L. A. baseado cineasta Noam Kroll está atualmente trabalhando em seu segundo recurso. Ele mantém um blog de produção em seu site NoamKroll.com neste post, ele escreve sobre focar em personagens, a fim de construir um melhor roteiro. Confira Kroll blog aqui, e a sua companhia de produção pós-produção casa Criativo Rebelião aqui
Escrever um roteiro é um ato de equilíbrio, e enquanto todos os componentes precisam trabalhar juntos em harmonia, o componente que realmente pode fazer ou quebrar o script (na minha opinião) é o personagem. Em outras palavras, você poderia ter o mais bem escrito arco da história, e estrutura perfeita para o seu roteiro, mas se seu personagem principal é chato e plano, então tudo o resto cai em pedaços. Por outro lado, porém, você pode ter história que precisa de trabalho e o ritmo geral pode estar fora, mas se o seu personagem principal é convincente, o seu público continuará envolvido no filme, independentemente de algumas das falhas que pode ter. No mundo ideal, você quer encontrar esse equilíbrio que mencionei acima, onde todos os componentes estão trabalhando juntos harmoniosamente, e uma maneira segura de começar na direção certa é primeiro se concentrar em escrever caracteres em camadas com significado e propósito.
Aqui estão as minhas cinco dicas para escrever personagens mais fortes no teu guião.:
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#1 – Fazer o seu personagem simpático início
Se você espera que seu público raiz para o seu personagem principal para os próximos 90 minutos do filme, é melhor fazer algo cedo para se certificar de que você já ganhou. Alguns gurus de roteiro (Blake Snyder em particular), enfatizam este ponto acima de tudo – e por uma boa razão. Sem um personagem para torcer, a sua história não vale nada. O público precisa se identificar com alguém no início, e se seus personagens são geralmente detestáveis (mesmo que você possa achar que eles são interessantes), simplesmente não será suficiente para sustentar um roteiro. Muitas vezes os roteiristas vão escrever seu personagem principal de uma forma que seria mais adequado para escrever um antagonista. Eles podem ter algumas linhas rápidas de diálogo aqui ou ali, mas geralmente eles se sentem como uma força negativa, auto-servindo no grande esquema do filme e muitas vezes não têm qualidades redentoras de seus próprios.
escrever caracteres amáveis pode ser feito de uma quantidade infinita de maneiras. Por exemplo, simplesmente como escrever um diálogo forte que mostra quão espirituoso ou charmoso o personagem pode ser pode ir um longo caminho. Ou eles poderiam ser amáveis através de suas ações, mostrando um ato altruísta no início do filme para estabelecê-los como uma força positiva. E tenha em mente, tudo isso pode ser feito no contexto do mundo em que você está escrevendo, e de forma alguma tem que pintar seus personagens como pessoas perfeitas. Se você estiver escrevendo “Os Sopranos”, você ainda pode fazer o público torcer por Tony Soprano, porque você vê o valor que ele coloca em sua família e a vulnerabilidade que ele tem como uma pessoa lutando com a depressão. No contexto de uma história diferente, Tony Soprano pode ser um cara ruim sem qualidades redentoras, mas nos Sopranos ele está cercado por pessoas que são objetivamente piores do que ele, e como tal ele ainda pode se elevar acima e mostrar ao público que ele é o personagem que é o mais parecido com eles. A conclusão é que, seja como for que o faça, seja através do diálogo, acções, humor ou qualquer outro meio – faça o seu público torcer pela sua liderança o mais cedo possível.
#2 – Build realistic & caracterização detalhada
caractere refere-se à essência de quem qualquer um em seu script realmente está no interior. Ele ou ela é uma boa pessoa ou uma má pessoa? Um lutador ou um fracote? O caráter é o espírito dessa pessoa, enquanto a caracterização é o resultado quantificável de quem ela é. Por exemplo, digamos que você tem uma antagonista egocêntrica com um trabalho de alta potência e chip no seu ombro. Ela pode conduzir um grande SUV para o trabalho, beber café preto, e ter desenvolvido um carrapato nervoso. Todos estes pontos são detalhes de caracterização. Os detalhes não mudam quem o personagem está em seu núcleo, mas eles são simplesmente um bi-produto realista de quem esse personagem é e como eles se desenvolveram. Tomemos por exemplo o personagem Derek Vinyard em “American History X” (interpretado por Edward Norton). Enquanto o filme o expõe como um homem mudado, ele ainda está coberto de tatuagens que são uma lembrança constante de seu passado sombrio e vida antes da prisão.
