Die beunruhigendsten Filme aller Zeiten (Weißt du, etwas leichtes Lesen!)

Wir freuen uns über Gewalttaten auf dem Bildschirm. Von den Spielereien von Looney Tunes Cartoons zu den Avengers, die die Scheiße aus Thanos in einem Vier-Quadranten-Blockbuster schlagen, Kinogänger bekommen einen Kick von Leuten, die einen Kick bekommen. Vielleicht ist es ein Akt der stellvertretenden Katharsis; Vielleicht liegt es daran, dass wir wissen, dass alles falsch ist, was uns die „Erlaubnis“ gibt, es zu genießen; Vielleicht liegt es daran, dass die tatsächlichen Einsätze, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Textes, so niedrig erscheinen. Ich bin nicht hier, um Leute anzuklagen, die diese Art von Inhalten genießen — ich bin einer von ihnen. Stattdessen bin ich hier, um zu untersuchen, was passiert, wenn Filmemacher dieses Zifferblatt über den Bruchpunkt hinaus drehen.

Es gibt eine Untergruppe des Kinos, die daran interessiert ist, das Extreme, das Profane, das Tabu, das Verstörende zu erforschen. Eine Filmmarke, die den Betrachter brandmarkt und sein Gehirn mit unvergesslichen Bildern und der Dissektion der grundlegendsten und perversesten menschlichen Impulse versengt — Impulse, die vielleicht etwas mit der „sanierteren“ Form von Bildschirmgewalt gemeinsam haben, die wir akzeptabel finden (hoppla, ich denke, ich bin Selbstanzeige ein wenig!). Einige dieser Filme sind nur gemacht, um mit leerer Provokation zu schockieren; Einige haben im Kern etwas Echtes zu sagen; Alle werden dich stören.

Hier sind also die verstörendsten Filme aller Zeiten und ein Blatt transgressives Kino, das Sie schockiert und kauernd zurücklässt. Beobachten Sie auf eigene Gefahr.

Und serbischer Film

Regie: Srđan Spasojević.

Autoren: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević.

Honor: Srdjan Todorovic, Sergei Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

Die Stumpfheit des Titels dieses Films sollte Sie auf die Stumpfheit seines Inhalts hinweisen. Sein Regisseur Srđan Spasojević kommentiert ausdrücklich nicht nur die breiteren Implikationen des Lebens in einer vom Krieg zerrissenen, faschistisch geprägten Gesellschaft und Regierung, sondern auch die spezifische Heuchelei derselben Regierung, die bürgerliche, „sichere“ Filme finanziert, die versuchen, ihre eigenen Gräueltaten zu beschönigen. Um dies zu verdeutlichen, haben Spasojević und Co-Autor Aleksandar Radivojević eine Handlung entworfen, die uns über den Punkt der Unterwelt hinausführt. Der pensionierte Pornostar Miloš (Srđan Todorović) hat Probleme, sich um seine Familie zu kümmern. Trotz seiner besseren Instinkte willigt er ein, in einem künstlerischen Pornofilm eines provokanten Autors (Sergej Trifunović) mitzuspielen. Aber die Methoden und Themen des Regisseurs beinhalten, Miloš in einen Zustand der Katatonie zu versetzen und ihn zu unaussprechlichen Dingen vor der Kamera zu zwingen. Und wenn ich „unaussprechlich“ sage, bin ich nicht hyperbolisch. Tabus sexueller Gewalt, Nekrophilie, Inzest und Pädophilie sind mit schonungslosen Details versehen, was dem Film sofort ein Gefühl der Bekanntheit auf dem Festivalgelände verleiht. Der letzte Schuss und die getroffene Entscheidung sind rein böse.

