Emily Wabitsch / EPA/
ce vrei de la un tablou? Aceasta a fost întrebarea pe care John Baldessari a luat-o în considerare atunci când, la mijlocul anilor 1960, a pictat ceea ce este pictura (1966-68), o lucrare aflată în prezent la Muzeul de Artă Modernă din New York. Ia forma unei pânze monocrome bej, împreună cu un text care poartă numele operei și următoarea afirmație, tipărită într-un text atât de uniform redat, încât pare să fi fost plasată acolo de o mașină: „simțiți cum toate părțile unei imagini bune sunt implicate una cu cealaltă, nu doar așezate una lângă alta? ARTA ESTE O CREAȚIE PENTRU OCHI ȘI POATE FI SUGERATĂ DOAR CU CUVINTE.”
chiar dacă ceea ce este pictura nu conține nimic ofensator vizual, este un atac. Este o lucrare care obligă spectatorii să ia în considerare nu ceea ce se află în contextul pânzei, ci ceea ce se află în afara ei—un ansamblu de idei grele despre arta în sine. Imaginile nu sunt suficiente, pare să sugereze Baldessari. Conceptele contează în mod egal, dacă nu chiar mai mult.
Baldessari, care a murit sâmbătă la 88 de ani, a devenit unul dintre cei mai influenți artiști contemporani din ultima jumătate de secol pentru o operă plină de lucrări precum ceea ce este pictura. Unul dintre artiștii de frunte care face parte dintr-o mișcare cunoscută sub numele de Conceptualism, el a fost pionierul unui stil care a pus accentul pe idei asupra imaginilor, realizând lucrări care au amestecat Noțiuni tradiționale despre ceea ce era considerat artă înaltă și punând sub semnul întrebării stereotipurile despre autor. Lucrând cu fotografii, text și materiale însușite, a petrecut decenii în sus și regândind ceea ce arta ar putea și ar trebui să facă.
opera artistului Californian a fost una de jocuri de cuvinte uscate, glume artistice despre artă și lovituri la linii de gândire înalte care au pătruns în istoria artei de secole. Dar Baldessari nu s-a gândit niciodată la umor ca fiind modul său principal de exprimare. „Nu încerc să fiu amuzant”, i-a spus artistului David Salle, un prieten de multă vreme și fost student al său, într-o conversație din 2013 publicată de interviu. „Doar că simt că lumea este puțin absurdă și ciudată și sunt un fel de raportare.”
folosirea prostiei vizuale pentru a ajunge la idei serioase a fost o strategie de lungă durată a lui. În 1967, Baldessari a realizat una dintre cele mai memorabile lucrări ale sale, Wrong (1967), pentru care artistul stătea în fața unui palmier—corpul său înalt de șase picioare-șapte inci nici măcar nu se apropie de frunzele sale-și a pozat pentru o cameră foto. Baldessari se gândise la modul în care manualele de fotografie îi îndemnau frecvent pe oameni să nu se împuște reciproc în fața copacilor—ar putea părea că o plantă încolțea din cap. Cu toate acestea, Baldessari și-a dorit în mod deliberat o imagine proastă, așa că a produs una. Sub imagine, care este reprodusă pe pânză goală, este un cuvânt: „greșit.”În ceea ce privește imaginea în sine, este în mod deliberat Amator și de calitate scăzută, o vedere pentru ochii inflamați.
când Baldessari a greșit, fotografia abia începea să fie considerată un mediu artistic. Dacă o imagine ar fi considerată artă la acea vreme, cu siguranță nu ar arăta așa—ar fi foarte fină și bine compusă. El a fost printre cei care au ajutat la mutarea fotografiei în sfera artei plastice, într-un tărâm mai conceptual. După cum a spus în conversația cu Salle, „nu mi-am putut da seama niciodată de ce fotografia și arta au istorii separate. Așa că am decis să le explorez pe amândouă.”
dacă cineva este lăsat să se întrebe De ce, exact, fotografia a fost greșită, acesta a fost și punctul lui Baldessari—el a pus sub semnul întrebării frecvent relația fragilă dintre o imagine și textul care o descrie, în procesul de încercare de a scurge limbajul sensului metaforic. Aceasta a fost o sensibilitate cel mai bine văzută în Nu voi crea nicio artă mai plictisitoare (1971), în care Baldessari avea studenți la Colegiul de artă și Design Din Nova Scotia din Canada scrâșnind în mod repetat fraza titulară pe pereții unei galerii. Baldessari însuși nu a fost prezent așa cum au făcut elevii, iar lucrarea, care arată ca rezultatul pedepsei unui profesor de școală, a devenit o modalitate de a testa noțiunile despre autor. Artistul își scosese mâna din lucrare și totuși, printr-o logică ciudată, se putea spune că Baldessari este creatorul.