escrever uma caracterização forte é importante em tantos níveis. Em primeiro lugar, um personagem realisticamente retratado irá adicionar muito realismo à sua peça. Não consigo contar quantas vezes vi o mesmo antagonista Genérico num filme que não tinha nenhuma caracterização original, o que acabou por diminuir completamente a sua importância no filme. Mas mesmo fora de apenas adicionar realismo aos personagens, também pode ajudá-lo como escritor a contar sua história mais intuitivamente e dramaticamente. Por exemplo, um dos exercícios que eu vou usar muitas vezes antes de saltar em um roteiro, é escrever algumas páginas de notas de caracterização em cada personagem no roteiro. Faço-o rapidamente, quase como um exercício de associação livre, e é imensamente útil. Eu sugiro muito fazer isso, como no final do exercício, você terá várias páginas de notas que não só dará detalhes e significado para o seu personagem, mas também ajudar a despertar ideias para a sua história de outras maneiras – ou seja, clarificando as escolhas que seu personagem pode fazer. Este último sentimento, me leva ao próximo ponto na nossa lista–
#3 – Deixe seu personagem tomar as decisões por você
Embora seja muito importante para se ter uma idéia de seus filmes estrutura antes de realmente fazer qualquer escrita, você também deseja permitir para que a história se desenrolar de forma orgânica e natural, e a única maneira de fazer isso é para dar a seus personagens algum espaço para respirar. Em vez de forçar o seu personagem em um arco e ditando todas as suas ações antes mesmo de escrever “FADE IN”, tente deixar o seu personagem fazer suas próprias decisões que irão mover a sua história para a frente. Isto é algo que eu acreditei por um longo tempo para ser um componente importante para qualquer roteiro, e a noção de fazer isso foi realmente solidificado quando ouvi Vince Gilligan falar sobre usar essa mesma abordagem para desenvolver personagens em “Breaking Bad”. Esta é provavelmente uma das razões pelas quais o show teve tanto sucesso crítico e foi capaz de abrir novos caminhos.Enquanto você está escrevendo qualquer cena, continuamente pergunte a si mesmo como seu personagem reagiria às circunstâncias em que eles estão. Não pense sobre o que outro personagem de outro filme faria, ou o que você faria nesse cenário, ou você vai acabar com o personagem principal mais genérico e chato que você poderia escrever. Se você fez seu dever de casa e seguiu minha sugestão na dica #2, você já deve conhecer seu personagem muito bem e ter um tempo fácil julgando o que eles vão fazer a seguir. Sabes que tipo de sapatos ele compra, o facto de não fumar há três anos, mas ainda fica agitado quando cheira um cigarro, e que adormece na televisão todas as noites. Também sabes porque é que ele é assim.percebes a educação que ele teve e o facto de ter sido maltratado na escola. Se você sabe tudo isso, então você naturalmente tem uma compreensão mais profunda do que ele vai fazer em qualquer situação dada e como ele vai reagir a qualquer evento dado. Então vão para as vossas cenas e histórias com uma mente aberta, especialmente nos primeiros rascunhos. Se o teu argumento vai ser bom, vai ter de passar por muitos rascunhos, por muito bom que sejas. Por isso, não te entusiasmes muito em ter um arco de carácter perfeito na primeira versão. Deixe-o desenrolar-se naturalmente, e em rascunhos posteriores você pode voltar e destacar o arco mais uma vez que seu caráter mostrou-lhe o que realmente é.
#4 – Dar ao seu personagem convincente diálogo
falei sobre isso um pouco no topo do artigo, mas ele realmente merece sua própria seção. O teu carácter precisa de ter um diálogo convincente, interessante e original. E isto não se aplica apenas ao seu personagem principal, aplica-se a todos os personagens do script. Diálogo forte vai dizer ao público exatamente quem é esse personagem dentro de momentos de eles falando suas primeiras linhas na tela. Nós sabemos de onde eles são baseados em seu sotaque, como eles são educados, se eles são ou não introvertidos ou extrovertidos, e muito mais. Uma imensa quantidade de informação pode ser transmitida através do diálogo, sem sequer dizer nada específico. Uma cena de diálogo bem escrita que é composta de algo tão simples como um personagem comprar mercearias poderia dizer – lhe um mundo sobre esse personagem e, em última análise, adicionar importância ao que eles estão dizendo, especificamente quando empregando o uso do subtexto – outro assunto que eu adoraria explorar mais em seu próprio post.