Vorsprechen

Regisseur: Takashi Miike

Autor: Daisuke Tengan

Darsteller: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike ist ein überaus produktiver Regisseur, dessen berüchtigtste Filme wie Ichi the Killer und Visitor Q den Betrachter regelmäßig in einfallsreiche Eingeweide und psychologisch bestrafende Tabus eintauchen lassen. Warum macht er den Schnitt über seine vielen anderen Filme? Zum Teil wegen seiner grenzwertig-grausamen Köder-und-Schalter. Audition beginnt mit der Prämisse und dem Ton eines leichten romantischen Dramas — Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) ist ein einsamer Witwer, der neu nach einer neuen Liebe sucht. Auf Anraten seines Freundes, des Filmproduzenten (Jun Kunimura), beginnt Aoyama buchstäblich Frauen zu „vorsprechen“, um möglicherweise seine Liebe zu sein, und verliebt sich sofort in Asami Yamazaki (Eihi Shiina). Die beiden versprechen tiefe, melancholische Gefühle der Liebe zueinander. Und dann… scheiße wird komisch. Miikes Switch-Flip schlägt dir ins Gesicht, zwingt Sie, sich der inhärent problematischen Prämisse des Films zu stellen, und der inhärente Sexismus gebacken in Dating, romantische Beschäftigungen, und sogar die Filmindustrie. Als Asami Yamazaki endlich anfängt, mit ihrer eigenen Agentur, hoo boy, aufzupassen. Bilder von nadelbasierter Folter, Zerstückelung und dem Verzehr einer Körperflüssigkeit, die definitiv nicht gegessen werden sollte, kollidieren mit intensiver psychosexueller Besessenheit auf eine Weise, die den Betrachter in die Unterwerfung bringt. Das ist genau das Ziel von Yamazaki und Miike.

Augustiner’s Mordum

Regisseure / Autoren / Darsteller: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

Fred Vogels Toetag Pictures ist eine unabhängige Horrorfilmproduktionsfirma und ein Studio, das für Low-Budget-Arbeiten des extremen Kinos bekannt ist. Ihr definierendes Statement kommt in Form einer brutalen, aggressiv nihilistischen Found-Footage-Trilogie des Chaos, bekannt als August Underground. Alle drei Filme beinhalten eine gefundene Familie von Serienmördern, die herumreisen und Aufnahmen voneinander machen, die ihren unglücklichen Opfern elende Formen von Folter und Tod einflößen. Alle drei Filme werden in gezackter Low-Fi-Qualität gedreht, was zu einer Ästhetik führt, die einem buchstäblichen Schnupftabakfilm so nahe kommt, wie es jeder in einem narrativen Spielfilm getan hat. Alle drei Filme verfügen über Magen-churningly realistische Effekte, und engagierte Schauspieler bereit, wild zu tun, wilde Scheiße miteinander. Aber das zweite Kapitel, Augustus’Mordum, könnte das am meisten beunruhigende sein. Körper sind nichts anderes als anonyme Gelegenheiten für morbide Dissektionen und Korruptionen, und das Toetag-Team ist mehr als bereit, uns alles ins Gesicht zu schieben, wobei jede Szene es schafft, die vorherige in ihrer schrecklichen Grausamkeit zu übertreffen. Gibt es einen Punkt jenseits des Chaos des Inhalts auf seinem Nennwert? Das ist eine Frage, die ich nicht sicher bin, ob Toetag daran interessiert ist.

Holocaust der Kannibalen

Regie: Ruggero Deodato

Buch: Gianfranco Clerici

Besetzung: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

Ein berüchtigter Horrorfilm von 1980, der ein grundlegender Text im Genre Found Footage ist, wurde in mehreren Ländern direkt verboten, führte dazu, dass der Regisseur Ruggero Deodato verhaftet wurde und vor Gericht beweisen musste, dass die Spezialeffekte gefälscht waren, half, eine Welle des Kannibalenausbeutungskinos in Gang zu setzen, und beeinflusste Filmemacher in seinem Gefolge (vielleicht am explizitesten Eli Roth mit The Green Inferno). Cannibal Holocaust erzählt in mockumentarischer Form die Geschichte einer Gruppe von Anthropologen, die in ein Amazonasdorf reisen, um eine Gruppe von dort zurückgelassenen Filmemachern zu retten. Als sie ankommen, entdecken sie Filmmaterial mit schrecklichen Aktionen der kannibalistischen Ureinwohner, was zu einer verknoteten, metatextuellen Erzählung führt, die aggressiv auf den weißen Retterismus, den Kolonialismus, die Rolle sensationeller Fernsehnachrichten bei der Verschärfung der Gewalt und sogar die Rolle des Publikums abzielt, das genau diesen Film sieht. Ist Cannibal Holocaust nur daran interessiert, diese Punkte mit unanfechtbarem, intellektuellem Scharfsinn zu machen? Gewiss nicht. Die gezeigten Bilder, in schonungslosen Details, sind eindeutig entworfen, um Kontroversen zu umwerben, und in einigen Sequenzen tatsächlicher Tierquälerei, kann für einige eine Zeile in zwecklosen Text gehen. Aber es ist nicht zu leugnen, dass Cannibal Holocaust viel im Kopf hat, und es ist bereit, einige Gedanken zu essen, um zu versuchen, seine vielen Punkte zu machen.