această lucrare și altele asemenea nu semănau cu lucrările expresioniste abstracte care deveniseră atât de populare cu puțin mai mult de un deceniu mai devreme prin exuberanța formală și privilegierea geniului artistic. Modul în care au fost realizate lucrările lui Baldessari și aspectul lor au contat acum puțin.
datorită interesului său pentru idei, mulți critici s-au adunat în Baldessari cu un grup cunoscut sub numele de Conceptualiști, care a folosit și hijinks inspirat de Duchamp pentru a se juca cu așteptările oamenilor de artă. Joseph Kosuth a creat o piesă sculpturală despre cuvântul”scaun” —redat ca obiect, o definiție și o fotografie—în căutarea diferitelor semnificații ale termenului, iar Lawrence Weiner a lăsat instrucțiuni pentru îndepărtarea unei secțiuni a unui etaj ca operă de artă. Obiectele erau dematerializate, autorul începea să însemne foarte puțin, iar însăși estetica unei opere de artă devenea alunecoasă și amorfă.
dar pentru că Baldessari avea sediul în California și nu în New York, unde lucrau mulți dintre ceilalți Conceptualiști, era considerat un outsider—un artist care nu-și putea lua munca suficient de în serios pentru a conta. Kosuth, pentru unul, a respins faimoasa artă a lui Baldessari ca fiind desene animate „conceptuale”. Cu toate acestea, Baldessari s-a ținut la curent cu ceea ce se întâmpla la jumătatea lumii, iar în 1972, pentru un videoclip numit Baldessari Sings LeWitt, a intonat piese ale artistului Sol LeWitt „Sentences on Conceptual Art” în tonul „Bannerului Star Spangled” și al altor ditties populare. Baldessari i-a spus odată criticului din New York Calvin Tomkins: „Conceptualiștii au crezut că fac doar artă de glumă și am crezut că a lor este plictisitoare.”
artiștii abstracți de frunte ai zilei au rupt, de asemenea, genul de muncă pe care o făceau Baldessari și colegii californieni precum Ed Ruscha. Baldessari a auzit odată că pictorul al Held a spus că arta conceptuală „arăta doar lucrurile”, așa că Baldessari s-a gândit să literalizeze asta. Pentru seria „tablouri comandate”, Baldessari a făcut o fotografie cu mâna unui prieten arătând lucrurile din jurul orașului Național din California, unde avea sediul la acea vreme, apoi a înrolat 12 artiști amatori pentru a alege una dintre fotografii și a-și crea propria pictură.
acesta a fost un gest personal și iconoclast pentru Baldessari, care a început el însuși ca pictor, realizând lucrări semi-figurale bizare care se bazau parțial pe fotografii (încă un tabu la începutul anilor ’60). Cu toate acestea, au rămas doar câteva lucrări din perioada sa timpurie—Baldessari a ars toată lucrarea pe care a făcut-o între 1953 și 1966 pentru o piesă conceptuală numită proiect de incinerare (1970). Printre singurele lucrări rămase din acea perioadă se numără nasul lui Dumnezeu (1965), un joc de cuvinte vizual pe sintagma „Dumnezeu știe” care prezintă un nas fără trup plutind pe cer. Motivul pentru care există este pentru că era în posesia surorii lui Baldessari la acea vreme.
Baldessari s-a născut în 1931 în Orașul național. A studiat istoria artei la San Diego State College din California și s-a gândit la început că ar putea dori să devină asistent social. O clasă de artă de studio din 1957 l-a transformat în posibilitatea de a studia pentru a deveni artist, dar și-a dat seama că s-ar putea să nu-și poată egala niciodată conștiința socială cu o carieră de artă și să se împiedice. Apoi, în timp ce lucra la Autoritatea pentru tineret din California, i s-a cerut să înceapă un program de Arte și meserii și s-a răzgândit. La câțiva ani după ce a studiat la Institutul de artă Otis din Los Angeles, a văzut o retrospectivă de referință din 1963 pentru Marcel Duchamp la Muzeul de artă Pasadena care a fost curatoriat de Walter Hopps și care l-a trimis pe un traseu mai puțin tradițional.
