoste romantică și gelozie înnebunitoare cu angajament crispat și apel străin. Dar nu împiedică filmul să se strecoare în cele mai josnice reprezentări ale cărnii umane, iar momentele sale finale sunt atât uimitoare, cât și ciudat de poetice.

salau, sau cele 120 de zile ale Sodomei

regizor: Pier Paolo Pasolini

scriitori: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

distributie: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, h Oktil Oktin Surg Oktin, Sonia Saviange, in Oktin Pellegrini

bunicul cinematografiei deranjante, o bucată șocantă de groază care are, în ciuda (din cauza?) conținutul său extrem, a câștigat acea piesă rară de canonizare cinematografică de prestigiu. Așa este, prieteni: Puteți cumpăra Sal, sau cele 120 de zile ale Sodomei într-un pachet blu-ray Fancy Criterion Collection, cu reprezentările sale agresive grafice ale fascismului corupt și ale impulsului animal, care se desfășoară în detalii exigente și supărătoare. Ultimul film al lui Pier Paolo Pasolini înainte de uciderea sa, Sali este inspirat în egală măsură de Marchizul de Sade cele 120 de zile ale Sodomei, o lucrare influentă asupra limitelor și punctelor de rupere ale degradării și sexualității umane (de aici vine cuvântul „sadism”!), și ororile din viața reală provocate de un guvern italian fascist în timpul celui de-al doilea război mondial. Nenumărați tineri sunt torturați, mutilați, forțați să facă acte de nedescris unul împotriva celuilalt și uciși în moduri care par să existe doar pentru a satisface capriciile din ce în ce mai îngrozitoare ale opresorilor lor. SAL este un ceas brutal, unul pe care nu sunt sigur că cineva îl poate „recomanda”, dar este unul vital. Este un film care dezbracă marginea subțire dintre umanitate și rău sub auspiciile structurilor ierarhice de putere, un film care arată cât de profundă poate rula cruzimea. Nu este ideal să te uiți în timp ce mănânci.

Crimele din Snowtown

regizor: Justin Kurzel

scriitori: Shaun Grant, Justin Kurzel

distribuție: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

crimele Snowtown, bazate pe o serie reală de crime din Adelaide, Australia, este o arsură lentă chinuitoare, o privire sub microscopul decrepit al comunități disfuncționale din orașele mici, o încrucișare între Harmony Korine și Michael Haneke, un lungmetraj de debut feroce pentru regizorul Justin Kurzel. Hotărât să scape comunitatea sa de amenințarea explicită a pedofililor și homosexualilor, pe care este mai mult decât dispus să o combine toxic, John Bunting (un terifiant Daniel Henshall) recrutează un grup de oameni din clasa inferioară, inclusiv victima violenței sexuale Jamie Vlassakis (un Lucas Pittaway sfâșietor), pentru a găsi, tortura și ucide pe cei care o merită. Rama lui Kurzel este atât de nepătrunsă, cât și de tulburător de elegantă, folosind atât puterea carnagiului explicit, cât și teroarea implicită pentru a împinge constant o șurubelniță în intestinele privitorului. Psihologic, Snowtown nu lasă pe nimeni de pe cârlig — nu pedofili reale fiind ucis, nu telespectatorii care ar putea găsi că acțiunea într-un fel justificative, nu Jamie care se încadrează sub influența acestei noi figura tentant, și cu siguranță nu John Bunting însuși. Este o chestie sumbră, sumbră, sumbră, un film care explorează cea mai josnică și josnică natură umană în moduri care te vor face să empatizezi și apoi te vor face să ai nevoie de un duș.

Tetsuo: omul de fier

regizor / scriitor: Shinya Tsukamoto

distribuție: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

dacă găsiți oglinda neagră deranjantă, nu ați văzut încă nimic. Omul de fier e un ceas tare. Este un coșmar experimental, alb-negru, în dialog cu clasici cult similare, cum ar fi Eraserhead menționate mai sus sau născut. Este mai puțin interesat de o narațiune Sf plăcută decât de o explorare nepătrunsă a dispoziției. Iar” starea de spirit”, prin amabilitatea cunoscutului regizor japonez de cult Shinya Tsukamoto, este”sumbră”. Tetsuo este tehnic un film cyberpunk. Ficțiunea Cyberpunk este interesată de amestecarea ființelor umane cu îmbunătățiri cibernetice. Și Tetsuo: Iron Man ia acest impuls și îl catapultează la extremele sale cristalizate, îndepărtând toate celelalte părți în scopul pur al „man plus metal”.”Omul” acestei ecuații, jucat cu obsesie hipnotică de către regizorul filmului, consideră că bucățile de metal sunt obiecte fetișice violente care merită cât mai pline de lauda și fuziunea noastră — prima sa acțiune din film este să-și taie propriul picior și să împingă o bucată de metal în ea. Dar când un salariat (cuvântul japonez pentru „muncitor cu gulere albe”) interpretat de Tomorowo Taguchi începe să încolțească literalmente metalul ca punctul culminant al viselor sale violente și al fanteziilor care estompează realitatea, cei doi se confruntă într-un mod neobosit nihilist.

Tetsuo: omul de fier este plin de imagini supărătoare, în special atunci când omul de fier titular și prietena lui complet umană (Kei Fujiwara) încearcă să copuleze, chiar dacă este, știți, un om de fier. Dar nu este șoc de dragul lui shock — Tsukamoto are multe în minte și fiecare fațetă a visului său de febră, de la efectele de machiaj realizate manual până la camera de 16 mm, vorbește în slujba declarației sale finale: fuziunea tehnologiei și a rasei umane ne va distruge total pe toți.

fericit uitam, toată lumea! 🙂

pentru lecturi suplimentare, consultați lista noastră cu cele mai înfricoșătoare filme Disney realizate vreodată.