Radierkopf

Regie / Buch: David Lynch

Besetzung: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

Eraserhead, das Debüt des berüchtigten Nightmare-Rührers / Meteorologen David Lynch, ist wahrscheinlich das, was ich je gefühlt habe, um im lässigen, nagenden Surrealismus eines realen Albtraums in filmischer Form zu leben. Lynch erzählt die Geschichte von Henry Spencer (Jack Nance), einem schwachen und sensiblen Mann, der in einer bizarren, postindustrialisierten apokalyptischen Gesellschaft lebt. Das Leben wird durch die Anwesenheit (oder Bedrohung) von Häuslichkeit, Kindererziehung, Geschlechtsverkehr und sogar dem Leben nach dem Tod auf den Kopf gestellt. Lynch präsentiert diese Herausforderungen sowohl mit einem sengenden hautkriechenden Stil als auch ohne Stil; Während das Produktionsdesign dieses Films in seiner Atmosphäre unvergleichlich ist, So viele der eindringlichen Bilder des Films treten fast versehentlich auf, ohne Kommentar zu seiner trostlosen Seltsamkeit. All dies gipfelt in der Enthüllung eines Kindes, dessen Gesicht für die Methoden, mit denen Lynch es geschafft haben könnte, umstritten bleibt. Irgendwie macht Eraserhead die Dinge in unserem Unterbewusstsein, die wir nicht sprechen können, sprachbar, indem wir kaum sprechen. Sing es mit mir: „Im Himmel ist alles in Ordnung…“

Henry: Porträt eines Serienmörders

Regie: John McNaughton

Autoren: Richard Fire, John McNaughton

Besetzung: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Wenn der oben erwähnte August Underground der Thrash Metal des „Found Footage Serial Killer Family Horror Films“ ist, dann: Porträt eines Serienmörders ist die ruhige Jazzimprovisation. John Mcnaughtons Low-Budget-Horrorfilm von 1986 zeigt eine Karriere-Lead-Performance von Michael Rooker in der Titelrolle. Rookers Arbeit hier ist erstaunlich und schafft es, die Spalten der Menschheit in einer Person zu finden, die so verdrahtet ist, dass sie ihren Mitmenschen nichts als nihilistischen, bedeutungslosen Schaden zufügt, besonders denen, die es wagen, etwas zu zeigen, das menschlicher Zuneigung ähnelt. Was das Found Footage von allem betrifft: Henry wird nicht vollständig mit In-Text-Kameras gerendert. Viele der ruhigeren, psychologisch quetschenderen Szenen des Films werden in einfacher, krasser 16mm-Abdeckung gedreht, Mcnaughtons Farben fühlen sich atypisch tief und luxuriös für solch ein Low-Budget an, schreckliche Angelegenheit. Aber die erschreckend brutalsten Momente des mörderischen Gemetzels des Films — und, wichtig, die Angst, die zu diesen Ausbrüchen führte – werden von Henry und seiner Crew im Text gefilmt. Die Lässigkeit des Gemetzels, die Unvermeidlichkeit einer solchen mutwilligen Zerstörung wird lange nach dem Betrachten von Henry im Kopf bleiben. Es ist ein Porträt eines Serienmörders und das Porträt dessen, was passieren kann, wenn wir uns bis zu einem Punkt entmenschlichen und desensibilisieren lassen, an dem Empathie unmöglich ist.