a coisa estranha sobre os filmes narrativos é que, embora eles sejam completamente fictícios, nós como o público ainda queremos que eles se sintam tão reais quanto possível. Mesmo em um filme de fantasia, precisamos ser capazes de se relacionar com os personagens e entender quem eles são em um nível cru, visceral, e o diálogo é o veículo para alcançar isso. Mas tenha em mente que um diálogo convincente não significa necessariamente ter muito diálogo. Você pode ter um personagem que diz muito pouco, que por sua vez diz muito sobre eles sem o uso de palavras. Você pode ter um personagem que o discurso está cheio de calão e outro que soa como um pregador. Ter personagens que falam em suas próprias vozes é tremendamente importante, e certifique-se de que nenhum de seus personagens soa como a mesma pessoa. Uma grande questão que alguns roteiristas têm é que eles escrevem todos os seus personagens diálogo da mesma forma. Idealmente, você quer ser capaz de cobrir os nomes de seus personagens no script, e ainda sabe que está falando com base no que eles estão dizendo e a forma como eles estão dizendo. Tarantino é sem dúvida um dos mestres do diálogo, e qualquer um de seus filmes pode ser uma fonte de inspiração para escritores que procuram diferenciar as vozes de seus vários personagens.
#5 – pense como um ator e dê ao seu personagem um ponto de vista
os atores sempre falam sobre encontrar o seu ponto de vista. Precisam de motivação para a cena. Eles precisam saber onde a personagem estava no momento antes de entrarem na sala que abre a cena. Eles precisam saber o que seu personagem está realmente pensando e sentindo quando eles estão batendo em torno do arbusto e permitindo que o subtexto da cena para jogar. Para alguns escritores, essas construções podem parecer como ferramentas gimmicky que os atores precisam para entrar no espaço da cabeça certa, mas eu diria que nós como roteiristas realmente precisam pensar assim também. Se você espera que seu ator principal seja capaz de interpretar um personagem efetivamente, você precisa escrever um personagem que permitirá que o ator use suas ferramentas para tocar na cena. Mas mais importante, fazê-lo para o bem de seu próprio roteiro e garantir que você obter o melhor produto final. Um personagem com um ponto de vista forte vai impulsionar a história, dando ao público uma linha através de seguir ao longo de cada cena e cada ato no filme. Precisamos saber de onde eles estão vindo e o que eles querem, a fim de se importar o suficiente para seguir a sua história. Olhe para um personagem como Forrest Gump com um ponto de vista óbvio que dita suas ações, adiciona realismo ao que ele faz, e empurra a história para a frente do ato para agir como resultado.
tantos roteiros que eu leio são severamente carentes a este respeito. É óbvio desde o início que o escritor não prestou atenção suficiente para entender o ponto de vista dos personagens, e deixando claro o suficiente para o público pegar. O sintoma mais comum deste problema são cenas que se desenvolvem de uma forma que completamente falta foco. Eu li algumas cenas que poderiam ter sido brilhantes se eles foram cortados para uma página ou duas, mas o escritor não entendeu o ponto de vista dos personagens e, como resultado, acabou sendo uma cena de 5 páginas confusa que correu em círculos. Uma maneira de dizer se você está no caminho certo é ver se você pode ou não escrever uma determinada cena em uma página, se tiver que fazê-lo. Certamente há cenas que exigem muitas páginas de diálogo, mas antes de fazê – lo funcionar como uma cena épica de 8 páginas, certifique-se de que em 1-2 páginas também, porque se ele carece de direção e foco, mesmo quando condensado a esse comprimento, do que vai ter grandes problemas quando extrapolado para ser muito mais longo.
que mais podemos fazer?Estas cinco pontas são apenas a ponta do iceberg. É fundamental para o sucesso de um filme ter personagens fortes por todo o caminho, que são agradáveis, realistas e têm uma motivação e propósito distintos na história, mas desenvolver personagens como este requer muita tentativa e erro. Não há nenhuma fórmula para ele, mas usando alguns exercícios realmente básicos, como escrever uma história de 2-3 páginas em cada personagem, você estará no seu caminho para criar um personagem original. E uma vez que você tenha os ossos desse personagem no lugar, não tenha medo de deixar o personagem evoluir, crescer, e até mesmo ditar em alguns casos para onde a história vai.Fora destas 5 dicas há uma quantidade infinita de coisas que você pode fazer para escrever personagens melhores, seja de fazer seus trabalhos de casa e assistir filmes guiados por personagens, para escutar o restaurante local para pegar em algum diálogo. Mas independentemente de quais métodos funcionam para você, certifique-se de que você preste atenção suficiente aos seus personagens, especialmente nos estágios iniciais de desenvolvimento de seu roteiro.E se ainda não o Leu, não se esqueça de verificar o meu artigo anterior sobre a importância da história.