în același timp în care Baldessari zguduia lumea artei din California, era pe cale să devină unul dintre cei mai importanți educatori din istoria artei americane. Baldessari a fost printre primii care au predat la Institutul de Arte din California (cunoscut sub numele de CalArts pe scurt), o școală din Santa Clarita care a devenit rapid un focar pentru arta radicală în anii 1970. Baldessari a fost rugat să predea o clasă de pictură-pe care a decis—o repede, optând în schimb să supravegheze un curs numit „Post-Studio Art.”(Ceea ce, exact, se înțelegea prin numele său era în mod deliberat larg și oarecum criptic.) Printre primii săi studenți s-au numărat Salle, Barbara Bloom, James Welling și Jack Goldstein, care au continuat să aibă cariere ilustre. A predat la CalArts până în 1986, apoi la Universitatea din California, Los Angeles până în 2008.
impactul experimentelor ample ale lui Baldessari este imposibil de subestimat-cei mai importanți artiști americani care au apărut în anii 1980 se uitau la arta lui Baldessari, considerând—o ca pe ceva care le-a dat permisiunea de a folosi fotografii și text. El a ajutat la stimularea unei mișcări cunoscute sub numele de generația Pictures, un consorțiu liber de artiști precum Cindy Sherman, Goldstein, și Robert Longo care au fost privite lumea ca fiind plină de imagini lipsite de valoare. În profilul New Yorker, Baldessari și-a amintit că Sherman i-a spus odată: „nu am fi putut face asta fără tine.”
nu toată lumea a fost încântată de arta lui Baldessari. Criticul firebrand Hilton Kramer, scriind pe o retrospectivă Baldessari în 1990, a numit Mișcarea Conceptualistă „o abundență de aer cald.”Alții au admirat înclinația lui Baldessari pentru umor-criticul New York Times Roberta Smith a scris odată că” te face să arăți de două ori și să gândești de trei ori.”
în anii 1980, Baldessari a continuat să-și împingă arta în direcții noi, adesea făcând referire la una dintre formele dominante ale zilei de a face filme de artă. A început să creeze lucrări care combină imagini însușite din fotografii de film care par să gesticuleze, deși vag, la narațiuni suprarealiste care combină pofta și violența. La aceste imagini, el a început mai târziu să adauge mostre circulare de culoare care ascundeau fețele—pe care spectatorii le privesc frecvent la început când văd o lovitură într-un film. Din nou, Baldessari reordonează puckishly modul în care vedem, punând un punct pe elemente secundare, cum ar fi brațele și picioarele. (Baldessari și-a atribuit uneori interesul pentru părțile corpului propriului său lankiness. Într-un scurtmetraj numit A Brief History of John Baldessari, care a fost produs pentru o gală a Muzeului Județean de Artă din Los Angeles în 2009, artistul a speculat că ar fi cel mai bine amintit ca „tipul care pune puncte peste fețele oamenilor.”
o mare parte din arta sa din deceniile care au urmat a continuat în acest mod voit ciudat. A existat o serie întreagă construită în jurul emoji-urilor și scenariilor false și o aplicație care le-a permis utilizatorilor să discombobuleze și să reordoneze o pictură olandeză din secolul 17. Au existat o instalație care implică o ușurare de 625 de kilograme a unui creier uman și câteva incursiuni surprinzătoare în pictură.
în ultimele decenii ale carierei sale, a început să obțină și succesul pieței—a obținut reprezentare la Galeria Marian Goodman, care este printre cele mai apreciate întreprinderi cu prezență internațională, iar lucrările sale au început în cele din urmă să se vândă pentru milioane la licitație. Acest lucru a fost cuplat cu o retrospectivă de călătorie în 2009, care a început la Tate Modern în Londra și, de asemenea, a mers la Museu d ‘ Arte Contemporani di Barcelona, LACMA, și Muzeul Metropolitan de Artă din New York. (A fost unul dintre cele mai importante spectacole Baldessari de la un sondaj care a fost deschis în 1990 la Muzeul de Artă Contemporană din Los Angeles.) A primit, de asemenea, Leul de aur pentru realizarea vieții la Bienala de la Veneția în 2009.
Baldessari a fost întrebat frecvent de unde și-a luat ideile și a citat adesea istoria artei în sine. A fost un admirator al artei din toate perioadele istoriei artei și chiar și-a numit câinii Goya și Giotto. Într-un New York Times interviu din 2016, el a fantezat despre o viață alternativă în care a devenit un istoric care ar putea fi numit Dr.Baldessari, adăugând: „cred că arta provine din artă.”