Der menschliche Tausendfüßler 2 (Vollständige Sequenz)

Regisseur / Autor: Tom Six

Darsteller: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Sixs The Human Centipede, veröffentlicht in 2009, hatte eine raue Prämisse, die nicht nur unter extremen Cinephilen, sondern auch in der allgemeinen Filmlandschaft sofort berüchtigt wurde. Was wäre, wenn Sie einen „menschlichen Tausendfüßler“ machen würden, indem Sie den Mund von Menschen an den Hintern anderer Menschen befestigen? Ich würde es dir nicht verdenken, wenn dich diese Prämisse zum Kichern bringt, und das seltsam helle Farbschema und die charismatische Leistung des ersten Films von Dieter Laser lehnt sich an die zugängliche, schwarz komische Natur von allem an. Aber seine Fortsetzung, The Human Centipede 2 (vollständige Sequenz), nimmt jedes Gefühl der Zugänglichkeit und überfährt es mit einem Auto und zerquetscht seinen Schädel. Und ja, das ist leider ein Hinweis auf etwas, was im Film passiert.

Human Centipede 2 leiht sich einen Hauch von Wes Cravens neuem Albtraum und dreht sich um Laurence R. Harvey, der eine verdammt engagierte Leistung als kranker Mann gibt, der besessen ist von – mach dich bereit — dem Tom Six—Film The Human Centipede. Diese kühne Meta-Wahl wird auf das offensichtlichste Extrem gesteigert, als Harvey, der nach dem grafischen Versand mit seiner missbräuchlichen Mutter auf makabres Blut gestoßen ist, beschließt, seinen eigenen menschlichen Tausendfüßler aus seinen eigenen sehr, sehr amateurhaften „medizinischen Vorräten“ zu erschaffen.“ Oben auf diesem Tausendfüßler sitzen? Mach dich bereit – Ashlynn Yennie, spielen „Ashlynn Yennie, Stern des menschlichen Tausendfüßlers.“ Während es etwas unbestreitbar einnehmend und unerwartet selbstkritisch mit sechs Falten in seiner Mythologie auf sich selbst, er meist nutzt dies als Startrampe für Darstellungen von unaussprechlicher Grausamkeit in widerlich fettig Schwarz-weiß. Die oben erwähnte „Schädel-Brech“ -Sequenz passiert einer Person, die Sie nicht sehen wollen; Stacheldraht wird auf sexuell gewalttätige Weise verwendet; und eine Szene, in der der menschliche Tausendfüßler „isst“, ist mehr als abscheulich. Der menschliche Tausendfüßler 2 fühlt sich an wie der Film, den jeder Teil 1 erwartet hat, zum „Besseren“ oder zum Schlechteren.

In einem Glaskäfig

Regie / Buch: Agustí Villaronga

Darsteller: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

Von all den verschiedenen Subgenres des Ausbeutungskinos ist Nazisploitation vielleicht das eifrigste, um Tabus zu brechen und Ihnen ins Gesicht zu schieben. Der Welleneffekt psychosexueller Nazi-Horrorshows wie Ilsa, She Wolf of the SS und Gestapos Last Orgy war in Prestige-Bildern wie The Night Porter und in modernen Werken wie Rob Zombies Grindhouse Trailer Werewolf Women of the SS und dem Amazon-Programm Hunters zu sehen. In einem Glaskäfig fädelt sich die Nazisploitationsnadel zwischen „empty shock value“ und „something to say“ quäklig, aber wirkungsvoll ein und nutzt dabei ungemein atmosphärisches Filmemachen.

Die Person im Glaskäfig ist Klaus (Günter Meisner), ein ehemaliger Nazi-Arzt, der sowohl im Holocaust als auch danach, wo er sich in Spanien verbannt hat, schreckliche sexuelle Gewalttaten an Kindern gefoltert, experimentiert und begangen hat. In einer Episode, in der seine Dämonen ihn einholen, Klaus versucht Selbstmord und scheitert, was dazu führt, dass er in einer eisernen Lunge inkubiert wird. Eine Krankenschwester namens Angelo (David Sust) bietet an, sich um ihn zu kümmern, aber er ist keine gewöhnliche Krankenschwester. Er ist ein Opfer von Klaus, erwachsen und begierig darauf, sich nicht nur an dem Nazi-Arzt zu rächen, sondern die Identität des Nazi-Arztes so wörtlich wie möglich zu bewohnen. Die daraus resultierende Erzählung ist bestrafend, beunruhigend, und psychologisch faszinierend, Eine effektive Dissektion der anhaltenden Traumata und Auswirkungen, die sowohl für Täter als auch für Missbrauchte auftreten.

Innen

Regisseure: Julien Maury, Alexandre Bustillo

Autor: Alexandre Bustillo

Besetzung: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

Von den vielen verletzenden Filmerlebnissen, die während der Filmbewegung der 2000er Jahre produziert wurden, die als New French Extremity bekannt ist (Märtyrer, Ärger jeden Tag, Hochspannung und weitere französische Kinostücke, die alle Dinge brutal transgressiv machen), klebt mir keines so schrecklich an den Knochen wie Inside (in Frankreich als À l’intérieur bekannt). Die Handlung ist mehr als einfach: Sarah (Béatrice Dalle), eine junge Witwe, ist schwanger und allein. Und dann dringt eine Frau namens „La Femme“ (Alysson Paradis) in ihr Haus ein, besessen von der Idee, dass Sarahs Baby ihr gehört. Und sie wird es mit jeder Methode bekommen, die sie kann. Das Ergebnis ist eine bösartig böse, physisch, viszerale Erfahrung bitterer Brutalität und Selbstverteidigung, aggressiv mit psychologischen Provokationen des Traumas aufgewirbelt, Anspruch, und Mutterschaft – alles mit einer unglaublich schwangeren Frau. Die letzten Momente dieses straffen, erschreckenden Films lassen mich bis heute schaudern.

Irréversible

Regie/Buch: Gaspar Noé

Besetzung: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

Apropos Neue französische Extremität: Enfant terrible Gaspar Noé, der Autor hinter anderen verstörenden Werken wie I Stand Alone und Climax, prägte sowohl diese zeitgenössische Bewegung als auch das allgegenwärtigere Exploitation-Subgenre von „rape and revenge“ mit 2002 ekelhaft gründlich Irréversible. In traditionellen Ausbeutungsarbeiten in dieser Form, wie das letzte Haus links, Ich spucke auf dein Grab, oder Thriller – Ein grausames Bild, Wir lernen eine Protagonistin kennen, sind entsetzt über den abscheulichen sexuellen Missbrauch, den sie durchmacht, und werden bestätigt, wenn sie sich gewaltsam an ihren männlichen Missbrauchern rächt. Noé dreht das Drehbuch buchstäblich um und präsentiert diese Erzählung in umgekehrter Reihenfolge. Der Film beginnt mit einer freilaufenden Kakophonie aus Ton, Farbe, wirbelnder Kameraführung und erbärmlichem Gemetzel, da das Stück „Rache“ jemandem eingeflößt wird, über den wir keinen Kontext haben (insbesondere nicht von einer Frau begangen, die Empowerment wiederfindet, sondern von einem wutgefüllten Mann). Es ist ein brutales Stück kontextloser Gewalt, mit dem man einen Film beginnen kann – und schon in der nächsten Szene wird Monica Belluccis Hauptfigur grafisch vergewaltigt, bevor sie ins Koma geschlagen wird. Wieder präsentiert uns Noé die typischen Beats eines Vergewaltigungs- und Rachethrillers, aber indem er ihre Reihenfolge umkehrt, zwingt er uns entweder, die Willkürlichkeit der Gewalt und die Leere der Rache zu untersuchen, oder er ist ein verdammtes Arschloch, das einen wertlosen Film gemacht hat, abhängig von Ihrer Einstellung. Der Rest von Irréversible zeigt „barmherzig“ Momente der Liebe, Charakterentwicklung und Menschlichkeit in Bezug auf Bellucci, aber alles hat eine düstere, widerliche Blässe, eine unbewusste Erinnerung daran, dass Handlungen des Bösen in der Tat irreversibel sind, egal aus welchem Grund.

Mann beißt Hund

Regisseure: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde

Schriftsteller: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier

Besetzung: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde- Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

Von all den vielen verstörenden Filmen, die ich in meinem Leben gesehen habe, hatte nur einer die Kraft, mich aufgrund meines persönlichen Unbehagens durch eine Szene vorspulen zu lassen. Dieser Film ist Man Bites Dog, bekannt in seinem Heimatland Belgien als C’est arrivé près de chez vous (eine Interpretation des Ausdrucks „Es könnte dir passieren“). Vom Titel an hat die Schwarz-Weiß-Mockumentary (ein weiterer grundlegender Found-Footage-Horrorfilm) im Visier, wie wir Gewalttaten und ihr „lustiges“ Gefühl der Angst konsumieren und vergöttern, insbesondere in den Nachrichtenmedien. Eine Gruppe Journalisten folgt einem Mann namens Ben (Benoît Poelvoorde, beunruhigend brillant). Er ist charmant, lustig und zufällig ein produktiver, sadistischer Serienmörder. Die Journalisten wollen ihn und seine zunehmend gewalttätigen Verbrechen mit einem Gefühl objektiver Distanz filmen. Aber leise, hinterhältig, unruhig können die Journalisten nicht anders, als sich aktiv an seinen Verbrechen zu beteiligen und nicht nur Nachrichtenmedien auf der ganzen Welt anzuklagen, sondern sogar uns, weil wir einen solchen Film sehen und lachen wollen (ja, lachen, der Film ist oft schwarz lustig). Dies alles gipfelt in einer Midpoint-Szene des Gemetzels und seiner Folgen, die so beiläufig, so grafisch und so ohne Reue gezeigt wird, dass ich wünschte, ich könnte es in meinem Gehirn vorspulen.

Melancholie der Engel

Regie: Marian Dova

Autoren: Marian Dova, Carsten Frank

Besetzung: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

Der berüchtigte deutsche Filmemacher Marian Dova hat zahlreiche Werke von unerbittlichem Ekel gemacht (nicht googeln was passiert in Karzinom, für Ihr eigenes Wohl). Aber in der Melancholie der Engel (2009) hätte er vielleicht sein,ähm, „Meisterwerk“ gemacht. Melancholie der Engel hat in einer bestrafenden Länge von zweieinhalb Stunden viele philosophische Überlegungen im Kopf, die im Allgemeinen zu einer Form absurden Nihilismus führen, wie er von Katze (Carsten Frank) praktiziert wird, der glaubt, sich dem Ende seines Lebens zu nähern. In dem Bemühen, die Grenzen der Existenz so weit wie möglich zu verschieben, bevor sie beiläufig ausgelöscht wird, engagieren er und eine Gruppe von „Freunden“ sich in zunehmend schrecklichen, grafischen, scheinbar unsimulierten Handlungen der Verderbtheit. Diese Handlungen der menschlichen Erniedrigung, gefilmt in einem von Natur aus hässlich aussehenden digitalen Video, werden durch alle Arten von „großen Ideen“ gefiltert, die Dovas Philosophien und katholische Ideale von Schuld und Erlösung betreffen, aber es ist schwer, sich von diesem Film mit einem anderen Gedanken als „Warum?“ Was, nehme ich an, der Punkt ist. Wenn Sie sich gewünscht hätten, Richard Linklaters Before-Trilogie hätte Szenen mit Scheißessen, Melancholie der Engel könnte für Sie sein.

Männer hinter der Sonne

Regisseur: T. F. Mou

Schriftsteller: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng

Darsteller: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

Die Gräueltaten des Krieges, erbärmlich detailliert wiedergegeben. Men Behind the Sun, vom chinesischen Filmemacher T. F. Mou, beschreibt die schrecklichen Experimente chinesischer und sibirischer Gefangener durch kaiserliche japanische Militärkommandanten während des Zweiten Weltkriegs mit widerlich grotesken Spezialeffekten. Jenseits der offensichtlichen viszeralen Störungen des Films gibt es auch psychologische Auswirkungen, die sowohl innerhalb als auch außerhalb des Textes angedeutet werden. Men Behind the Sun möchte echte Traumata und realen Schmerz erforschen, will die Grenzen des Patriotismus und die gleitende Skala des Nationalismus darstellen, will die notwendige Botschaft vermitteln, dass Krieg die Hölle ist und immer sein wird. Aber es will auch ein ausbeuterischer Horrorfilm mit Umschlag drückenden Gore-Effekten sein. Kann es in beide Richtungen haben? Hat es das verdient? Wenn es gelingt, ist es unsere Zeit noch wert? Gibt es andere, schmackhaftere Möglichkeiten, die Schrecken, die andere Menschen unter dem Deckmantel des Krieges dem Menschen zugefügt haben, zu verdauen und zu verarbeiten? Oder sind stumpfe Botschaften wie diese wirklich, wirklich der einzige Weg, wie es in unserem Gehirn bleiben kann?

Nekromantik

Regie: Jörg Buttgereit

Drehbuch: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen

Darsteller: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

Schnell erraten: Worum geht es Nekromantik, basierend auf dem Titel aone? Ding ding ding, richtig, fam! Es geht wirklich, aufrichtig und unverfroren darum, eine Leiche zu ficken — und Regisseur Jörg Buttgereit ist wirklich, aufrichtig und unverfroren daran interessiert, alles zu zeigen. Der Film folgt einem Paar, Rob und Betty (Daktari Lorenz und Beatrice Manowski), die sich eifrig und krankhaft für die Schnittstellen von Liebe, Sex und Tod interessieren. Rob arbeitet für eine Firma, die Leichen von Unfallstellen aufräumt, und, Gut, Er behält gerne Souvenirs und Trophäen, mit denen er und seine Freundin spielen können. Schließlich, Dies erhöht sich in den vollen Diebstahl einer vollen Leiche, was sich zu einer merkwürdigen Thruple-Situation mit der ekligsten Verwendung eines Stahlrohrs erhöht, das ich je im Kino gesehen habe. Nekromantik, für diejenigen, deren Sinn für Humor bereit ist, den Sprung zu wagen, Tatsächlich minen eine anständige Menge an schwarzer Komödie aus seiner fast nicht druckbaren Prämisse, Beats von romantischer Liebe und verrückter Eifersucht mit ironischem Engagement und Außenseiter-Appeal spielen. Aber es hindert den Film nicht daran, die abscheulichsten Darstellungen von menschlichem Fleisch zu misten, und seine Endmomente sind sowohl erstaunlich als auch seltsam poetisch.

Salò oder die 120 Tage von Sodom

Regie: Pier Paolo Pasolini

Schriftsteller: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Besetzung: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

Der Großvater des verstörenden Kinos, ein schockierendes Stück Horror, das trotz (wegen?) sein extremer Inhalt, verdient, dass seltenes Stück Prestige Kino Heiligsprechung. Das ist richtig, Freunde: Sie können Salò oder the 120 Days of Sodom in einem schicken Criterion Collection Blu-ray-Paket mit seinen aggressiv grafischen Darstellungen des korrupten Faschismus und der Amokläufe von Tieren in anspruchsvollen, ärgerlichen Details kaufen. Pier Paolo Pasolinis letzter Film vor seiner Ermordung, Salò, ist gleichermaßen von Marquis de Sades The 120 Days of Sodom inspiriert, einer einflussreichen Arbeit über die Grenzen und Bruchstellen menschlicher Erniedrigung und Sexualität (hier kommt das Wort „Sadismus“ her!), und die realen Schrecken einer faschistischen italienischen Regierung während des Zweiten Weltkriegs. Unzählige junge Menschen werden gefoltert, verstümmelt, zu unaussprechlichen Taten gegeneinander gezwungen und auf eine Weise getötet, die nur zu existieren scheint, um die immer grelleren Launen ihrer Unterdrücker zu befriedigen. Salò ist eine brutale Uhr, eine, die ich nicht sicher bin, ob jemand „empfehlen“ kann, aber es ist eine lebenswichtige. Es ist ein Film, der die dünne Kante zwischen Menschlichkeit und Bösem unter der Schirmherrschaft hierarchischer Machtstrukturen entblößt, ein Film, der zeigt, wie tief Grausamkeit verlaufen kann. Es ist nicht ideal, beim Essen zuzusehen.

Die Snowtown-Morde

Regisseur: Justin Kurzel

Autoren: Shaun Grant, Justin Kurzel

Darsteller: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

Die Snowtown-Morde, die auf einer realen Serie von Morden in Adelaide, Australien, basieren, sind ein quälendes langsames Brennen, ein Blick unter das heruntergekommene Mikroskop dysfunktioneller kleiner -town Communities, eine Kreuzung zwischen Harmony Korine und Michael Haneke, ein wilder Debütfilm für Regisseur Justin Kurzel. Entschlossen, seine Gemeinde von der expliziten Bedrohung durch Pädophile und Homosexuelle zu befreien, die er mehr als bereit ist, toxisch zu verschmelzen, rekrutiert John Bunting (ein furchterregender Daniel Henshall) eine Gruppe von Menschen der unteren Klasse, darunter das Opfer sexueller Gewalt Jamie Vlassakis (ein herzzerreißender Lucas Pittaway), um diejenigen zu finden, zu foltern und zu ermorden, die es verdienen. Kurzels Rahmen ist sowohl schonungslos als auch verstörend stilvoll und nutzt sowohl die Kraft des expliziten Gemetzels als auch des impliziten Terrors, um dem Betrachter ständig einen Schraubenzieher in die Eingeweide zu schieben. Psychologisch, Snowtown lässt niemanden vom Haken — nicht die tatsächlichen Pädophilen, die ermordet werden, nicht die Zuschauer, die diese Aktion in irgendeiner Weise als Rechtfertigung empfinden könnten, nicht Jamie, der unter den Einfluss dieser neuen verlockenden Figur gerät, und schon gar nicht John Bunting selbst. Es ist grimmig, grimmig, grimmiges Zeug, ein Film, der das Niederträchtigste und Abscheulichste der menschlichen Natur auf eine Weise erforscht, die dich einfühlen lässt, und dann brauchst du eine Dusche.

Tetsuo: Der Eiserne Mann

Regisseur / Autor: Shinya Tsukamoto

Besetzung: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Wenn Sie Black Mirror störend finden, haben Sie noch nichts gesehen. Tetsuo: Der Iron Man ist eine harte verdammte Uhr. Es ist ein experimenteller, schwarz-weißer Albtraum im Dialog mit ähnlichen Kultklassikern wie den oben genannten Eraserhead oder Gezeugt. Es ist weniger an einer schmackhaften Science-Fiction-Erzählung interessiert als an einer schonungslosen Erforschung der Stimmung. Und die „Stimmung“, mit freundlicher Genehmigung des berüchtigten japanischen Kultfilmers Shinya Tsukamoto, ist „düster“. Tetsuo ist technisch gesehen ein Cyberpunk-Film. Cyberpunk-Fiktion interessiert sich für die Vermischung von Menschen mit kybernetischen Verbesserungen. Und Tetsuo: Der Iron Man nimmt diesen Impuls und katapultiert ihn in seine kristallisierten Extreme, Alle anderen Teile für den bloßen Zweck von „Mann plus Metall. Der „Mann“ dieser Gleichung, der vom Regisseur des Films mit hypnotischer Besessenheit gespielt wird, betrachtet Metallstücke als gewalttätige Fetischobjekte, die so viel Lob und Anerkennung wie möglich verdienen — seine allererste Aktion im Film besteht darin, sein eigenes Bein aufzuschneiden und ein Stück Metall hineinzuschieben. Aber als ein Angestellter (das japanische Wort für „Angestellter“), gespielt von Tomorowo Taguchi, buchstäblich Metall als Höhepunkt seiner gewalttätigen Träume und Realität verwischenden Fantasien sprießen lässt, stehen sich die beiden auf unerbittlich nihilistische Weise gegenüber.

Tetsuo: Der Iron Man ist voller verstörender Bilder, besonders wenn der titelgebende Iron Man und seine völlig menschliche Freundin (Kei Fujiwara) versuchen, sich zu paaren, obwohl er, wissen Sie, ein Iron Man ist. Aber es ist kein Schock um des Schocks willen – Tsukamoto hat viel im Kopf, und jede Facette seines Fiebertraums, von den grimmig handgefertigten Make-up-Effekten bis zur schmierigen 16-mm-Kamera, spricht im Dienst seiner ultimativen These: Die Verschmelzung von Technologie und Menschheit wird uns alle völlig zerstören.

Viel Spaß beim Anschauen, alle zusammen! 🙂

Weitere Informationen finden Sie in unserer Liste der gruseligsten Disney-Filme, die jemals gedreht wurden.